tag:blogger.com,1999:blog-36155119963991626322024-03-13T13:18:48.704-07:00Arranz Critics and ReviewsBlog dedicado al análisis de los últimos estrenos cinematográficos.Pukanehttp://www.blogger.com/profile/01067510380192137377noreply@blogger.comBlogger405125tag:blogger.com,1999:blog-3615511996399162632.post-13163053953461458902020-03-06T09:21:00.001-08:002020-03-06T09:21:04.694-08:00Lista de las 10 mejores películas de 2018 (por orden de preferencia)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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<p> Ha sido difícil, más difícil que nunca, pero llega el final de otra aventura anual que me ha llevado a perseguir y visionar un sinfín de propuestas cinematográficas con el objetivo de elaborar mi lista de las 10 mejores películas del año según calendario internacional. Este artículo es el cierre de esa aventura, y espero que esta lista definitiva os ayude a descubrir ciertas joyas desconocidas y a darle otra oportunidad a filmes que tal vez no os acabaron de convencer en un primer momento. Estas son las diez mejores películas del 2018, por orden de preferencia. </p><a name='more'></a>
<p> 1) Cold War. </p>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://3.bp.blogspot.com/-jLXtymEmzvM/XmJ_vgCAhfI/AAAAAAAALEA/TrfTn_RgkOMcbLwWkTiAzhoQP9AMPDHQQCNcBGAsYHQ/s1600/Buena1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;">
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<p> Un clásico instantáneo, una obra de inmensa sutileza, de desoladora profundidad, de una autenticidad que quema. Pawlikowski nos mete de lleno en la Guerra Fría y hace que el tiempo, la música (un personaje más) y los ambientes se mezclen en esa historia de amor imposible que se mueve por unas circunstancias políticas e históricas superiores a la voluntad de ambos protagonistas. Se vuelve palpable la trascendencia de los silencios, tan intensos como cada minuto que vivimos al lado de estas dos almas en persecución, entre las brillantes elipsis de una vida que espera otro momento, tal vez imperfecto, pero puro y resplandeciente, de unión. </p>
<p> 2) Largo viaje hacia la noche. </p>
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<p> Excepcional, poético y desgarrador viaje a través del tiempo, que traspasa las barreras de la mera experiencia cinematográfica para saltar a un vacío inabordable, a la hipnótica sensorialidad de lo indescifrable, y profundizar en las vicisitudes de todo cuanto existe, en la lucha entre lo nimio y lo trascendental, entre la forma y el fondo, entre la ambigüedad de la existencia terrenal y la intrigante realidad de los sueños. </p>
<p> 3) Under the Silver Lake. </p>
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<p> La película de culto del 2018. David Robert Mitchell regresa con un neo-noir millenial donde la cultura popular es el centro de todo, y que se expande en toda direcciones de una forma apasionante a través de sus imágenes, su música y su inabarcable catarata de referencias. Es probablemente el viaje más excéntrico (Lynch y Hitchcock se miran fijamente) y rebosante de ideas en el que perderse, un brillante y tragicómico cóctel de géneros que nos arrastra cautivados hacia el fondo de un microcosmos hipnótico, inquietante y metacultural para poner patas arriba las creencias de una generación perdida en su propio ombligo. Queda aplaudir a un cineasta que se arriesga y pone toda la carne en el asador con este viaje quijotesco, y sumergirnos con él en las profundidades de Silver Lake. </p>
<p> 4) Burning. </p>
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<p> Un thriller psicológico que le da un vuelco a la esencia misma del género para afrontar la historia con la traviesa certidumbre del circunloquio. Lee Chang-Dong no adapta a Murakami, ni siquiera libremente, sino que lo expande en infinitas direcciones para lograr una película insondable y fascinante a partes iguales.Brota algo tan ambiguo y contradictorio como la lucha de contrastes que enfrenta constantemente la historia. Una lucha de clases entre lo rural y lo urbano, entre la tradición y la occidentalidad, entre la ficción y la realidad, siempre guiada por el simbolismo de su enrarecida atmósfera, donde el protagonismo de lo prosaico es rodeado por un paisaje fantasmagórico, a veces poético, y una incertidumbre paranoica que abraza a sus complejos personajes mientras conversan tranquilamente. Sórdida y hermosa, contenida y violenta, extrañísima y prácticamente perfecta, se mete en tu cabeza para no salir de ahí. </p>
<p> 5) Hereditary. </p>
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<p> Ari Aster debuta con una obra maestra, meticulosa, opresiva, fascinante y sí, completamente terrorífica. Un drama que camina hacia la tragedia a fuego muy lento, que se adentra en el caos a través de un miedo delicado y preciso (dosificado con cuentagotas), que va destruyendo el suelo bajo nuestros pies hasta que caemos en lo más profundo.
Uno de los mejores despertares del género del último siglo, que grita desde las profundidades con una voz propia que se termina de asimilar tras un clímax extraordinario, en una escena final sencillamente inolvidable. </p>
<p> 6) Aniquilación. </p>
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<p> Entre la insondable fascinación de lo incomprendido y la sempiterna supervivencia de lo emocional, entre la cerebralidad de un puzle y la delicadeza de su solución, Alex Garland erige uno de los thrillers de ciencia ficción más poderosos de los últimos años, saltando de lo terrorífico a lo hermoso en un camino que conduce hacia la abstracción más reveladora. El cineasta no hace ni una concesión comercial, entrega una obra muy personal, repleta de poesía, de riesgos y de aterradoras premoniciones futuras; que concluye con un clímax final tan atrevido como incontestable. </p>
<p> 7) Roma. </p>
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<p> Cuarón captura mucho más que un tiempo y una sociedad a través este increíble pero doloroso lienzo neorrealista. Revive cada mota de polvo, cada haz de luz, cada sonido lejano y cada silencio roto para contar la historia de Cleo (y tantas otras mujeres), una odisea emocional demasiado difícil para ser retratada sin la ayuda de presagios folclóricos, la lucha de clases, los cambios históricos y hasta las mismísimas fuerzas de la naturaleza. La cámara del cineasta se convierte en el cincel más preciso para la construcción de ese universo, haciendo que cada detalle respire y que cada metáfora cuente, moviéndose con certera convicción entre la poesía y el naturalismo, entre la grandilocuencia y la sensibilidad más delicada, para alcanzar una armonía sobrenatural. La película de Cuarón está tan rebosante de historia, de lucha, de ira y amor contenidos, de sentimientos demasiado difíciles para ser aceptados, que llegado el momento la explosión es devastadora. Su admirable y vigoroso compromiso con el tiempo, el lenguaje y la vida lo lleva a alumbrar su trabajo más personal, su mejor película. </p>
<p> 8) Un asunto de familia. </p>
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<p> Koreeda regresa una vez más a todos los temas de su impecable obra con una historia que se desenreda con maestría y emoción a través de un sinfín de capas superpuestas. El cineasta se entrega de nuevo a la observación, al retrato veraz y comprensivo -aunque imparcial- de unos seres extraños y abandonados que contra todo pronóstico se unen para formar una unidad familiar. El tacto delicado tan reconocible se mezcla con un compleja profundización emocional e intermitentes cuestiones morales que desembocan en un tercer acto tan arriesgado como demoledor, con el que se confirma la infinita capacidad del director para seguir tratando los mismos temas sin agotarlos jamás. </p>
<p> 9) Possum. </p>
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<p> Y llega la sorpresa, una pequeña y aterradora película que se arrastra viscosamente y penetra por la pernera del pantalón para continuar subiendo hasta nuestra nuca causando el desazón con su escarpado deslizamiento, un sudor frío que susurra nuestros peores miedos y termina por revelarse como una de las mejores apuestas que el género ha dado en el último siglo. Una propuesta opresiva, espeluznante, hipnótica, con un poderío visual y simbólico que debe provenir del mismísimo tártaro. </p>
<p> 10) Lazzaro feliz. </p>
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<p> Es el lirismo imbuyendo la castidad del costumbrismo, con tacto sutil y mirada hechizada, con una energía que apenas se alcanza a recordar quizás de una vida pasada. Un lienzo naturalista y casi celestial que gravita cual virtuoso recuerdo en la inabordable inmensidad del cosmos, como una parábola humanista tocada por la gracia del mejor realismo mágico para hacernos reflexionar sobre la sociedad, la naturaleza, el tiempo, la memoria y la eternidad. Todo queda reflejado en la expresión pura y bondadosa de Adriano Tardiolo, la constante nuclear de ese universo neorrealista y mágico mediante el que Alice Rohrwacher rememora -con amor- todo el cine italiano precedente. </p>
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<p> Alejandro Arranz </p>Alejandro Arranzhttp://www.blogger.com/profile/07900370052108548180noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3615511996399162632.post-56455532008426515662019-12-20T01:14:00.000-08:002019-12-20T01:57:41.955-08:00Crítica de "Star Wars: El ascenso de Skywalker"<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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<p> Escribo estas líneas con pesar y agotamiento, tocado por la melancolía, frustrado y profundamente decepcionado. Es probable que nadie entienda exactamente en qué punto me encuentro como amante del cine, como fan de Star Wars y mucho menos como niño maravillado por una galaxia que ahora mismo parece más lejana que nunca. En 2015 defendí con pasión la habilidad de Abrams para revivir una saga generacional empleando el motor nostálgico con la intención de abrir nuevos senderos. Dos años después quedé fascinado, en contra de la opinión popular, por la capacidad de Rian Johnson para desbaratar con brillantez las expectativas de varias generaciones para lograr una película que fuera más grande que sus bases fundamentales, más amplia que unos principios arcaicos inamovibles hechos precisamente para ser levantados y renovados a base de convicción y talento; más aún cuando la fórmula estaba agotada. Pero algunos fans, demasiado anclados en un erróneo tipo de nostalgia, no estaban preparados para aceptar riesgos, solo querían lo mismo pero bien camuflado, y la película de Rian Johnson fue absorbida por el odio del lado oscuro. Abrams ha vuelto ahora con el encargo de arreglar aquello que no era del gusto de todos, para tapar lo nuevo o controvertido con piezas tradicionales que siempre han funcionado bien, y mantener así el espíritu rebelde controlado bajo el yugo del mercantilismo. Es un día fatídico para algunos de nosotros, Star Wars ha fallecido. </p><a name='more'></a>
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<p> Abrams ha encarado este fin de ciclo con miedo, temeroso de fallar al público, a la taquilla, a la saga y a sabe Dios quién más. El cineasta, férreo en su absurdo esfuerzo de agradar incluso al midicloriano más dubitativo, no ha reparado en la contradicción que eso implicaba, y que ha desembocado precisamente en una traición a la esencia de la saga. Y es que, a este producto prefabricado al gusto del consumidor bajo la impostora apariencia de los filmes de aventuras de antaño se le ha olvidado la capacidad de sorprender, inalcanzable desde la angostura de su canónico y hermético habitáculo. Así se ha gestado esta réplica sin alma, incapaz de alzar el vuelo o maniobrar dentro de sus restringidos esquemas condescendientes, torpemente confeccionada a través de retazos desvencijados de viejas estructuras. Un reciclaje impostado de ideas y emociones que corre en círculos evitando cualquier momento de pausa, de esos tan valiosos en esta saga, que permita al espectador pensar en lo que ve o sentir alguna cosa que no esté vilmente calculada por un algoritmo. Incluso la música de Williams, domesticada como casi nunca, parece malograrse para recrear con artificio un recorrido emocional que antaño surgía de forma innata. Esa carencia de personalidad, ingenio y fe que resulta tan molesta solo rivaliza con el sinsentido del argumento y las lamentables decisiones del guion, empeñado en retroceder, en aplastar perspectivas, personajes, arcos (Kylo...) y caminos abiertos en el episodio VIII, en someter cualquier atrevimiento ante el más impuro de los convencionalismos mientras fuerza a puñetazos sus disparatados giros, sus Deus ex machina y resoluciones sumamente decepcionantes y se rinde a la inanidad de su paroxismo. </p>
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<p> Es posible que Abrams fuera el indicado para relanzar la franquicia para un nueva generación, pero desde luego no era el cineasta que debía cerrarla, mucho menos tras la audacia mostrada por su predecesor en el episodio VIII. Me provocó una enorme tristeza que aquella valentía fuera tan mal recibida, pero mucho más ver como Disney ha premiado a todo el fandom tóxico (lo de C3PO y Rose no tiene nombre) y denigrado el trabajo de uno de los autores más interesantes del cine comercial de los últimos años. Es el triunfo del odio y del fanservice industrial frente a la originalidad, el riesgo, la diversidad y el auténtico sentido de la aventura. Un golpe tremendo a la creación artística y cinematográfica, a la autoría, al poder de la narración. <i>Rise of Skywalker</i> está lejos de ser una película, es un producto largo, errático, anticlimático y forzado realizado por un grupo de ejecutivos, que se asemeja más al fanfiction de un niño que juega con sus muñecos sin la menor idea de desarrollar una historia solvente, dramática y mucho menos sorprendente. Dije hace un par de años que Star Wars nunca ha sido perfecta, solo perfecta para el espectador maravillado por ella. Me apena muchísimo reconocer que ya no pertenezco a ese afortunado grupo. </p>
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<p> Alejandro Arranz </p>Alejandro Arranzhttp://www.blogger.com/profile/07900370052108548180noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3615511996399162632.post-72474110380487495142019-11-18T04:32:00.000-08:002020-04-24T00:41:08.819-07:00Crítica de "Ford v. Ferrari"<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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<p> A estas alturas el nombre de James Mangold es ya ampliamente conocido gracias al éxito que supuso <i>Logan</i>. Pero desde mucho antes su filmografía escondía todo tipo de rarezas, pasos en falso y películas notables. Es un realizador de westerns que solo ha hecho uno propiamente dicho, y es su mejor película, <i>3:10 to Yuma</i> (también con Christian Bale), remake del filme homónimo de Delmer Daves, protagonizado por Glenn Ford y basado en un relato corto de Elmore Leonard. Tras su larga estancia en el universo mutante Mangold vuelve con otra cinta crepuscular, un duelo al sol de neumáticos sobre el asfalto. Se trata de la historia real sobre como el diseñador automovilístico Carroll Shelby y el conductor británico Ken Miles fueron contratados por Henry Ford II para construir un automóvil que derrotase a Ferrari en el Campeonato del Mundo de Le Mans de 1966. Lo mejor: no hace falta ser un amante de los coches o las carreras para disfrutar de esta estimulante película. En cuanto la cámara de Mangold acelera, no querrá bajarse de la butaca. Pero primero, abróchese el cinturón. </p><a name='more'></a>
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<p> Ya no se hacen películas así. Es la sensación que queda cuando llega el final, tras dos horas y media de perfecta competición, intercambios de miradas y naturaleza salvaje dominada a base de pionera insensatez. Su cinetismo proviene de una época anterior en la que las prioridades eran diferentes, en el cine y en la vida, y eso brinda una serie de piezas esenciales que no tendrá fácil reproducir cualquier otro modelo actual del género. Es un corazón clásico perfectamente asimilado en un chasis de vanguardia. Se huele la gasolina, se palpa el calor, el sudor, e incluso se siente como palpita el asiento del piloto. Esa autenticidad no se puede comprar, requiere algo más, y Mangold lo sabe. A través de dicha comprensión ha logrado que su película funcione tanto dentro como fuera del circuito, con un retrato de la amistad masculina tácito e inusitado, apoyado en las sensacionales interpretaciones contrapuestas de Bale y Damon, siendo la réplica del segundo la que hace crecer la película por encima de sus clichés. En las carreras es donde el notable apartado visual se vuelve un desfase; pocas veces ver un coche tomando una curva podía ser igual de fascinante tras setenta o cien repeticiones, pero el ritmo que imprime el cineasta es increíble. El guion, escrito a cuatro manos, comete errores y tropieza con numerosos baches, pero también sorprende al ofrecer interesantes puntos de vista sobre la obsesión por el peligro, el sentido de la derrota o la lucha entre la alienante burocracia y la audacia suicida de los genios. </p>
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<p> Es algo molesto reconocer que existen algunos problemas bajo la carrocería de este vibrante e iridiscente vehículo, probablemente porque son cosas que el público del siglo pasado ni tenía en cuenta cuando el disfrute era semejante. Pero ya no estamos en el siglo pasado. <i>Le Mans '66</i>, como se titula en nuestro país, es un blockbuster desmesurado, un drama deportivo calibrado al milímetro, una buddy movie elegante y además, un péplum automovilístico con el que Mangold, cual Prometeo moderno, desafía las normas del Olimpo de la industria con el fin único de entregar al ser humano algo especial: un filme emocionante y escandalosamente entretenido, una rareza pasada de moda en un tiempo de manufacturas impersonales. Gracias. </p>
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<p> Alejandro Arranz </p>Alejandro Arranzhttp://www.blogger.com/profile/07900370052108548180noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3615511996399162632.post-57926358594731198382019-11-01T03:36:00.000-07:002019-11-01T03:36:01.481-07:00Crítica de "Doctor Sueño"<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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<p> Mike Flanagan se está ganando a pulso ser uno de los directores del cine de terror más competentes del panorama actual. Un tipo que ha construido una sólida filmografía en torno al género, con siete películas y una exitosa serie en tal solo ocho años. No solo eso, sino que ha demostrado captar perfectamente el ideario de los grandes literatos del género de cara a adaptar sus universos al medio audiovisual. Lo demostró con <i>Gerald's Game</i>, una de las mejores adaptaciones recientes de Stephen King, y también con <i>The Haunting of Hill House</i>, donde la novela de Shirley Jackson cobra vida de una forma muy interesante. Es probable que lo que marca la diferencia sea la estupenda comprensión de Flanagan respecto a las fuentes originales, su focalización en los dramas que crean estas historias, en los traumas de los personajes y sus pasados oscuros, que son los que hacen cobrar vida al auténtico terror. Un terror que tiene su origen en el drama, que no importa sin él, exactamente como en las páginas de Stephen King. Quizás esa comprensión del novelista de Maine ha hecho que vuelvan a encontrarse nada menos que para la secuela de “El resplandor”, o tal vez todo haya sido cosa del Ka. </p><a name='more'></a>
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<p> Es normal que uno entre con miedo a ver esta película. Es la secuela de una excelente novela y de una película mayúscula, nunca se sabe qué puede salir de ahí. Mucho más miedo da ver que Akiva Goldsman escribe el guion junto a Flanagan, especialmente tras su trabajo en la espantosa adaptación de <i>La torre oscura</i>. Sin embargo la pericia del cineasta acalla todos los temores que nos susurran al oído, y vuelve a demostrar que es inmensamente capaz de captar a King, y más importante, de trasladar esa comprensión al lenguaje visual. Lo más increíble que logra aquí Flanagan es aunar con virtuosismo la obra literaria de King con el universo visual de Kubrick para crear una de las películas más entretenidas de la temporada. Un encargo que salda sin caer jamás en una malentendida nostalgia o veneración hacia dichos autores; manteniendo siempre un respeto abierto a llevar algunos momentos un poco más allá. Es una decisión que le permite al filme, gracias al conocido talento visual del director, concebir secuencias de poderío escalofriante y extraordinaria delicadeza, donde brillan la elección de los encuadres y la labor de montaje del propio Flanagan. </p>
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<p> Casi todas esas secuencias se encuentran en el segundo tramo, el mejor en términos cinematográficos, entre un inicio desangelado y algo desaprovechado (como el personaje de Danny), y un tercio final que invoca el pasado al tiempo que termina de liquidar, con bienvenido atrevimiento, una de las deudas que la película de Kubrick tuvo con la novela de King. Estas notorias desigualdades, comprensibles en la confrontación de tres autores diferentes, son un ejemplo de que Flanagan no siempre acierta, y de hecho aunque los 152 minutos de la cinta se pasen volando, hay varias ocasiones que hubieran funcionado mejor con el uso de la elipsis. Aún así se agradece que no se deje llevar por las fórmulas del terror moderno y opte por un ritmo más personal, que permite meditar con sobriedad sobre la esencia dramática del universo de King. Una pena la incesante y pomposa banda sonora, que suele corromper la atmósfera de la película. </p>
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<p> Hay algo que le pesa mucho a la propuesta, y es que se trata de una adaptación de una novela menor de Stephen King. Hay que aceptarlo, esto no es El Resplandor, y eso se nota mucho. Flanagan maneja bien los elementos que le brinda la historia, pero aquí no hay mucho más que eso. Depende de cada uno juzgar si es suficiente. <i>Doctor Sleep</i> es un thriller entretenido, sobrio y respetuoso, capaz de afrontar los temas de la novela a su propia manera. Una secuela que armoniza para los fans las dos versiones más famosas de la historia de los Torrance sin llegar al nivel de ninguna de ellas, ni tampoco necesitarlo. </p>
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<p> Alejandro Arranz </p>Alejandro Arranzhttp://www.blogger.com/profile/07900370052108548180noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3615511996399162632.post-50149960564153798442019-10-24T02:04:00.000-07:002019-10-24T02:04:04.194-07:00Crítica de “Zombieland: Mata y remata”<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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<img border="0" src="https://3.bp.blogspot.com/-DQOV2AxXVyc/XbFk--vGhwI/AAAAAAAAJ7s/538_n1v7i380KRXB4rrq-gzNrsgmYTcoACNcBGAsYHQ/s1600/Zombieland21.jpg" data-original-width="600" data-original-height="337" />
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<p> Quién diría que ya han pasado diez años desde que pisamos Zombieland por primera vez. Por entonces Emma Stone aún no había conquistado Hollywood y el nombre de Jesse Eisenberg tan solo empezaba a sonar en el cine independiente gracias a <i>Adventureland</i>. Fue una sorpresa en toda regla, otra película de zombies en un momento en el que el género ya estaba bastante sobrecargado que por arte de magia funcionó a las mil maravillas. Su falta de pretensiones heredada de la mejor serie B, la palpable química del excelente reparto y su oportuna mezcla de mala leche, contagiosa irreverencia y accesible corazoncito conquistó a más espectadores de los que desencantó. Se trataba de un placer culpable muy bien planteado y ejecutado, con una fantástica coreografía que derrochaba estilo mientras equilibraba las dosis de comedia con la carnicería “romeresca”. Fue, sencilla y llanamente, un gratificante soplo de aire fresco. También fue la ópera prima de Ruben Fleischer, encargado de perpetrar la peor comedia romántico-sadomasoquista del año pasado (<i>Venom</i>). Es más, no ha hecho ninguna buena película desde aquel apocalipsis zombie, y tal vez por eso regresa con esta secuela tardía. Un “double tap” que llega con el género más agotado y moribundo que nunca. Y lamento decirles que no es un regreso en plena forma. </p><a name='more'></a>
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<p> Era de esperar que el efecto sorpresa se desvaneciera por razones obvias, especialmente si tenemos en cuenta que el género se ha diversificado mucho desde 2009, por instinto de supervivencia. Desde las películas que mantienen un carácter más clásico, cercano al cine de Romero, como <i>Train to Busan</i>, hasta melodramas indie con Schwarzenegger llorando (<i>Maggie</i>) pasando por propuestas más existenciales (<i>La nuit a dévoré le monde</i>), pedagógicas (<i>The Girl with All the Gifts</i>) y “jarmuschianas” (<i>The Dead Don't Die</i>). Ante este panorama zombificado en busca de una identidad propia y distintiva que logre atraer al público, decepciona enormemente la absoluta carencia de frescura de esta secuela, que prácticamente comienza dando las gracias por habernos dejado el dinero en un zombi innecesario de segunda fila. El guion, muy previsible y poco original, tan solo ofrece una repetición perezosa de lo que vimos en la primera parte, con la diferencia de que todo luce menos. No negaré que se puede disfrutar de lo que vuelve a ofrecernos <i>Zombieland</i>, con el piloto automático y un nivel de resignación digno del fin del mundo, pero aún así la comedia es cómoda y poco inspirada, mientras que la acción nunca logra funcionar, no digamos ya compararse con la eufórica brillantez de sus grandes éxitos. Otro problema es el intento del guion de introducir unos conflictos dramáticos que en última instancia quedan desaprovechados, dejando el libreto anclado cómodamente en los homenajes torpes y un uso del recurso de plantar y recoger (planting/pay off) que parece de principiantes. Tampoco convencen los nuevos personajes. </p>
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<p> Queda por lo tanto disfrutar de un cuarteto de grandes actores que se divierte parodiándose sin esfuerzo alguno por levantar la cinta de su agonizante condición; y también una escena post-créditos que es de largo lo mejor de la película. Es una pena que se esté hablando ya de una posible tercera entrega, de crossovers con Deadpool y otras ideas descabelladas que mantengan la sangre fluyendo por un organismo que ya no funciona, empeñado en repetir una fórmula agotada. No hay nada de malo en dejar morir una franquicia incapaz de adaptarse a su entorno, ni tampoco en obligar a Ruben Fleischer a tomar una necesaria jornada de meditación. Esta secuela es como un chicle que se ha quedado sin sabor, y que empieza a asemejarse más a un plástico artificial que a la apetecible golosina que una vez nos encandiló. </p>
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<p> Alejandro Arranz </p>Alejandro Arranzhttp://www.blogger.com/profile/07900370052108548180noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3615511996399162632.post-10574340890499422302019-10-20T02:13:00.000-07:002019-10-20T02:13:00.793-07:00Crítica de "Noche de bodas" (Ready or Not)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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<p> Si me dijeran que me iba a divertir tanto con esta sangrienta farsa no me lo habría creído ni por asomo. Todo un acierto de Grand Guignol en clave de survival matrimonial pasado por el filtro de la comedia negra y que se permite tanto homenajes al slasher de antaño como una ligera capa de sátira hacia la clase alta y las instituciones anticuadas. Los directores Tyler Gillett y Matt Bettinelli-Olpin, que vuelven a colaborar tras aquel aburrido exorcismo de metraje encontrado que fue <i>Devil's Due</i> (2014), ofrecen una premisa rocambolesca y tontorrona que no se avergüenza de si misma ni se complica con innecesarias pretensiones, permitiendo que el divertimento pase por encima de todo lo demás (chúpate esa, empoderamiento femenino). Es hora de jugar. </p><a name='more'></a>
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<p> La comedia de terror es un género maravilloso, y quizás no todo lo bien explotado que se merece. Muchos títulos fracasan en su intento de remozar lo ya visto, otros se exceden con la nostalgia, algunos no pillan el tono correcto y también están aquellos que directamente no hacen ni puñetera gracia. Pero esta vez tenemos una propuesta bien equilibrada. Un guateque sencillo pero efervescente que atrapa en primer lugar por su contagioso entusiasmo. Desde el primer momento los directores mantienen una atmósfera tensa pero juguetona, que se inclina más hacia la comedia maliciosa que hacia su faceta más oscura, demasiado desaprovechada. La sobria y elegante propuesta visual es acompañada por un impecable sentido del ritmo que avanza a golpe de slapstick -gore- mientras la heroína intenta zafarse de sus terribles suegros en una noche donde la violencia se abre paso al mismo tiempo que el vestido de la novia se resquebraja y se tiñe de sangre coagulada. Samara Weaving, que hizo su entrada en el género con <i>Ash vs Evil Dead</i> y nos sorprendió a muchos en <i>The Babysitter</i>, se confirma aquí como una de las mejores actrices de la comedia de terror reciente, entre Scream Queen y Femme fatale. </p>
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<p> <i>Ready or Not</i> nunca profundiza demasiado en los interesantes elementos de su locura ni finge hacerlo, pero disfruta ofreciendo una serie de catástrofes tan previsible como divertida, formulando un cóctel estimulante con alguna que otra sorpresa dramática en el último tercio. Es algo así como la hermana menor -y rubia- de “Get Out”, menos interesada en profundizar en el contenido y más en la forma de desatar el caos por puro placer. Y qué vas a echarle en cara, si es escandalosamente divertida. </p>
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<p> Alejandro Arranz </p>Alejandro Arranzhttp://www.blogger.com/profile/07900370052108548180noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3615511996399162632.post-48346959732329258822019-10-04T16:18:00.000-07:002020-06-21T01:41:05.478-07:00Crítica de “Joker”<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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<p> Caos. Puro, imparcial y liberador caos. Y también, desde tempranos inicios del cine mudo, profundamente divertido para el público. Por dar el contraste. Nadie podía prever con precisión lo que se nos venía encima con esta nueva versión de los orígenes del príncipe payaso del crimen. Todd Phillips, un tipo acostumbrado a vorágines universitarias y embrollos resacosos, escondía desde el principio un as en la manga. Había algo dentro de este cineasta, acechando en el fondo de esas comedias brutas pero filtradas, que ha decidido salir aquí y ahora, para darle -aberrante- corporeidad y miserable alma al nacimiento más aterrador desde <i>Rosemary's Baby</i>. Una comprensión tan clara del caos que solo ha podido desembocar en esta película incendiaria, virulenta y oscura. Una tragicomedia brillante, tan grotesca como nuestra corrompida existencia, tan caricaturesca como la insensible y prohibitiva estructura social que nos dirige y tan falaz como la supuesta moralidad que domina las delimitadas convicciones con las que deambulamos hacia nuestro fin. Vamos, acérquense, que un día sin risa es un día perdido. </p><a name='more'></a>
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<p> Aunque no es que vayan a reírse mucho, a priori, con esta disección de una mente perturbada en un mundo enfermo. Es de hecho una película muy triste e incómoda, desagradable y ambigua, que resulta difícil creer que se haya gestado en el Hollywood actual a la sombra de un estudio como Warner Bros. La semilla marchita y oscura plantada por aquel rey de la comedia de Robert De Niro y que casi parece recolectada por el mismísimo Alan Moore en un momento de serenidad y meditación. Todd Phillips y Scott Silver han democratizado su película de toda cuestión superheroica, de toda épica innecesaria y prácticamente de todo elemento comiquero que pudiera despegar a Arthur de su cruel realidad, de demoledora autenticidad. Ni siquiera pensamos en Gotham al ver las calles de esa sucia Nueva York en la que malvive el personaje. Estamos más cerca de las malas calles de Scorsese, los callejones de Paul Schrader y los paseos de aquel Rorschach asqueado que nos ilustró Dave Gibbons. Viajamos, al fin y al cabo, a los años 80; aunque sean ridiculamente semejantes al malestar actual. La lucha de clases es un trampolín para sacar a la palestra a los políticos demagogos y populistas (una suerte de cambio de roles dramáticos), las crisis unilaterales y un desapego emocional que afecta a toda la sociedad por igual. Son las dos caras de una inhumanidad que pide a gritos un símbolo. O símbolos, en plural, que en última instancia serán análogos contradictorios. Dos caras de la misma moneda. </p>
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<p> Uno de esos símbolos nace precisamente de Arthur Fleck, de su sueño de ser comediante en un mundo que le produce dolor y tristeza, y de lo que viene después. En este punto es donde Joaquin Phoenix lleva a cabo una de las metamorfosis más terroríficas e impresionantes que he visto. Si ya en <i>The Master</i> demostró ser el mejor actor posible para este tipo de papeles y hace apenas dos años, con <i>You Were Never Really Here</i>, ofrecía una interpretación "física" (más parecida a lo que observamos aquí) que debió darle -de una vez- su muy merecida estatuilla, en esta ocasión vuelve a hacer lo propio de un modo completamente diferente. No se trata de si su risa triste y esquizofrénica es algo definitivamente indescriptible, de si consigue helar la sangre con la mirada, de su capacidad para hacernos empatizar con un psicópata de principio a fin o si emerge como un Joker inigualable en su estilo propio (con herencias sabiamente escogidas); el núcleo de su interpretación proviene de su lenguaje corporal, de como el gusano se transforma en mariposa a través del movimiento. El baile, la revitalización de sus lánguidas articulaciones, la liberación de su autoestima, de su verdadera esencia, tras la comprensión de si mismo y el mundo que le rodea. -Re-Nace aquí un antihéroe popular entre Travis Bickle, Tyler Durden y Fred Astaire, capaz de desestabilizar el statu quo a través de su propia esencia corrupta, de la naturaleza caótica de todo cuanto existe (especialmente el ser humano), solo por diversión. Y la comedia, recordemos, no tiene limites. </p>
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<p> En este mundo podrido y políticamente correcto en el que sobrevivimos, donde nos preocupamos más sobre si el arte es moralmente aceptable o peligroso, pese a que no tiene mayor responsabilidad que la de ser libre y creativo, que de otras cuestiones verdaderamente urgentes, este Joker es el mejor regalo que nos podía hacer Warner-DC para que les empecemos a perdonar sus herejías recientes. Un pedazo de caos perfectamente envuelto, tan lúgubre y difícil de disfrutar como encarecidamente personal, donde prima la visión del cineasta por encima de lo previamente escrito y que no necesita aclaraciones ni razonamientos para entregarse a la más justa de las locuras con una sonrisa de oreja a oreja. No hay duda de que el filme generará todo tipos de polémicas, y de que los puristas afilarán sus -inofensivos- cuchillos contra esta visión de los orígenes de un villano que nunca ha querido ser explicado ni comprendido. Pero todos esos pueden restregarse con vehemencia en los grandes éxitos del mejor Joker fiel a la viñetas, nuestro Mark Hamill de siempre. <br />
Toc toc, ¿quién es? La obra maestra de Todd Phillips. <br /> <br />
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<p> Alejandro Arranz </p>Alejandro Arranzhttp://www.blogger.com/profile/07900370052108548180noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3615511996399162632.post-12606565685716559122019-09-28T01:45:00.000-07:002019-09-28T03:12:23.523-07:00Crítica de "Mientras dure la guerra"<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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<p> Entre anuncios de cerveza/lotería y olvidables regresiones hace ya demasiado tiempo que Amenábar no aterriza en las salas de cine españolas con una película que transmita verdadero interés. Es de esperar que, para muchos, sea su nuevo proyecto el que lo consiga; especialmente porque se trata del regreso del director a España, donde no rodaba desde hace 15 años, cuando realizó <i>Mar adentro</i>. En esta ocasión nos trae un drama histórico ambientado en el comienzo de la Guerra Civil, que traza un paralelismo entre los movimientos de Franco para hacerse con el poder y las decisiones tomadas por Miguel de Unamuno ante la sublevación nacional. El cineasta chileno-español nos transporta a la década de los 30 para ofrecer una oportuna disección de la historia pasada de nuestro país que llega dispuesta a abrir los ojos sobre nuestro convulso presente. </p><a name='more'></a>
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<p> La decisión de Amenábar de contar esta historia resulta tan comprensible como ciertamente arriesgada, teniendo en cuenta las repercusiones de estrenar una película de estas características en el mercado actual. A los fundamentos más obvios hay que sumar las diferentes decisiones artísticas de la propuesta; comenzando por una narrativa pausada y un ritmo contenido, si bien medido, que probablemente echen para atrás al gran público. Otro tipo de espectador, que seguramente apruebe dicha mesura, rechazará casi con total seguridad la convencionalidad general de la película, tan irregular como falta de garra. Tanto el guion, desigual y carente de sorpresas, como la pulcra puesta en escena resultan tan correctos como acomodaticios, superficiales si se prefiere, y nunca se atreven a bajar al fango para abrir viejas heridas; algo indispensable aquí. El mayor problema no reside en esta condescendencia, francamente errónea, sino en la maniquea reconstrucción y reducción al ridículo que el director propone en más de una ocasión. El cineasta, que logra alejar la temida caricatura en el retrato de algunos nombres y situaciones reales, sí cae en la simplificación de los mismos, especialmente en su psicología; todo un contraste frente a la delicada sensibilidad que muestra en el trazo de otras secuencias. Hay algunas decisiones/escenas que son, como poco, difíciles de perdonar. El que no da ni un paso en falso es Karra Elejalde, con una interpretación descomunal que convierte a este raro Unamuno cinematográfico en algo vivo y genial, alzando la película por encima de su lograda ingenuidad. </p>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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<p> Una película de luces y sombras, siempre enfrentándose (como todo hijo de español según Amenábar) entre la sutileza y la superficialidad, entre el acierto lacerante y la indolente errata, entre lo loable y una puerilidad de baratillo. Se ve sin problemas lo último de Amenábar, e incluso guarda algunos momentos muy conseguidos, y aunque su pulcritud resta más de lo que suma, debido a su incompatibilidad con esta historia pantanosa, cruenta y controvertida, nos brinda a un Karra Elejalde que arriesga con una interpretación digna de Goya, y no del pintor. </p>
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<p> Alejandro Arranz </p>Alejandro Arranzhttp://www.blogger.com/profile/07900370052108548180noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-3615511996399162632.post-7960599692170941292019-09-26T02:12:00.000-07:002019-09-26T06:30:46.847-07:00Crítica de "Ad Astra"<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;">
<img border="0" src="https://3.bp.blogspot.com/-A9-lFD8eIrI/XYx-EYOh81I/AAAAAAAAJqE/KobuldBn7uIzggXIUVm9kmaF5w47aVXswCNcBGAsYHQ/s1600/Adastra1.jpg" data-original-width="600" data-original-height="400" />
</a>
</div>
<p> Volver a mirar a las estrellas. Eso es lo que nos pide James Gray con su última película. El regreso de uno de los cineastas más increíbles de la última década, ese heredero del clásico con el mejor de los alientos contemporáneos, contempla el espacio, la última frontera, y lo hace como la propuesta más ambiciosa de su carrera. Eso si es que alguna de sus películas no lo han sido. Nos acercamos a un futuro muy coherente con las expectativas actuales, donde la humanidad se ha expandido por el sistema solar colonizando planetas y explotando sus recursos de acuerdo a la necesidad insaciable de agotar la última de nuestras prórrogas en pos de las más insustancial de las banalidades. Desde ese punto de partida, con las estrellas como limite infinito para un cínico “progreso” basado en la deshumanización (consecuencia directa de un sistema restrictivo, imbuido de miedo y soledad, carente de empatía y que premia la frialdad mientras reprime las emociones), se plantea una odisea espacial, de carácter profundamente reflexivo, que le sirve al realizador y guionista para repasar una vez más los grandes temas que han marcado su filmografía (todo gira alrededor de un drama familiar). Un viaje al corazón de las tinieblas, ciertamente ideal teniendo en cuenta las influencias “coppolienses” del cine de Gray y su anterior trabajo, <i>The Lost City of Z</i>, con el que comparte notorias similitudes pese a que aquel río no terminara por desembocar completamente en vertientes conradnianas. </p><a name='more'></a>
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<p> Con apenas un par de pinceladas tanto nuestro protagonista, Roy, como el mundo que le rodea, quedan perfectamente dibujados. El desapego emocional, la sistematización de las relaciones, el control constante del interior del individuo. Es una distopía moderna, un mundo en el que se ha olvidado lo realmente importante, un mundo de locos. Roy no solo construye ese muro a su alrededor porque su universo así lo exige, también se debe a que en su pasado hay una sombra aún alargada. Entonces llega el desequilibrio, cuando un rayo de energía disparado desde Plutón causa estragos por todas las centrales eléctricas de la Tierra. Roy es enviado en busca de su padre, un héroe espacial desaparecido hace más de una década, para averiguar su relación con la reciente amenaza. Esta búsqueda es una oportunidad para examinar lo que sabe y lo que siente, para comprender, para perdonar y volver a comenzar. Es una prueba definitiva para encontrar respuestas relevantes, aunque no sean las que muchos piensan. Y no hay aquí ni rastro de la tendencia al subrayado melodramático de <i>Interstellar</i> o del thriller claustrofóbico de <i>First Man</i> (aunque sí pueden verse algunos puntos dramáticos en común), nos encontramos más cerca de <i>Solaris</i>, como un aparato de ciencia ficción que sirve para hablar de complejos asuntos humanos. No obstante el cineasta neoyorquino ofrece también algunas ejemplares escenas de acción y con la ayuda del director de fotografía Hoyte van Hoytema elabora una puesta en escena que aúna lo épico y lo poético con lo humano como epicentro, siempre con la excelente partitura de Max Richter y Lome Balfe acompañando las envolventes imágenes. Por último hay que hablar de Brad Pitt, todo un extraterrestre de la interpretación, que vuelve a dejar aquí un trabajo maduro y comprometido, de los mejores de su carrera. </p>
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<p> No creo que sea fácil llegar a comprender por completo las dimensiones que alcanza a exteriorizar este nuevo trabajo de Gray, una película impresionante se mire por donde se mire. Una nueva meta que traspasa sin problemas con su talento desbordante, con una sensación de facilidad que solo puede otorgar la delicadeza de un maestro. Es sin duda una propuesta arriesgada, por su indispensable sosiego al contarnos esta historia minimalista y universal a partes iguales. Una aventura espacial donde prima la reflexión, la psicología, el diálogo interno, lo sensorial frente a lo físico. Un viaje que para muchos no llevará a ninguna parte, del que brotan infinidad de ideas brillantes hasta alcanzarse a uno mismo, al sentido primordial de todo lo evidente e importante. Pocas veces alguien había captado tan bien y con tal sutileza -y precisión- el contraste inabarcable entre lo particular y lo universal, entre lo humano y lo infinito, entre la resplandeciente insignificancia de lo incontrolable y el castigado esplendor de lo mundano. Es poético, hacer específico y comprensible lo que solo se puede sentir, transmitir -o más bien redescubrir- una idea tan obvia y profundamente humana, que resulta trágico haberla olvidado. </p>
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<p> Alejandro Arranz </p>Alejandro Arranzhttp://www.blogger.com/profile/07900370052108548180noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-3615511996399162632.post-78320216111714513402019-09-26T01:32:00.000-07:002019-09-26T01:50:02.007-07:00Crítica de “Once Upon a Time in... Hollywood”<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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<p> Hacía ya tanto que no tenía la decencia y el valor necesarios para plantarme frente a la página en blanco y escribir que casi da la sensación de que vuelvo a necesitar los ruedines. Pero nada podía mantenerme alejado de mis responsabilidades tras visionar la novena película de Quentin Tarantino. El polémico cineasta ha decidido dejar de lado cualquier esquema esperado para crear una obra que es extraña y extraordinaria a partes iguales; divertida, ingeniosa, empática con sus personajes y mucho más compleja de lo que su apariencia deja entrever. Desde <i>Jackie Brown</i> que el director no ofrecía una película tan arriesgada, personal y redonda, tan antitarantiniana y profundamente brillante. Firma aquí un director tocado por la madurez, mesurado sin renunciar a su inconformismo, capaz de filtrar todas sus pasiones y fetiches (que no son pocos precisamente) a través de una historia sorprendentemente contemplativa y repleta de matices; en la que cabe su creatividad e ingenio al tiempo que se sosiegan sus tics más recargados. Muchos fans quedarán decepcionados con el Quentin tranquilo, pero es prácticamente perfecto. </p><a name='more'></a>
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<p> Que el título sea una ofrenda a Leone ya me gusta más de lo que nadie pueda imaginarse. Luego está el hecho de que dura casi tres horas y tarda más de una en presentarnos el escenario y a sus personajes. Maldita sea, pagaría para que durase siete más. Sería un peliculón simplemente por su magnífico retrato de la industria cinematográfica o su evidente condición de homenaje -suntuoso- al audiovisual de los 60, por ser una de las mejores buddy movies que se han hecho en muchísimo tiempo, por sus deslumbrantes ideas sobre la relación entre la violencia y la cultura popular, por su juego de espejos, por el dúo impresionante que hacen DiCaprio y Pitt (un Oscar para cada uno) y desde luego por esa traca final que te deja las manos ardiendo de tanto aplaudir. Pero es que hay mucho más en ella. Es una fuente inagotable de ritmo, cameos, neones resplandecientes, canciones irrepetibles, personajes geniales, sketches irrenunciables y amor por el séptimo arte. Un festín cinéfilo que salta entre tonos y géneros con absoluta maestría mientras elabora una historia muy amplia (el nivel de detalle llega a rozar lo enfermizo) que le brinda a sus personajes todo el tiempo del mundo para sentir y respirar. Esta total dotación de protagonismo se empalma con otra decisión tan inesperada como crucial. Tarantino le otorga a la imagen el protagonismo de la cinta, dejando al guion en un segundo plano aunque manteniendo -en parte- su famosa verborrea con un estilo muy diferente; menos autoconsciente y jactancioso, mucho más generoso y sincero. El cineasta, más maduro y -atención aquí- refinado que nunca, ha llevado a cabo la que es la más depurada de sus obras, aunando una técnica impresionante con un carácter inaudito y su fascinante necesidad de romper las expectativas para compartir con el público una mirada inabordable sobre el tiempo, sobre la ficción como constructora de la realidad y el reflejo como respuesta auténtica sobre una verdad falsaria, un sueño corrompido en pesadilla que puede acabar redimiéndose o aliviándose en el pilar de la memoria. </p>
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<p> Tarantino siempre ha tenido miedo a hacerse viejo y comenzar a hacer películas mediocres. Sin embargo su novena -y tal vez penúltima- película demuestra que, como cree desde siempre el maestro Clint Eastwood, la edad conlleva más ventajas que inconvenientes. La edad aporta sabiduría, perspectiva, madurez y el sosiego necesario para entender algo tan complicado y futil como el tiempo y poder elaborar una película semejante a <i>Once Upon a Time in ...Hollywood</i>. Con ella el cineasta alcanza un nuevo punto en su carrera, uno desde el que puede ofrecer un cine mucho más interesante si cabe de lo que ha hecho hasta ahora, pero sin rechazar las señas de identidad que le han visto crecer como creador. Érase una vez una obra maestra de Tarantino. </p>
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<p> Alejandro Arranz </p>Alejandro Arranzhttp://www.blogger.com/profile/07900370052108548180noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3615511996399162632.post-50431549188814635502019-05-10T03:01:00.002-07:002019-05-10T03:29:45.153-07:00Análisis de "Alicia en las ciudades"<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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<p> Es un poco tarde quizás para hablar de las señas de identidad del cine de Wim Wenders, director nacido del inconformista nuevo cine alemán pero fascinado por la cultura americana e influenciado por el autor austriaco Peter Handke y por cineastas tan dispares como: Michelangelo Antonioni, Nicholas Ray, Yasujiro Ozu y John Cassavetes -entre otros-. En sus películas lo más importante siempre son el viaje y la búsqueda. Un cine, digamos, de esencia pura. </p>
<p> Todo esto es muy importante si nos predisponemos a analizar <i>Alicia en las ciudades</i> introduciendo una comparación de herramientas narrativas y visuales usadas por Wenders frente a las utilizadas en el “Método de Representación Institucional” (MRI). A apuntar, que <i>Alicia en las ciudades</i> es la primera parte de la trilogía sobre “Road Movies” que Wenders culminaría con <i>En el curso del tiempo</i> y <i>Falso movimiento</i>, ambas protagonizadas también por Rüdiger Vogler. </p><a name='more'></a>
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<p> El filme está rodado en 16 mm y con una excelente fotografía en blanco y negro, obra de Robby Müller (París, Texas). Esta decisión estética dio como resultado una imagen con grano y falta de limpieza que deviene perfecta para hacernos sentir ese vacío y desesperanza que parecen consumir al protagonista, Phillip. </p>
<p> Phil es un personaje errante, varado, melancólico, un periodista alienado que no encuentra ni una pizca de realidad en su viaje a América para un artículo. Su cámara no capta lo que ven sus ojos y no tiene ninguna historia que contar. Phil sigue hacia delante, kilómetros y kilómetros de radio repetitiva, inhumana televisión y carreteras idénticas, mientras su mente y su alma permanecen en un limbo, en un momento de incertidumbre y apatía. Todo es gris y desolado en su periplo vital y es incapaz de ver la realidad, de interpretar el sentido de su desorientado deambular existencial. Al no encontrar una historia, decide volver a Alemania y un revés del azar introduce en su vida una anomalía que rompe con su rutina, que parece corromper o contaminar su “vida” cuando realmente le va a devolver su humanidad. Esa es Alicia, una niña que por otro revés del azar se verá abandonada por su madre en su vuelta a Alemania (excelente metáfora la puerta giratoria en la que ambos se encuentran por primera vez). </p>
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<p> Así es como dos almas perdidas en medio de ninguna parte inician un viaje, una huida hacia adelante, hacia quién sabe dónde, anhelantes de una pieza en su interior que ni siquiera conocen. Reflejos inesperados la una de la otra. </p>
<p> La narración es intima, basada en detalles y gestos que construyen esa amistad (con cierta inclinación paterno-filial) desde una sorprendente gelidez que se aleja completamente del modelo clásico y del cine comercial actual en el que -por desgracia- ha caído Wenders. No se acentúan ni se intensifican los momentos dramáticos, ni la dirección ni las relaciones entre planos intentan forzar la reacción emocional del espectador. La película deja ese margen de seguridad permanente, convencida de que sus personajes y su historia pueden conmovernos sin forzar a ello.
La dirección del alemán es delicada y concisa en todos los sentidos. La música, los lugares, los personajes, los gestos y movimientos de estos cobran mas fuerza que nunca, pues la cinta está enteramente construida sobre esas dos almas solitarias cuyo viaje les cambiará. </p>
<p> El otro personaje principal es el paisaje, el ambiente, el espacio y los tránsitos de los personajes en el mismo. Esos largos planos de los campos y sus gentes tranquilas en contraste radical con la ciudad, masificada, agresiva y totalmente vacía en el fondo. También el modo en que ese espacio varía mostrándonos los sentimientos de los personajes y haciéndonos participes de su punto de vista, compartiéndolo y comprendiéndolo. Todo ello mediante la elección de planos subjetivos -y falsos subjetivos- que nos muestran también como ven ese paisaje que les rodea y el camino que recorren y dejan atrás. Un viaje a la inversa, desde el “desarrollo” de las ciudades hasta ese pequeño pueblo a las orillas del Rin que no constituye sino los orígenes.
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<p> En un principio vemos al protagonista observando la falsedad y vacuidad de sus fotos en la playa, para más tarde ver las fotos que se toma con la niña en el fotomatón, un instante conmovedor y enormemente significativo que marca la unión de esas dos almas perdidas que llegarán a comprender, en esa aventura, que se necesitan el uno al otro. </p>
<p> Una de las escenas más significativas es la conversación en el hotel entre Phillip y su “amiga consoladora”. Descripción compleja y concisa del personaje, de sus sentimientos. Indispensable para explicar que el ser necesario para alguien más tarde hará que Phillip se recupere de su letárgico estado inicial. También es un punto interesante de análisis, el hecho de que Phil no saque ninguna fotografía en el viaje hasta el final. No siente la necesidad de hacerlo, la única que tiene es la que le ha dado Alicia en la que aparece la casa de sus abuelos, y menuda la importancia del momento en el que llegan a esa casa, en el que Phil remite a la fotografía de la niña y comprueba por primera vez que en esta ocasión sí, esa imagen se corresponde con la realidad. Y frente a la falsedad de las fotografías estará la de la propia vida real, pues los abuelos de Alicia no viven ya allí. Pero esa fotografía siempre mantendrá esa esencia de lo que una vez fue real. </p>
<p> Esto tiene casi tanto significado como esa otra instantánea que Alicia le hace a Phillip, en la que ambos rostros (Phillip y la niña) se superponen. Qué interesante que el camino sin rumbo en busca del destino de la niña, acabe siendo la dirección que buscaba Phillip en su apática existencia y búsqueda de una historia, de una realidad y un significado. Ese Phillip que descubre su camino como si viera a través de la mirada pura y asombrada de un niño. Finalmente ambos personajes disfrutan del que probablemente sea su último momento de libertad juntos, en ese tren, sacando la cabeza por la ventanilla y con el aire agitando sus cabellos al viento. Ahí sí que está claro, Phil ya tiene su artículo. </p>
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<p> Volvemos de nuevo a Wenders como cineasta del nuevo cine alemán claramente influido por el independiente americano. Su cine muestra esa especie de estilo documental parecido al del naturalismo francés, para tratar la incomunicación humana, los conflictos personales/familiares y los viajes iniciáticos para conocerse a uno mismo; temas que tiene en común con su coetáneo, Jim Jarmusch. Mientras en el cine clásico lo más importante era estructurar una narración sólida, coherente y sin fisuras, el filme de Wenders le da mayor importancia a la transmisión emocional, al mensaje, la radiografía de ambientes y personajes, etc. La narración sigue a los personajes poniéndolos por encima de la propia historia, al igual que hace con el discurso. </p>
<p> Por otro lado, en las películas del MRI el desenlace se cerraba, casi siempre con una coda que presenta la situación final de los personajes tras el clímax. En <i>Alicia en las ciudades</i> no hay ese tipo de final. Se puede interpretar, deducir pero sin asegurar lo que va a ocurrir. Wenders nos aleja de esos personajes, de ese tren, en un momento en el que aún les queda mucho camino por delante. </p>
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<p> Precisamente otro punto a diferenciar son los propios personajes. El cine clásico tiene a su personaje Aristotélico, que se manifiesta a través de sus acciones. Cada uno tenía sus motivaciones bien definidas y era el desarrollo de su arquetipo dentro del género. Sin embargo la densidad psicológica y emocional de los personajes de Wenders dista mucho de los del cine clásico, no son arquetipos de nada, son radiografía de un sentimiento universal, pero también son personajes increíblemente reales y complejos, se definen -como en el Modo de Representación Moderno- por un perfil psicológico. </p>
<p> En coincidencia con el modelo tradicional podríamos decir que la estructura se divide en tres actos y que hay un conflicto (en este caso interno) que el protagonista acaba resolviendo, aunque no existe el habitual antagonista.
<p> En cuanto a movimientos de cámara prácticamente solo hay panorámicas de seguimiento y tampoco hay sensación de elipsis (aunque existan) algo a lo que ayuda que Wenders le dé tanta importancia incluso a los detalles más ínfimos de ese viaje, convirtiendo una vez más todo ese ambiente, ese espacio profilmico, en una suma de ideas existenciales y también en una ventana que nos habla además de todo lo que hay más allá del propio cuadro. La focalización es interna variable, obtenemos los puntos de vista y las informaciones de Alicia y Phillip, aunque estos siempre mantienen una cierta imparcialidad. Se utilizan metáforas visuales y los recursos narrativos de la repetición (para dar sentido y hacer ver aquello que cambia) y el juego de contrastes o paralelismos (visuales, conceptuales y sonoros). La fotografía y la banda sonora resultan ser dos personajes más.
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<p> Podemos concluir entonces que Wenders logró conmovernos en 1974 con una obra íntima y real, una de las mejores radiografías de la amistad y la búsqueda o el reencuentro -en el tiempo- con uno mismo; y desde luego una película muy alejada del modelo tradicional. Es dificil captar mejor los instantes, los ambientes, el fluir de los desplazamientos, la importancia de cada gesto casi inapreciable o esa sensación abrumadora de desesperanza con lo que nos rodea y el camino hacia atrás para recordar lo verdaderamente importante. Esperemos que algún día, diga lo que diga Machado, Wenders vuelva a recorrer los caminos de antaño. </p>
Alejandro Arranzhttp://www.blogger.com/profile/07900370052108548180noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3615511996399162632.post-77373420452912640682019-03-14T02:46:00.000-07:002019-03-14T03:46:09.980-07:00Crítica de "The Mule"<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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<p> No podía haber una semana mejor para volver a escribir, porque vuelve Clint. Es algo muy especial para un servidor, al que probablemente nadie la haya brindado tanta felicidad como este inmortal cineasta, que básicamente me enseñó a amar el cine. Tras un doloroso retraso en Enero, al fin llega a la cartelera española su último trabajo como director, y actor. Era difícil igualar la alegría de volver al cine a ver una película dirigida por el maestro, pero volver a verle delante de la cámara es un sueño que ya parecía imposible. Una doble alegría, pues ya no tendremos que lamentarnos porque la última película de su carrera como actor sea aquella olvidable <i>Trouble with the Curve</i>. Es el momento de entrar en la sala de cine y disfrutar de un acontecimiento épico, de una oportunidad que tal vez no se repita (aunque espero profundamente que ocurra): acudir al estreno de una nueva película de Clint Eastwood. Es casi imposible no emocionarse. </p><a name='more'></a>
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<p> Lo último de Clint es una sorpresa constante. Asombra recordar la delicadeza con la que el cineasta nos habla, la elegancia con la que trata a sus personajes, el sentido con el que enfrenta los pequeños detalles y su increíble capacidad para convertir una historia muy compleja, reflexiva y profundamente triste en un cuento liviano y hasta jocoso. <i>Mula</i> es un trabajo crepuscular, otro drama con alma de western, una tragicomedia insólita que reencuentra a Clint, tal vez por última vez, con todos sus temas y los inconfundibles que han caracterizado su filmografía. Hasta se permite interpretar -y maravillosamente- a un personaje que es todos los de siempre al tiempo que madura hacia algo distinto, alcanzando la redención junto al propio Eastwood tras un camino largo, abrupto y repleto de lecciones aprendidas que concluye en el lugar perfecto. Hay seguridad en cada plano, personalidad en cada gesto e importancia en cada diálogo o situación que se sucede; sin embargo la ambigüedad no solo reside en el personaje de Earl sino en el propio tono de la película, que esconde la verdadera naturaleza de ésta. Eastwood, desengañado pero completamente alejado de cualquier cinismo, nos regala la mirada más sabia hacia la vida, cuya clarividente comprensión solo puede provenir de la experiencia. Y aquí la sutileza de un maestro, su emocionante honestidad y la sensibilidad única que siempre le ha caracterizado ponen el broche de oro a una absolución que vive de la derrota. No hay ni pizca de falsedad en un desenlace que es, además de coherente con toda su filmografía, precioso. </p>
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<p> <i>Mula</i> es una película de Clint Eastwood. Seguramente es lo mejor que se puede decir de ella. Y esto no es un inconveniente ni una queja, sino todo lo contrario. Aquí encontramos todas las cosas que han hecho grande la filmografía del maestro, toda la delicadeza que ha forjado su leyenda, desde la simplicidad, sin grandilocuencias. Se puede decir que nadie salvo Clint podía haber hecho esta película, que desprende personalidad de cada poro. Sin embargo habría que matizar que nadie salvo el Clint de 88 años podría haberla hecho, al menos de esta forma, pues requiere cada gramo de sabiduría que ha ido adquiriendo durante su vida y su relación con el séptimo arte. Si es aquí donde nos despedimos de Eastwood, si este es su testamento cinematográfico, y desde luego así lo indican todos los elementos, no parece que pudiera ser de una forma mejor. Una vez más, gracias por todo, señor Eastwood, no sabe lo mucho que ha significado para algunos. </p>
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<p> Alejandro Arranz </p>Alejandro Arranzhttp://www.blogger.com/profile/07900370052108548180noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3615511996399162632.post-43583317999564964272019-03-10T03:24:00.000-07:002019-03-10T03:26:38.104-07:00Crítica de "Capitana Marvel"<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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<p> Siempre es difícil volver a primera línea tras una larga pausa de las obligaciones. Es abrumador encontrarse cara a cara con la página en blanco, pero hay que sobreponerse a ello. Como haría Carol Danvers, la nueva heroina del UCM que llega dispuesta a conquistar los corazones de aquellos que aún no la conozcan de las páginas de los cómics. Fue “Wonder Woman” la que tomó los riegos y se encargó de demostrar que un blockbuster superheroico podía estar protagonizado -y dirigido- por una mujer. El triunfo de Gadot, Jenkins y Warner-DC ha allanado el terreno para que Marvel pueda canalizar el mismo concepto pero dentro de una fórmula, la suya, que sigue funcionando a la perfección de cara al público. La dirección corre a cargo de Anna Boden y Ryan Fleck, dúo que un servidor descubrió con la infravalorada “Mississippi Grind”, y al liderazgo de Brie Larson le sigue un reparto de abanderados entre los que encontramos a Samuel L. Jackson, Jude Law, Ben Mendelsohn o Annette Bening. El boicot sufrido por la película proviene de despropósitos tales que el poco culo de Larson, su supuesta escasez de sonrisas y una ignorante confusión de sus ideales integradores con racismo y misandria. Bien, les diré una cosa, puede que lo nuevo de Marvel-Disney no sea especialmente brillante o estimulante, pero Brie Larson y su Capitana Marvel son algo excepcional. </p><a name='more'></a>
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<p> Durante toda la película queda claro que Marvel ha querido ser mucho más conservadora que DC al realizar su primera película con protagonista femenina. Lo increíble es que esa decisión también le haya salido bien. Más allá de la imagen indeleble de una niña que crece a base de seguir levantándose cuando le dicen que no puede, la creación de ese icono tricolor para todas las niñas que aspiran a ser fuertes e independientes atraviesa una única idea tan clara como poderosa: no necesitas demostrar nada. Carol Danvers es una heroina de carisma desbordante, de valores bien puestos y un poder irrefutable, no porque sus rayos sean capaces de destrozar flotas espaciales, sino porque su fuerza viene de ella misma, de su autoestima, su voluntad y su imponente feminidad, pero sin estereotipos ni explicaciones. Es una pena que la película, en general, no sea tan satisfactoria ni efectiva como el personaje al que presenta. Y es que estamos ante otra convencional historia de orígenes que resulta más previsible y menos inspirada que las demás (quitando al Hulk de Leterriet). No sorprende la poca calidad del villano, la clarividencia de los giros (hay uno predecible pero brillante) ni la reducción de la densidad dramática, lo hacen el mediocre apartado visual y la completa falta de emoción que recorre la cinta, con resquicios de diversión en la química Jackson-Larson, el gato Goose y los guiños noventeros. </p>
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<img border="0" src="https://3.bp.blogspot.com/-qKGgROmIRzQ/XITjmIgt5OI/AAAAAAAAHa4/8ZeU38fCFUYVaCZ-3yr6sOlBgf9nICD7wCLcBGAs/s1600/Capitana3.jpg" data-original-width="600" data-original-height="329" />
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<p> Hay una escena en la que Carol se libera -metafórica y literalmente- de unas ataduras, en parte, autoimpuestas. Tras ese momento despierta no solo el poder de un personaje que va a dar mucha guerra en el UCM a partir de ahora, sino una de las únicas escenas en las que el filme se gusta tanto a si mismo que se deja llevar y pone en standby algunos de los filtros de su noventerismo para simplemente divertirse. Es uno de los mejores momentos de la película, junto con el impagable homenaje a Stan Lee y el cameo del mismo, que os va a chiflar si sabéis mucho de apariciones de Lee en películas. Es una pena que “Captain Marvel” sea tan convencional y poco sorprendente, un poco como le pasaba también a “Wonder Woman”. Aún así es momento de repetirse. Si pese a conocer la fórmula al dedillo, saber cada parada y cada giro o entender la pretensión a un insuficiente entretenimiento en clave de retroceso para el UCM, se preguntan si merece la pena conocer a Carol Danvers, yo les digo: Efectiviwonder. </p>
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<p> Alejandro Arranz </p>Alejandro Arranzhttp://www.blogger.com/profile/07900370052108548180noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-3615511996399162632.post-32823315029768936502018-11-17T04:23:00.001-08:002018-11-17T04:24:49.126-08:00Crítica de “Animales fantásticos: Los crímenes de Grindelwald”<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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<p> -Otro fallido intento de insuflarle vida a la franquicia. Tiene los mismos problemas que su predecesora pero se beneficia de un envoltorio más intrigante y un considerable aumento de presagios. </p>
<p> -Johnny Depp y Jude Law son lo mejor de la propuesta. Rowling debería dejar los guiones a los guionistas. </p>
<p> Es completamente normal entrar con recelo a esta secuela del insoportable e infantiloide spin-off de la saga del niño mago que J.K. Rowling nos intentó vender hace dos años con el título de <i>Animales fantásticos y dónde encontrarlos</i>. La película cambiaba las verdes tierras británicas por los oscuros callejones americanos de los años 20 y suponía el inicio de una pentalogía de precuelas que provocaba una desgana terrible. Por suerte ya hemos pasado el mal trago de aquella soporífera presentación de personajes y reimaginación del universo conocido por los fans de las películas (los fans de los libros tienen más bagaje) en la que los caretos de Colin Farrel eran tan irritantes como el nuevo protagonista interpretado por Eddie Redmayne. Ahora es el momento de que la historia salga adelante, de activar los mecanismos dramáticos e intentar que los personajes evolucionen y se posicionen de cara a lo que -como siempre- está por venir. Con la espectacular secuencia de apertura parece que la magia ha vuelto para quedarse (aunque aquí ya nadie pronuncia ni medio hechizo), pero todo es una filfa, un truco digno del mejor dúo Yates-Rowling, que ya han conseguido que entremos a ver su segundo y deslavazado intento de mantener viva la gallina de los huevos de oro. </p><a name='more'></a>
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<p> Tras esa fantástica introducción la película comienza rápidamente a perder fuelle, aunque recupera el interés de forma intermitente, especialmente cuando entran en escena las nuevas incorporaciones. La propuesta es a todas luces más oscura, no solo por la fotografía de Philippe Rousselot sino también por el cambio de tono general del filme. Esto se manifiesta en primer lugar en la llegada de un nuevo villano a la altura de la franquicia. Johnny Depp abandona todo tic extravagante y opta por una perfecta contención capaz de aterrorizarnos solo con la mirada, y construye a Grindelwald acercándolo a controvertidas figuras de nuestra sociedad actual, dejando claro el peligro que supone un enemigo que no supedita el poder a la magia, sino que utiliza su elocuencia para meterse en tu mente y manipularte. Al mismo nivel está la incorporación de su partenaire sentimental, un joven Albus Dumbledore fielmente asimilado en el semblante de Jude Law; jovial, carismático, inteligente, barbilampiño, con misteriosos matices trágicos y estimables consejos que repartir a sus estudiantes. El resto de personajes no obtienen un desarrollo adecuado, se desaprovechan algunos muy interesantes y los principales, que pierden protagonismo, siguen importando más bien poco para el espectador. </p>
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<p> El mayor error de la película viene ya de la primera entrega, es dejar que Rowling esté a los mandos del guion, contrariamente a lo que ocurría en los filmes de Harry Potter. Su narración es farragosa y plúmbea, repleta de puntualizaciones confusas que solo pueden seguir los más fanáticos del universo; sus planteamientos son inseguros, sus resoluciones tan torpes como predecibles y en el nudo busca abarcar demasiadas cosas sin profundizar debidamente en ninguna de ellas mientras hace gala de sus siempre superfluas lecturas políticas. Tampoco es que sea mejor el trabajo de Yates tras las cámaras, insustancial y sin ritmo, que lleva sin sacar adelante un proyecto desde aquel deleznable intento de convertir a Tarzán en un héroe de acción. En esta ocasión es la partitura de James Newton Howard la que salva los trastos en numerosas ocasiones. Por suerte la cinta vuelve a tocar techo en su tramo final, con un clímax inteligente e incandescente, que le da al público exactamente lo que quiere y algunas vueltas de tuerca que favorecen el cliffhanger. </p>
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<p> La nueva saga del universo mágico de J.K. Rowling sigue sin encontrar su lugar con esta irregular secuela de excesivas pretensiones y tibios resultados. El talento de la escritora, claramente no transferible de la novela al guion cinematográfico, reside en mantener la impresión de que todo va a explotar de un momento a otro aunque nunca llegue a hacerlo. Por eso esta película supone otro planteamiento más sobre lo que está por venir, un sinfín de promesas que seguimos pagando sin ver cumplidas, 135 minutos de elementos embrionarios y guiños al fandom que nunca maduran ni se combinan en una narración cohesionada y dinámica. El efectismo de su desenlace cumple su objetivo, lograr que el público tenga ya reservado el dinero de su entrada para dentro de dos años. Ahí se revela el don de Rowling para convencer al público a base de falsas promesas (casi digno del propio Grindelwald) y su desbordante creatividad para continuar extrayendo oro del marchito sombrero. Menudo truco de magia. </p>
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<p> Alejandro Arranz </p>Alejandro Arranzhttp://www.blogger.com/profile/07900370052108548180noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3615511996399162632.post-35933790341049698642018-11-02T02:30:00.001-07:002018-11-02T05:54:09.692-07:00Crítica de “BlacKkKlansman”<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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<img border="0" src="https://3.bp.blogspot.com/-KjVVwedRHM8/W9wUhr-6s2I/AAAAAAAAGLs/1yHaxvwQCNI08K5TvWvH3-DGjozsMX__ACLcBGAs/s1600/KKKlan1.jpg" data-original-width="600" data-original-height="400" />
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<p> -El director simplifica los elementos de su documento cinematográfico hasta dejar lo más básico. La unidimensionalidad del discurso es digna de un necio irresponsable. </p>
<p> -Cuando Lee se deja llevar por la comedia la película vuelta muy alto, porque es divertida, ingeniosa y deliciosamente negra. </p>
<p> Estamos en los 70, Nixon es presidente, las revueltas en las calles y la violencia policial contextualizan una encarnizada lucha por los derechos civiles. El joven Ron Stallworth se convierte en el primer detective negro del departamento de policía de Colorado Springs, y al poco de empezar decide infiltrarse en el Ku Klux Klan. El argumento no tiene desperdicio, en especial porque está basado en la historia real de Stallworth, que mantuvo contacto telefónico con la organización y con la ayuda de un compañero caucásico, que le sustituyó en los encuentros reales, elaboró una operación para revelar las actividades del clan mientras subía en su organigrama. Jordan Peele y Spike Lee nos acercan esta increíble historia en el momento más necesario, cuando la lucha por el progreso en Estados Unidos ha dado dos pasos atrás. </p><a name='more'></a>
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<p> La nueva diatriba de Spike Lee da comienzo con un falso vídeo propagandístico del Klan protagonizado por Alec Baldwin, nuestro imitador favorito de Trump. Esa escena irremediablemente cómica se sumerge en uno de los gérmenes culturales del racismo americano: <i>El nacimiento de una nación</i>. El filme de D.W. Griffith, considerado origen del lenguaje cinematográfico clásico (sentó las bases del montaje, la narración y la puesta en escena), también es señalado por muchos como el inicio del miedo al hombre negro por parte de la población blanca, su demonización; algo que ya nos contó Ava DuVernay en <i>I Am Not Your Negro</i>. Lee le da una jocosa vuelta de tuerca al asunto (su película es contracara de la moneda de lo formulado por aquel cine clásico) con un cine de denuncia que abraza la comedia disparatada para afrontar el conflicto racial de un modo más accesible para el público, mucho más dispuesto a entrar en esta historia sobre el odio y su relación con la cultura, la resistencia pacífica frente a la acción armada y la crónica de una América que vuelve a caer en sus mismos errores. </p>
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<p> Para facilitar el componente satírico se adelantan los hechos a principios de los años 70, haciéndolos coincidir con la segunda candidatura de Nixon, el único presidente en ser manifiestamente apoyado por el Klan hasta la llegada del actual “motherfucker”, como diría el cineasta de Georgia. A partir de ahí la historia se desarrolla saltando entre géneros con la comedia negra como bisagra, y consigue que nos riamos a carcajadas de cosas tristes y bochornosas que están resurgiendo en una comunidad cansada de la injusticia. En medio de todo ese irregular conjunto de aspiraciones y registros, la película deja algo de tiempo para introducir un colorido retrato de la cultura afroamericana (O.J. Simpson, Soul Train, el blaxploitation, etc) y una trama romántica mucho menos interesante. Sin embargo uno de los mayores inconvenientes viene precisamente de la notoria irregularidad de la propuesta, inconexa en su amplia gama de tonos y géneros, proclive al volantazo desacertado e indecisa entre el enfurecido realismo de sus vociferantes sermones y el caricaturesco maniqueísmo con el que trata a casi todos los personajes, un ejemplo más del simplismo panfletario de un cineasta empeñado en aleccionar por medio de la brocha gorda y por encima de su propio cine. </p>
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</a>
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<p> Al final, a través de unas imágenes televisivas de lacerante realismo, el mensaje se queda grabado con fuerza en la retina del espectador. Sin embargo, el golpe de gracia de Spike Lee no impide que su última cruzada sea una considerable decepción. No hay mucho que hacer con el deshilvanado guion, la incompatibilidad de sus drásticos cambios de tono, la irritante verborrea aleccionadora del cineasta y su inevitable tendencia al subrayado efectista que debilita su cine llevándolo a las formas más burdas (esa acromática e invertida imagen final). El experimento es sin duda entretenido y perspicaz, pero demasiado inflexible, manipulador y cien veces menos firme y provocativo que aquella inadvertida <i>Chi-raq</i>, una rabiosa y extravagante sátira que sí tenía el poder de cambiar las cosas. </p>
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<p> Alejandro Arranz </p>Alejandro Arranzhttp://www.blogger.com/profile/07900370052108548180noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3615511996399162632.post-48490680562002068082018-10-19T03:44:00.000-07:002018-10-20T03:43:47.002-07:00Crítica de "First Man"<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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<img border="0" src="https://3.bp.blogspot.com/-w1XNMdlnXNA/W8mxFi_DWNI/AAAAAAAAGDk/lGdBp6x_zV4Or6Qv3w5f2_y5fmfy3PiiQCLcBGAs/s1600/FirstMan1.jpg" data-original-width="600" data-original-height="385" />
</a>
</div>
<p> -Chazelle fracasa en su viaje a las estrellas y entrega su peor largometraje. </p>
<p> -Como cinta biográfica es convencional y como aventura espacial rinde por debajo de sus contemporáneas. </p>
<p> Después de golpearnos con <i>Whiplash</i> y arrasar en el mundo entero con la sobrevalorada <i>La La Land</i> el joven Damien Chazelle se dispone a rememorar la llegada del hombre a la luna. Un proyecto que es mitad acercamiento a la parte más íntima de la historia y mitad exhibición del talento del cineasta en clave de thriller espacial. Los guionistas Josh Singer (<i>Spotlight</i>, <i>The Post</i>) y Nicole Perlman (<i>Guardians of the Galaxy</i>) adaptan la biografía homónima sobre Neil Armstrong escrita por James R. Hansen en 2005. De esta manera se formula un relato en primera persona que nos narra las vivencias del legendario héroe americano entre 1961 y 1969, año del famoso alunizaje. “Sabemos” que la misión del Apolo 11 fue un éxito, ahora interesa más descubrir si Chazelle ha sido capaz de cumplir sus objetivos. </p><a name='more'></a>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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<img border="0" src="https://2.bp.blogspot.com/--79xY65r5h8/W8mxFfUSESI/AAAAAAAAGDg/wTPOgOpFHek4t2Ofi1po8-EKF9nrnIRUQCLcBGAs/s1600/FirstMan2.jpg" data-original-width="600" data-original-height="336" />
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<p> Desde el principio el cineasta nos deja claro que lo más importante de su nueva película es el acercamiento a sus personajes, a como se sintieron durante esos años que más tarde se convertirían en historia de un país, en memoria de una generación pegada a la radio y en el testimonio de un triunfo sobre la conquista de lo inimaginable. Los temas relacionados con la carrera espacial y la crisis americana no son más que anclajes contextuales. Esta es la historia de Neil, a quien Chazelle construye como héroe y como humano, una persona de apariencia seria, parca en palabras, recelosa con su intimidad y francamente sensible en el interior; un tipo que se convirtió en héroe sin ningún interés en serlo. También es, de nuevo, una historia sobre el sufrimiento como motor para el alcance de la gloria; de una obsesión por el trabajo, por cumplir el objetivo, que persigue calmar el dolor de una pérdida incurable. Chazelle, coherente con su remarcado estilo, acerca la cámara al rostro de sus personajes para que sintamos lo mismo que ellos, y aunque el resultado es tenue, obtiene sólidas interpretaciones de su pareja protagonista. Gosling desluce en algunos momentos frente a una genuina Claire Foy cuyo personaje queda desaprovechado. </p>
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<p> El pausado ritmo del docudrama (de presión creciente en la dinámica familiar) se contrasta con la espectacularidad perseguida en la epopeya espacial. En esas misiones del Gemini y el Apolo, el director regresa al montaje centelleante de <i>Whiplash</i> para intentar generar una tensión sofocante, respaldada por los primeros planos y los planos detalle, el desenfoque, el traqueteo de la cámara y el chirrido de las tuercas a punto de reventar. De este modo el espectador se convierte en un pasajero más de esas abrasadoras celdas que pululan por el espacio con las probabilidades en contra. Los últimos quince minutos dilucidan los fascinantes opuestos de una cronología tan estudiada como ignorada en sus aspectos más importantes. Chazelle coloca el símbolo frente a su verdadera historia, lo íntimo frente a lo épico, lo infinito del exterior frente a la claustrofobia del interior, la suciedad del negativo frente a la pulcritud del IMAX, y lo terrestre, lo mundano, frente a la cuestión indescifrable de la esencia vital, ante el dilema irresoluble de la metafísica. Su película respira, pero demasiado tarde. </p>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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</a>
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<p> Empieza con una secuencia de apertura impresionante y termina con una pieza tan predecible dentro del melodrama académico como reveladora para la conclusión de un mensaje que va más allá de la estructura del biopic. Lamentablemente en el medio se nos presenta un filme discreto y convencional, respetuoso con su heroica figura e incapaz de salirse de lo pasos marcados por un guion reglamentario y banal que nos narra los hechos de forma alargada e intermitentemente emocionante. Chazelle no ha sabido sacarle todo el jugo a este proyecto, quizás porque su necesidad de superar el reto ha sobrepasado a la propia importancia de la historia. Uno de mis profesores siempre decía que debíamos aspirar al sol para llegar a la luna, pero es que hay gente que no está capacitada para ir al espacio. </p>
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<p> Alejandro Arranz </p>Alejandro Arranzhttp://www.blogger.com/profile/07900370052108548180noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3615511996399162632.post-14711984445232692012018-10-17T02:54:00.000-07:002018-10-17T03:20:21.106-07:00Ha nacido una estrella (2018)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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<img border="0" src="https://1.bp.blogspot.com/--UuJtWKXaEg/W8cDpoaHHPI/AAAAAAAAGCw/xwuYJjdVuj0qIdca1dyqRdPvwhGBqmE2gCLcBGAs/s1600/StarBorn1.jpg" data-original-width="600" data-original-height="351" />
</a>
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<p> -Aunque es aburrida durante la segunda mitad, la fuerza de sus momentos álgidos no pasa desapercibida. Cooper aprueba tras las cámaras. </p>
<p> -Lady Gaga entra en el mundo de la interpretación por todo lo alto, imposible no reconocerlo. </p>
<p> Hace unos siete años se anunció que Clint Eastwood y Beyonce estaban en conversaciones para dirigir y protagonizar respectivamente el nuevo remake de <i>A Star is Born</i>. Esta sería la cuarta versión del famoso drama dirigido por William A. Wellman en 1937, que en 1954 reformularía, con más fuerza y más premios, George Cukor y después Frank Pierson en el 76 con peores resultados. Finalmente son Bradley Cooper y Lady Gaga los protagonistas de esta historia sobre el amor, los sueños, la fama, la autodestrucción y lo difícil que es abrirse camino y mantenerse puro en el oscuro mundo del estrellato. Cooper, que también sustituye a Eastwood como director, ha confiado en Gaga como actriz, ha conseguido que se deshaga de todo el artificio y las máscaras para mostrarse ante el público tal y como es. La cantante también ha tenido que confiar en el nominado al Oscar, pero como cantante y debutante tras las cámaras. Esa confianza mutua que ambos han abrazado para sacar adelante este atrevido bautismo de fuego es lo que guía una película de claroscuros, tan brillante en sus mejores momentos como opaca cuando se queda sin cosas que decir. </p><a name='more'></a>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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</a>
</div>
<p> Durante la primera hora hay una película “con estrella”. Un hechizo que Cooper firma con sentido del ritmo y la misma naturalidad que transpira la interpretación de una fabulosa Lady Gaga, con la que comparte una química maravillosa. Esa autenticidad que transmiten juntos en pantalla es lo que mantiene la película más que ninguna otra cosa, y al Cooper director le interesa mucho más la fugaz e intensa historia de amor condenada a la tragedia que la crítica a la industria musical y la fama que tanto importaba en las primeras versiones (al Star-system en el caso de la original). La mirada de Cooper como director se revela en los delicados momentos de intimidad entre Jack y Ally así como en las breves escenas que su personaje comparte con su hermano mayor, un impagable Sam Elliot al que le ha tocado ejercer de padre y que nos deja dos de las escenas más emotivas de la película. Al acabar esa primera hora a Cooper prácticamente no le queda nada que contar y comienza a perderse entre el melodrama que refleja el descenso a los infiernos de Jackson y el retrato de la industria que absorbe la pureza y la inocencia de Ally. Todo se vuelve reiterativo e insulso, y el debutante no consigue sacar a relucir su voz para narrarnos los consabido con algún tipo de frescura o la emocionante autenticidad de la primera hora. La historia, como los espectadores, cae en el letargo más profundo; al menos hasta el desenlace, donde la personalidad de un talento en bruto vuelve a asomar para afrontar, con la delicadeza de un maestro, la tragedia de sus personajes. La mano de Jack, la actuación de Ally, la intromisión de un recuerdo de dolorosa felicidad; el broche de oro para un debut de claroscuros que, pese a todo, llega a brillar muy alto. </p>
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<p> Es difícil hacer el tercer remake de un clásico de Hollywood y conseguir que aún haya cosas que decir. Probablemente la clave resida en una de las últimas frases del personaje de Sam Elliot, que nos dice que la música solo son doce notas dentro de una octava, la misma historia contada una y otra vez, y que lo que un artista tiene que ofrecer es su manera de ver esas doce notas. Quizás el cine es como la música, tal vez pese a lo conocido de la historia lo importante es la voz de Cooper tras las cámaras y la mirada de Gaga frente a ellas, o viceversa. Si eso es cierto, parece fácil asegurar que hemos descubierto un director con cosas que decir y una actriz de mirada diáfana y voz palpitante que han comenzado fuertes sus carreras por el Oscar. </p>
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<p> Alejandro Arranz </p>Alejandro Arranzhttp://www.blogger.com/profile/07900370052108548180noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3615511996399162632.post-29234420482132760032018-10-12T03:42:00.000-07:002018-10-12T03:42:04.754-07:00Crítica de "Venom"<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;">
<img border="0" src="https://1.bp.blogspot.com/-krmr-wuorXo/W8B32EGey5I/AAAAAAAAFNc/rso_eEkcxoYA0otUrfEsc8rAccyfQFBbgCLcBGAs/s1600/Venom1.jpg" data-original-width="600" data-original-height="338" />
</a>
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<p> -Entra directamente al cajón del ostracismo en el que se encuentran <i>Elektra</i> y <i>Suicide Squad</i>. </p>
<p> -La primera mala decisión de Tom Hardy desde <i>This Means War</i>. </p>
<p> Sony llevaba tiempo esperando dar salida a los más de 600 personajes de Marvel de los que posee los derechos. Tras el acuerdo con Disney que permitió que viéramos a nuestro vecino lanzatelarañas favorito luchar codo a codo con los Vengadores, la productora ha decidido elaborar a una especie de universo alrededor de Spiderman, pero sin Spiderman; o más bien sin Peter Parker. El debut de ese universo lo protagoniza uno de los villanos más icónicos y despiadados del superhéroe arácnido: Venom. Creado a mediados de los 80 por Todd Macfarlane (Spawn), este gigantesco alienígena solo ha aparecido en pantalla en la olvidable <i>Spiderman 3</i>, y en versión de bolsillo. Su segunda oportunidad llega con esta aventura en solitario dirigida por el irregular Ruben Fleischer y protagonizada por Tom Hardy. La polémica ha rodeado la cinta durante los últimos meses debido a su clasificación por edades (finalmente +13) y las declaraciones del director sobre el personaje. Es el momento, pueden abrir sus brazos y fusionarse con el simbionte. </p><a name='more'></a>
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<a href="" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;">
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</a>
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<p> Pero mejor no lo hagan, porque esta es una de las peores películas de la historia del género superheroico. Así de simple. Es como un parásito que solo deseamos expulsar durante dos interminables horas. Un deslavazado intento de hacer una cinta de los orígenes que nunca sabe hacia donde dirigirse ni entiende en absoluto el carácter de su personaje. Comienza entre lamentables presagios fatalistas y un trivial retrato periodístico para luego convertirse en una estupidez borrosa repleta de diálogos sonrojantes dirigidos a adolescentes mentecatos (“Caminando por la calle como un zurullo al viento”) donde el argumento pasa de excusa a excrecencia. Fleischer y sus guionistas se saltan la lógica, el desarrollo de personajes y la propia narración con una alegría que casi parece osadía planificada, casi. En su lugar ofrecen una especie de turbia comedia romántica (Kelly Marcel viene de escribir <i>50 sombras de Grey</i>) sobre un tipo de indefinida personalidad con cara de Tom Hardy que se convierte en Bruce Willis mientras se hace amigo de un alienígena devorador de personas que decide salvar el mundo por su recién descubierto amor por el chocolate y las bolas de pollo congeladas. Durante la madurez de esa bonita -y tediosa- relación sin sentido, barnizada con un aspecto visual desechable y unos efectos de la década pasada, asistimos a una de las persecuciones por carretera peor grabadas del cine reciente y a un enfrentamiento final entre simbiontes que espero olvidar cuanto antes. </p>
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<a href="" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;">
<img border="0" src="https://3.bp.blogspot.com/-OXdUTZDG-Ok/W8B32OroGWI/AAAAAAAAFNg/aGam9Cga5SoqpROq5-gKDMvdAKi-rjHMwCLcBGAs/s1600/Venom3.jpg" data-original-width="600" data-original-height="357" />
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<p> <i>Venom</i> es inconsistente, absurda y mortalmente aburrida. Las dudas carcomen el poco ADN que tiene la cinta, en la que ni los guionistas ni el director ni por supuesto los ejecutivos de Sony han llegado a comprender al personaje. Puedes mostrar a Venom como un villano o jugar con su faceta de antihéroe extremo y las interesantes ambigüedades que plantea, pero descuartizarlo para crear un ser tan pobre y mal definido no le hace justicia por muy grande que lo hagas en pantalla. A este importante problema hay que sumarle todo lo dicho anteriormente (guion, dirección, montaje, ritmo, efectos, cambios de tono, etc) y lo fuera de su elemento que se encuentran Michelle Williams (pasó a recoger el cheque) y un Tom Hardy que se esfuerza mucho pero en vano. Una pena que el nuevo universo de Sony comience así, con dudas, errores y demasiadas sombras; y en mi lista de peores del 2018. </p>
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<p> Alejandro Arranz </p>Alejandro Arranzhttp://www.blogger.com/profile/07900370052108548180noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-3615511996399162632.post-61082271332914453302018-10-04T04:18:00.002-07:002018-10-04T04:18:33.309-07:00Crítica de "El reino"<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;">
<img border="0" src="https://2.bp.blogspot.com/-i_0K1ysoCQM/W7X0rSI1tfI/AAAAAAAAFE0/k0a_5WqfURMYqceB3A6xOJQxu9rzvY8sACLcBGAs/s1600/Reino1.jpg" data-original-width="600" data-original-height="373" />
</a>
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<p> -Seguramente la película española más importante del año. Un thriller atrevido, intenso y muy auténtico. </p>
<p> -Una perfecta alegoría de la España moderna, repleta de corrupción y buen cine. </p>
<p> No puede haber mejor manera de terminar la fiesta del cine que yendo a ver la nueva propuesta del cineasta español Rodrigo Sorogoyen. Tras <i>Stockholm</i> y <i>Que Dios nos perdone</i> el madrileño nos trae un thriller político que nos muestra la corrupción de nuestro país desde la mirada de su propios instigadores. La película, que con toda probabilidad -y justicia- se alzará con un par de Goyas, supone la tercera colaboración entre el director y la guionista Isabel Peña, y parece que ha sido uno de los trabajos más personales de ambos, requiriendo una profunda investigación y el compromiso de elaborar un relato justo y complejo que pudiera parecerse a la realidad. Les adelanto que lo han conseguido. </p><a name='more'></a>
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<a href="" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;">
<img border="0" src="https://3.bp.blogspot.com/-76EuKN8l_tk/W7X0rVxty8I/AAAAAAAAFEw/yLXEw_EYzNI-MsIppGibqkWH_o0X5w7dQCLcBGAs/s1600/Reino2.jpg" data-original-width="600" data-original-height="386" />
</a>
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<p> Nuestro protagonista es Manuel López-Vidal (Antonio de la Torre), un influyente vicesecretario autonómico que lo tiene todo a favor para dar el salto a la política nacional. La cámara de Sorogoyen le sigue por los pasillos de su vida de lujo, entre comilonas de amiguetes, tejemanejes varios, fiestas en veleros y apariencias partidistas con falsos amigos que en cualquier momento pueden volverse peores enemigos. Manuel no es sino uno más de tantos corruptos que se pasan la vida afanando con la excusa de que los hay peores o de que cualquiera lo haría si estuviera en su lugar para darle una buena vida a su familia. Y en cierto modo, el director quiere que sepamos que Manuel es uno de los nuestros. Nos obliga a estar siempre en consonancia con la perspectiva de ese tipo horrible, a sintonizar con su caída constante por una escalera de consecuencias de sus instintivas reacciones de supervivencia, sin ningún condescendiente arco de redención. Elimina cualquier posible maniqueísmo de la ecuación para mostrar a Manuel como una persona, como un individuo al igual que usted o que yo, con el que incluso podemos empatizar en ciertas ocasiones. Es una realidad que quizás nunca nos habíamos planteado, porque es difícil aceptar que cualquiera puede hacer lo que Manuel hace, o incluso que nosotros también somos engranajes de la cadena. Por eso es tan importante la forma en la que está construido el personaje por los guionistas y a través de otra magnífica interpretación de Antonio de la Torre (¿el mejor actor español actual?): sin sesgos ni concesiones. </p>
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<a href="" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;">
<img border="0" src="https://4.bp.blogspot.com/-PaI8uqLTE0I/W7X0rU_DO6I/AAAAAAAAFE4/saIN-R_gUWUugRMxxRp6sJD1-QbLE6dCACLcBGAs/s1600/Reino3.jpg" data-original-width="600" data-original-height="351" />
</a>
</div>
<p> El movimiento de la cámara, el montaje incisivo y la música electrónica ayudan a hacer palpable esa sensación de desenfreno constante con la que conviven estos personajes en sus irrastreables rutinas. Sorogoyen controla el ritmo como un maestro en una suerte de “in crescendo” perfectamente refinado, que convierte el caos en puro desasosiego casi de forma bíblica. La situación se calienta más y más mientras a Manuel se le terminan las oportunidades, se estrecha el cerco hasta llegar a una media hora final de tensión absoluta, un chute de adrenalina asfixiante que pasa directamente del personaje al espectador provocando sudor frío. Para el recuerdo dos de las escenas más emocionantes del cine patrio reciente: la recogida de archivos en una fiesta y una persecución nocturna por la autopista. Una verdadera pena desaprovechar un clímax minuciosamente dispuesto, que tiene al espectador noqueado tras una serie de impactos vertiginosos, con una conclusión desacertada, por verborreica y sobreexplicativa, que pone en palabras las dos horas anteriores. </p>
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<a href="" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;">
<img border="0" src="https://2.bp.blogspot.com/-zhMVB2EDLQI/W7X0sPpKSRI/AAAAAAAAFE8/RAsY6ImhQV0NIdDJ8Lc-ZPqTHb1xg2VEQCLcBGAs/s1600/Reino4.jpg" data-original-width="600" data-original-height="392" />
</a>
</div>
<p> Háganme el favor de no quedarse con mi reproche al desenlace, que no desmerece en absoluto esta enorme historia que nos han traído Sorogoyen e Isabel Peña. <i>El reino</i> es un thriller furioso y elegante, elaborado con meticulosidad, interpretado con talento y rodado con artesanía, que machaca los pilares de nuestra podrida sociedad con un bisturí en lugar de un martillo. Una película notable y necesaria, capaz de colocarse en lugares delicados para entregar mensajes difíciles e importantes. </p>
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<p> Alejandro Arranz </p>Alejandro Arranzhttp://www.blogger.com/profile/07900370052108548180noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3615511996399162632.post-6216877187728311422018-10-02T03:19:00.001-07:002018-10-02T03:32:01.956-07:00Crítica de “Searching”<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;">
<img border="0" src="https://2.bp.blogspot.com/-kj8Y1kT5dp0/W7NC17mkGZI/AAAAAAAAFC0/iEOMTpL9JlwoJ6ibbuDgnDTeYbqV8x8xwCLcBGAs/s1600/Searching1.jpg" data-original-width="600" data-original-height="337" />
</a>
</div>
<p> -Se terminó el verano y nuestra recompensa es el primer thriller refrescante en meses. </p>
<p> -Es más entretenido y funciona mejor que sus referentes previos a pantalla partida. </p>
Mi primera apuesta para esta nueva cita con la fiesta del cine ha sido este debut de Aneesh Chaganty. Se trata de un thriller informático narrado casi por completo través de la pantalla de un ordenador o un smartphone, siguiendo la estela de largometrajes previos como <i>Open Windows</i> de Nacho Vigalondo y <i>Eliminado</i> de Levan Gabriadze, ambos filmes de 2014. Llama la atención que sea Timur Bekmambetov (<i>Wanted</i>) el productor de dos de estos tres títulos, ya que también estrenó este año su nueva película como director, <i>Profile</i>, otro thriller de investigación narrado vía Skype, que aún tiene pendiente el estreno en nuestro país. De momento es hora de hablar de esta tecnológica ópera prima que roba la pantalla de cine para ofrecernos una intriga de aire hitchcockniano al ritmo del click. </p><a name='more'></a>
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<a href="" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;">
<img border="0" src="https://4.bp.blogspot.com/-WAP04Hk3hUI/W7NC16k59JI/AAAAAAAAFC4/R_AJQIo6-E8RLdxnsHNtELKYhx0CxJGawCLcBGAs/s1600/Searching2.jpg" data-original-width="600" data-original-height="338" />
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</div>
<p> Comienza como un melodrama, mostrándonos el crecimiento de la familia Kim a través de los vídeos caseros de su hija Margot, que poco a poco entra en la madurez y en las redes sociales. De ahí Chaganty salta a una cinta más reflexiva, para hablarnos sobre el modo en que la tecnología afecta a nuestras vidas, sustituye las relaciones tradicionales, modula los significados, trivializa las responsabilidades y elimina valores sociales tan importantes como la empatía. Una vez que llega el segundo punto de giro la intriga se apodera del relato dando paso a una intensa investigación paternal protagonizada por las pestañas múltiples y los historiales de búsqueda en Google. Una intriga narrada con dinamismo, con un astuto manejo de la tensión y numerosos apuntes de frescura por parte del debutante; que emplea sus recursos con inteligencia para elaborar un thriller efectivo y muy entretenido, con espacio para interesantes reflexiones sociales e inesperados lugares dramáticos. También hay varios problemas a lo largo del metraje, como la incapacidad de suspender la incredulidad del espectador tras decisiones faltas de coherencia (a veces necesarias por su estilo de narración), el subrayado trabajo musical de Torin Borrowdale y la acentuación con la que el director presenta muchas de las pistas visuales, muy de principiante. Pero el contratiempo de mayor envergadura es el propio tramo final, que cede ante la convencionalidad mientras resuelve su intriga con torpeza y falta de consistencia para llegar a una conclusión tan previsible como pueril. </p>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;">
<img border="0" src="https://4.bp.blogspot.com/-NUY9X5AZV7E/W7NC2KnWTUI/AAAAAAAAFC8/Y9deIgMNlT09dvD3c4rgdWRgAxfdIptggCLcBGAs/s1600/Searching3.jpg" data-original-width="600" data-original-height="322" />
</a>
</div>
<p> El primer día de la fiesta del cine se salda con un thriller independiente de calidad, con una narración que atrapa al espectador gracias a un plausible sentido del ritmo apoyado en una serie de conceptos de sumo interés. <i>Searching</i> es capaz de entretener mientras nos hace pensar sobre aspectos polémicos de nuestra realidad actual, al menos durante dos de sus tercios. Un debut hábil y con sorpresas, pero también con gestos de director y guionista novel; más que suficiente para esperar con ganas el nuevo trabajo de Aneesh Chaganty. </p>
<img src="//fotos.subefotos.com/8951695e047389ae9395c3de3e5169b4o.png">
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<p> Alejandro Arranz </p>Alejandro Arranzhttp://www.blogger.com/profile/07900370052108548180noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-3615511996399162632.post-37700313565977449062018-09-28T08:13:00.000-07:002018-09-28T12:20:53.666-07:00Lista de las 10 mejores películas de 2017 (por orden de preferencia)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;">
<img border="0" src="https://2.bp.blogspot.com/-vhOy3QOqVIo/W61R7a2P6vI/AAAAAAAAFBQ/eyB3YsHSgjcgSL4j5FiyjDjwaJYngUBPACLcBGAs/s1600/Buenas1.jpg" data-original-width="600" data-original-height="371" />
</a>
</div>
<p> Por fin, después de una incesante búsqueda de propuestas cinematográficas y su posterior visionado a lo largo de más de un año, he conseguido concluir la elaboración de mi lista de 10 mejores películas del 2017, siguiendo un calendario internacional. Este artículo es el final de una aventura difícil y maravillosa que se repite cada año, y espero profundamente que ayude a los lectores a descubrir películas desconocidas o a darle otra oportunidad a cintas que tal vez no acabaron de convencer a priori. Las películas estarán en orden de preferencia. </p><a name='more'></a>
<p> 1) El hilo invisible. </p>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;">
<img border="0" src="https://4.bp.blogspot.com/-w0KF9SOK4lQ/W61R8CIWqfI/AAAAAAAAFBY/nGkS5wS5rz8v3IzMR0gjD3tYsLmr5FBZQCLcBGAs/s1600/Buenas2.jpg" data-original-width="600" data-original-height="361" />
</a>
</div>
<p> Paul Thomas Anderson vuelve a dirigir la mejor película del año. Otro juego de espejos, otro laberinto psicológico, otra lección de cine, otro misterio falsamente encorsetado que se revela inquietantemente transgresor. Un filme de aliento singular, exquisita delicadeza y lirismo espectral, que uno devora con obsesión y que, a posteriori, trasciende. </p>
<a href="http://arranzcritics.blogspot.com/2018/02/critica-de-el-hilo-invisible.html">Pincha Aquí para leer la Crítica de El hilo invisible</a>
<p> 2) Three Billboards Outside Ebbing, Missouri. </p>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;">
<img border="0" src="https://2.bp.blogspot.com/-FM2udtw5s_c/W61R8OkS1oI/AAAAAAAAFBc/OHKKolD4H_kpjdZMULiAgvFrxuvYhjb-gCLcBGAs/s1600/Buenas3.jpg" data-original-width="600" data-original-height="300" />
</a>
</div>
<p> McDonagh mezcla géneros y tonos con maestría y precisión arrolladoras, elaborando la zigzagueante narración de la propuesta más madura y compleja de su impecable carrera. Cada ingenioso chiste hace sangrar al espectador, provoca una risa incómoda, ambigua e inesperada. Pero la grandeza de esta película reside en su capacidad de ir más allá de diálogos ingeniosos y trucos de guionista avezado para profundizar con cortante honestidad, expectorante negrura y poética ternura en unos personajes rotos por las circunstancias. Las interpretaciones, extraordinarias. </p>
<a href="http://arranzcritics.blogspot.com/2018/01/critica-de-three-billboards-outside.html">Pincha Aquí para leer la Crítica de Tres anuncios a las afueras</a>
<p> 3) The Square. </p>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;">
<img border="0" src="https://1.bp.blogspot.com/-iPf_VfVtrHQ/W61R8S7X2-I/AAAAAAAAFBg/uvOjBH22HF8SFpUzT65fRJfw9gUUz3jwQCLcBGAs/s1600/Buenas4.jpg" data-original-width="600" data-original-height="338" />
</a>
</div>
<p> El largometraje más denso y agotador que he presenciado en 2017. Una desmesurada mirada crítica a la distópica actualidad en la que el cuadrado se convierte en el núcleo del aparato simbólico, haciendo del fuera de campo una herramienta fundamental para la construcción dramática y cómica de cada escena. La abominable virtud de una humanidad perdida, donde el lobo es un lobo para el hombre. Östlund construye un complejísimo e irónico cuadro sobre el cinismo, las consecuencias, la falta de confianza, los prejuicios, el origen y la reflexión, la masculinidad, la racionalidad del salvajismo, la jerarquía, el maltrato de la moral, los problemas de Europa, la provocación, la comunicación, la evolución y el arte. Claro está, todo depende de la percepción del individuo, y de si aguanta 142 minutos de atrevimiento y extravagancia significativa en su jocosa trivialidad. Östlund nos ataca con la repetición, como Warhol pero con talento. </p>
<p> 4) Call Me By Your Name. </p>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;">
<img border="0" src="https://2.bp.blogspot.com/-_YnQyx5MzBQ/W61R8_tkNlI/AAAAAAAAFBk/Ug6PedhBdzMtYYrNxPyuVVJt44f9xkSVQCLcBGAs/s1600/Buenas5.jpg" data-original-width="600" data-original-height="338" />
</a>
</div>
<p> Pocas películas son capaces de crear un significado tan palpable, relevante y sensual de cada uno de los elementos que forman su mundo ideal. Ahí está el albaricoque, como paradigma de todo, como metáfora central. Alrededor, la brisa, la humedad, el perfume, el calor veraniego y la distancia a modo de protagonista de un relato que enfrenta opuestos, que evoca con valentía y afronta con intensidad. Una historia de pocas palabras que prefiere prestar atención a las miradas y especialmente a los cuerpos de sus personajes. Chalamet y Hammer realizan dos interpretaciones extraordinarias, orgánicas; su química en pantalla es inolvidable. Sin embargo la cámara de Guadagnino no se detiene en la descripción prosopográfica de sus criaturas, sugiere y provoca con cada ladrillo de ese pueblecito italiano, repleto de sutiles surcos e interminables curvas que nos instan a desear. Lo importante, cuando el hechizo termina y sales al frío del exterior permanecen en ti tanto valiosas lecciones como intensos recuerdos. </p>
<a href="http://arranzcritics.blogspot.com/2018/01/critica-de-call-me-by-your-name.html">Pincha Aquí para leer la Crítica de Call Me By Your Name</a>
<p> 5) The Florida Project. </p>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;">
<img border="0" src="https://2.bp.blogspot.com/-1IQnEOtL5uM/W61R9LEvXUI/AAAAAAAAFBo/shz0dXTdc90wqTxyY7VyWixFWWy619WkwCLcBGAs/s1600/Buenas6.jpg" data-original-width="600" data-original-height="333" />
</a>
</div>
<p> Poderosa metáfora social de importante autenticidad emocional. Una tragedia narrada con la ilusión y el colorido de una infancia a punto de truncarse, ajena a los problemas de una realidad en crisis. Tiene la virtud de ser el filme más imperfectamente real y humano del 2017, tan cruel y tan hermoso, tan generoso e impasible, que se parece a la propia vida. Un conmovedor milagro. </p>
<a href="http://arranzcritics.blogspot.com/2018/02/critica-de-florida-project.html">Pincha Aquí para leer la Crítica de The Florida Project</a>
<p> 6) Lucky. </p>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;">
<img border="0" src="https://3.bp.blogspot.com/-oJVe-qK1Xw8/W61R9VNqdFI/AAAAAAAAFBs/_7cFwS-Zwsoh-EZacqvCQx5diyL-pG8CgCLcBGAs/s1600/Buenas7.jpg" data-original-width="600" data-original-height="339" />
</a>
</div>
<p> Un pedazo de cine tan sencillo, puro y fascinante como la mirada de Harry Dean Stanton. Suya es la película, el viaje espiritual y metacinematográfico de un actor irrepetible, de esos de cara esculpida en piedra sagrada, capaces de enseñarnos lo más profundo del alma de sus personajes con tan solo mirar. <i>Lucky</i> es el debut de John Carroll Lynch y la despedida de Stanton, es el estudio de un personaje completamente humano y una hermosa reflexión sobre el tiempo, la soledad, la amistad y la muerte. Una obra tan grande en su fondo como el actor al que homenajea, de inolvidable luminosidad y delicada perfección. Una sonrisa ante el abismo, un rayo de sol ante la oscuridad, una despedida conmovedora para un actor inmortal. </p>
<p> 7) Columbus. </p>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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</a>
</div>
<p> Un debut fascinante, delicado, humanista y referencial en el mejor de los sentidos. Historia de tránsito, de paralelismos, de conversaciones en las que el tiempo se detiene para observar, con mesura magistral, el acercamiento entre dos personas que necesitan avanzar. Kogonada aprovecha la arquitectura de Columbus para narrar más allá de las propias palabras. Cine en perfecto equilibrio, de belleza y pureza inauditas. </p>
<p> 8) En realidad nunca estuviste aquí. </p>
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<img border="0" src="https://1.bp.blogspot.com/-_CdcMI-Zdn8/W61R9tBbKqI/AAAAAAAAFB0/SZ5gaykEn-EjEXUeftY_DapBbQVt3LOCgCLcBGAs/s1600/Buenas9.jpg" data-original-width="600" data-original-height="288" />
</a>
</div>
<p> Ramsay mezcla lo real con lo imaginario creando la insignificancia de cualquier acción y la inexistencia de consecuencias. Centra toda la fuerza del relato en la corporeidad de Joe, en esa biografía hecha de cicatrices y fracturas, en su mirada vacía, en su deambular violento con el que recorre su camino hacia la deshumanización absoluta. Joaquin Phoenix, centro gravitacional de la propuesta, completa una de las interpretaciones más fabulosamente insondables y orgánicas del año, toda ella lenguaje corporal. </p>
<a href="http://arranzcritics.blogspot.com/2017/11/critica-de-en-realidad-nunca-estuviste.html">Pincha Aquí para leer la Crítica de En realidad nunca estuviste aquí</a>
<p> 9) November. </p>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;">
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</a>
</div>
<p> Entre Tarkovski, Bergman y Svankmajer se encuentra esta fantasía pagana de Rainer Sarnet. Una fábula sobrenatural ambientada en un tiempo en el cual la magia atrapaba más almas que la religión, en una aldea prometida con el pecado donde los campesinos se preocupan por afanar lo máximo posible mientras la alienada aristocracia terrateniente de origen alemán domina la vida política y económica. En ese lodazal fantasmagórico surge el amor, la única sustancia no maleable por tratos satánicos ni rituales rurales. A partir de ahí Sarnet ofrece una propuesta extraña, atrevida, hermosa, grotesca, aterradora, atmosférica y poética, que se permite insólitas reflexiones e inesperados estallidos de comedia. Resulta difícil no caer rendido bajo el hechizo de su onírico blanco y negro, de su impecable puesta en escena, su rareza bucólica/folclórica, su fascinante guion y sus bien digeridas resonancias. En negro termina una de las provocaciones más sugerentes y virtuosamente cinematográficas del año. </p>
<p> 10) Western. </p>
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</a>
</div>
<p> La cineasta Valeska Grisebach reformula los tópicos del western fronterizo para edificar con una profunda y sorprendente comprensión de la sensibilidad masculina un drama social sosegado, observacional y carente de aspavientos innecesarios, que radiografía con delicadeza y desbordante precisión la Europa moderna y su inevitable confrontación con las culturas tradicionales; con diferencias idiomáticas y enfrentamientos sociopolíticos incluidos. Lo mejor: Su personaje protagonista, un entrañable viajante de otra época. </p>
<br />
<p> Alejandro Arranz </p>Alejandro Arranzhttp://www.blogger.com/profile/07900370052108548180noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3615511996399162632.post-25813455464683064062018-09-15T12:00:00.001-07:002018-09-15T12:18:04.226-07:00Lista de las 10 peores películas de 2017 (de peor a menos mala)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;">
<img border="0" src="https://4.bp.blogspot.com/-fuHgkqp8SLY/WTGXBdy80CI/AAAAAAAABIw/u20EOagpBJUyDkjUXSeXMjiT1D32-LPswCPcB/s1600/Worst1.jpg" data-original-width="600" data-original-height="400" />
</a>
</div>
<p> Era de esperar que en algún punto de este año publicaría finalmente mis típicas listas con lo mejor y lo peor del 2017. En esta ocasión la lista de las mejores películas aún tendrá que esperar un par de días para su publicación, pero mientras tanto les dejo con el top de propuestas cinematográficas que más daño me han provocado a lo largo del 2017. Las películas están ordenadas de peor (1) a mejor (10). No hace falta decir que la intención de este listado es avisarles con antelación para que eviten el visionado de cualquiera de estas nocivas obras y que cada uno deberá hacerse responsable de las consecuencias de hacerlo. </p><a name='more'></a>
<p> 1) Emoji: La película. </p>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;">
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</a>
</div>
<p> Durante toda mi vida como cinéfilo he tenido miedo a entrar en la sala de cine y encontrarme algo semejante a ésto. Algo capaz de traumatizar al crítico más veterano e incluso a la mente tarada de Lars von Trier. Les advierto con severidad que podría hacerles no volver nunca más a ver una película. Ni siquiera su absurda premisa y su lamentable fachada pueden prevenir de lo profundamente deleznable que es. </p>
2) Cincuenta sombras más oscuras.
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;">
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</a>
</div>
<p> Las sombras que hacían de la primera una soberana estupidez, son ahora más oscuras. Una buena noticia para el inepto público de esta mezcla de géneros tullidos tan superficial y penosa que arrancarse las uñas, una a una, suena a música celestial. Foley exhibe un manejo del tempo narrativo tan patético, que da la sensación de que dirigía mientras le sometían a una sesión de “ballbusting”. </p>
<a href="http://arranzcritics.blogspot.com/2017/02/critica-de-cincuenta-sombras-mas-oscuras.html">Pincha Aquí para leer la Crítica de 50 sombras más oscuras</a>
<p> 3) Resident Evil: Capítulo final. </p>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;">
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</a>
</div>
<p> Si no hay ni un solo plano que no sea vacío y desechable ni un actor competente ni una línea de diálogo que se defienda del aplastante y ruidoso absurdo; si sencillamente no hay nada en una película que merezca la pena ser visto ni por el precio reducido de la entrada ni gratis; ni un solo elemento que compense la paciencia imperturbable que exige el producto; entonces es básicamente que no tiene valor alguno. Por favor, esta vez que no reviva. </p>
<a href="http://http://arranzcritics.blogspot.com/2017/02/critica-de-resident-evil-capitulo-final.html">Pincha Aquí para leer la Crítica de Resident Evil: Capítulo Final</a>
<p> 4) Guardians (Zashchitniki). </p>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;">
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</a>
</div>
<p> Una de las peores catástrofes de la historia del cine de superhéroes, bochornosa desde sus personajes hasta sus escenas de acción. No llega a quedar claro si es peor cuando copia a Hollywood o cuando intenta ir por su propio -y absurdo- camino. Menos mal que no les han dejado pasar de los cinco millones. </p>
<p> 5) Desaparecido en Venice Beach. </p>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;">
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</a>
</div>
<p> Vale que actualmente casi todo lo que hace Bruce Willis está para entrar en mi lista, pero ésto es otro nivel de vergüenza ajena. La comedia más nefasta que me he tragado en 2017. Su mejor apuesta es poner a Willis desnudo montando en monopatín. </p>
<p> 6) The Circle. </p>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;">
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</a>
</div>
<p> Reduce el contenido al boceto más exiguo para orientarse a escenas desechables y que subraya, avivando la irrisoriedad. Emma Watson no está preparada para un papel protagonista, menos aún si carece de arco dramático. </p>
<a href="http://arranzcritics.blogspot.com/2017/05/critica-de-el-circulo.html">Pincha Aquí para leer la Crítica de El círculo</a>
<p> 7) La momia. </p>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;">
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</a>
</div>
<p> Vacía, ruidosa, absurda, oscura...y luego se acaba sin haber entregado nada digno de ser visto. No hay sentido de la aventura ni espacio para el terror entre todo el aparatoso estruendo digital. Un universo que toca a su fin sin haber comenzando.
</p>
<p> 8) Valerian y la ciudad de los mil planetas. </p>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;">
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</a>
</div>
<p> Un barroco y machista conjunto de absurdos, Deus ex, diálogos burdos y luces de colores a velocidad de crucero espacial. El Luc Besson de siempre, más caro que nunca. </p>
<a href="http://arranzcritics.blogspot.com/2017/08/critica-de-valerian-y-la-ciudad-de-los.html">Pincha Aquí para leer la Crítica de Valerian</a>
<p> 9) Fast & Furious 8. </p>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;">
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</a>
</div>
<p> Ha cometido dos errores imperdonables: Primero, ponerle óxido nitroso a un vehículo oxidado y hueco. Segundo, correr una carrera contra sus valores y su propia leyenda. Y bueno, un tercero: existir. </p>
<a href="http://arranzcritics.blogspot.com/2017/04/critica-de-fast-furious-8.html">Pincha Aquí para leer la Crítica de Fast & Furious 8</a>
<p> 10) Justice League. </p>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;">
<img border="0" src="https://2.bp.blogspot.com/-TrHWF8SAsVs/W51G5yDPU0I/AAAAAAAAE7k/aBGEexQNZBMiGuqqx5uvkrOIN0_bWmA8wCLcBGAs/s1600/Bad11.jpg" data-original-width="600" data-original-height="338" />
</a>
</div>
<p> El guion parece un borrador, la narración es farragosa, los tonos inconexos, el ritmo genérico, el villano lamentable, la fotografía lúgubre, el CGI horrendo y por haber ni hay conflicto dramático. Un batiburrillo estruendoso, deforme y manufacturado. </p>
<a href="http://arranzcritics.blogspot.com/2017/11/critica-de-justice-league.html">Pincha Aquí para leer la Crítica de Justice League</a>
<br />
<p> Alejandro Arranz </p>Alejandro Arranzhttp://www.blogger.com/profile/07900370052108548180noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3615511996399162632.post-90929063381940054792018-09-08T04:52:00.002-07:002018-09-08T04:57:23.046-07:00Crítica de "La monja"<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;">
<img border="0" src="https://4.bp.blogspot.com/-1xKw2PnH8DI/W5O20NUd-QI/AAAAAAAAE6I/02a8-IZduU8MenmGzIS54Ro1Fa9Bf-HkgCLcBGAs/s1600/Monja1.jpg" data-original-width="600" data-original-height="251" />
</a>
</div>
<p> -Una posesión tonta y soporífera, era difícil imaginar un spin-off menos interesante. </p>
<p> -No les hará recobrar su fe en el género pero tal vez sí en las aspirinas. </p>
<p> Las películas de <i>The Conjuring</i> ayudaron a otorgarle a James Wan la categoría popular de maestro del terror. Su renovación del género supuso una bocanada de aire fresco para todos aquellos que llevaban tiempo viéndolo de capa caída, soportando la incesante repetición de historias manidas repletas de lugares comunes como excusa para encadenar una serie de exasperantes y perezosos “jumpscares”. Los guiones no ofrecían nada auténtico ni mucho menos novedoso y no había artesanía, creatividad ni hermosura en las imágenes que pasaban ante nuestros ojos. Wan no rompió el molde, simplemente cogió los elementos conocidos y los combinó con una destreza que, por primera vez en mucho tiempo, nos recordó como era asustarse de verdad. El éxito de los expedientes del matrimonio Warren desembocó en la ramificación hacia otras historias demoníacas que han ido construyendo una suerte de universo del terror, lejos del malogrado intento de Universal por crear el suyo. Aquí tenemos el último spin-off que se añade al canon, con guion de Gary Dauberman (responsable de ambas entregas de <i>Annabelle</i>) y James Wan, y la dirección de Corin Hardy, que hasta ahora solo había realizado su ópera prima, <i>The Hallow</i>. Veamos como le queda el hábito a esta monja. </p><a name='more'></a>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;">
<img border="0" src="https://1.bp.blogspot.com/-_Pz8uJdemZY/W5O20CWjTDI/AAAAAAAAE6E/67r0BEDD76QI1Vvv7SpJdlhk_ADQ9Xt7ACLcBGAs/s1600/Monja2.jpg" data-original-width="600" data-original-height="251" />
</a>
</div>
<p> Es una de las películas de terror más necias e insustanciales que he visto en los últimos años. El propósito de su director parece simplemente ofrecer una sucesión de sustos tan previsible como carente de gusto. En 96 minutos hay solo dos secuencias que sean capaces de sorprender al espectador, el prólogo y la bien resuelta escena de las campanas; el resto del metraje se conforma con refugiarse en el golpe de sonido y fotocopiar con descaro los ademanes de la franquicia hasta que los hilos se transparenten. Se echa de menos la pericia de Wan para la delimitación del encuadre, su talento con los movimientos y la colocación de la cámara, su pulso para la atmósfera y la inteligencia con la que trata al espectador. Pero lo que más se echa en falta es una historia. Porque aunque pueda sonar extraño <i>La monja</i> no tiene ningún tipo de desarrollo argumental, no digamos ya un sentido de la narración o algún personaje que pueda llegar al menos a la bidimensionalidad. No se entiende que Wan haya colaborado en la escritura de un guion tan plano y descuidado, del cual no irrita tanto su adoración por el absurdo o su burda retahíla de tópicos como la indolencia con la que ni se molesta en explicar qué es y qué quiere este omnipresente demonio que nos lleva persiguiendo desde el inicio de la franquicia. Como si sus cándidos sustos pudieran reemplazar a esas respuestas. </p>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;">
<img border="0" src="https://2.bp.blogspot.com/-cJBjyOKJy4o/W5O20Vtfg6I/AAAAAAAAE6M/sQX4hHCvYc8j61wgUrQYv4E-NAhgJbcpgCLcBGAs/s1600/Monja3.jpg" data-original-width="600" data-original-height="300" />
</a>
</div>
<p> Aunque es una propuesta que encontrará su público, no hallarán aquí nada de lo que nos sedujo en las películas de <i>The Conjuring</i>. Por el contrario <i>La monja</i> revela en cierto modo el agotamiento del modelo concebido por Wan para la franquicia y la necesidad de cambiar dicha fórmula. Sin historia ni personajes tridimensionales, sin drama ni terror, sin capacidad para llevarnos a lugares nuevos o explotar con alguna inventiva los conocidos, la película se convierte en un lóbrego somnífero. El verdadero novicio de esta trama es el propio Corin Hardy, que quizás debería plantearse si tomar los votos como cineasta o si estaría mejor cultivando tomates. Fíjense, ahí tienen un conflicto que le habría venido bien a una película tan aburrida. </p>
<img src="//fotos.subefotos.com/4f0a220f033a451b075c9b6d7066bb9eo.png" alt="" height="40" width="620">
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<p> Alejandro Arranz </p>Alejandro Arranzhttp://www.blogger.com/profile/07900370052108548180noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3615511996399162632.post-51087529569643472972018-09-04T02:43:00.000-07:002018-09-04T02:43:24.630-07:00Crítica de "Yucatán"<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;">
<img border="0" src="https://1.bp.blogspot.com/-npFB0oWAjBk/W45QxlzoDVI/AAAAAAAAE38/eq8OMAIBXIwdmE9ZYZshDpO4SkAxLzTPgCLcBGAs/s1600/Yucatan1.jpg" data-original-width="600" data-original-height="251" />
</a>
</div>
<p> -Un disparate sin gracia ni cohesión, divertirá a aquellos que lleven unas vacaciones muy sosas. </p>
<p> -Es difícil hacer pie en lo nuevo de Monzón, mejor rememorar “The Sting” de George Roy Hill. </p>
<p> Cualquiera se pierde el último cambio de rumbo de la trayectoria del cineasta Daniel Monzón, que tras la impresionante <i>Celda 211</i> y la no menos espectacular <i>El niño</i> ha tomado la decisión de virar hacia una especie de comedia de enredos en alta mar, donde se dan cita estafadores, turistas, cabareteras y un panadero millonario. El espectador sube a bordo del Sovereign al ritmo de una enérgica introducción musical orquestada por Roque Baños y mientras el crucero abandona tierra se le pide que visualice el puerto que queda atrás y se olvide de sus preocupaciones durante el resto del viaje para disfrutar del espectáculo. El problema llega cuando lo que parecía elegante se vuelve rancio, porque dan ganas de saltar por la borda. </p><a name='more'></a>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;">
<img border="0" src="https://1.bp.blogspot.com/-Q6PmjrXjyGU/W45QxgJexwI/AAAAAAAAE4A/Pv5BhHUQiAYXPKieFSPBiY1XE3JGSQd1gCLcBGAs/s1600/Yucatan2.jpg" data-original-width="600" data-original-height="251" />
</a>
</div>
<p> La película existe en un perfecto equilibrio entre la desgana, la torpeza y el sonrojo. Queda claro en todo momento que Monzón y Jorge Guerricaechevarría no saben qué quieren hacer. Surge de este modo un deshilvanado batiburrillo de géneros y tonos dispersos, como si cogiéramos todos los ingredientes que hay en nuestra cocina y los introdujéramos en la batidora para terminar ingiriendo el brebaje resultante. El insulso triángulo amoroso, la screwball comedy, el slapstick, el cartoon, los contoneos con la aventura y el musical, los intentos de emular algo parecido al suspense mediante sus descuidados giros y una secuencia de humor escatológico tan abominable que entristece. El aderezo, un guion repleto de incongruencias, estereotipos, clichés y chistes vulgares narrado con un ritmo errático y cargante que no toma firmeza más que en dos ocasiones de sus alargadísimos y revueltos 130 minutos de metraje. El resultado, como se puede deducir, es bastante desastroso. </p>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;">
<img border="0" src="https://1.bp.blogspot.com/-UByJCMvYu20/W45Qxnmi7lI/AAAAAAAAE34/rEmiuiAP9Wc2fPfyXRFTxYGjEzwrgvUmACLcBGAs/s1600/Yucatan3.jpg" data-original-width="600" data-original-height="251" />
</a>
</div>
<p> Nunca creí que Daniel Monzón fuera capaz de entregar una película tan insegura, deslavazada, carente de ingenio y de pulso. En la butaca me genera más interrogantes que carcajadas, no sé si buscándole el sentido a todo lo que ocurre o a lo que pasaría por la cabeza de sus responsables cuando la estaban realizando. Se salva únicamente la vistosa factura visual y el entrañable personaje interpretado por Joan Pera. Lo siento mucho, mi peor crucero desde “Speed 2”.
<img src="//fotos.subefotos.com/4f0a220f033a451b075c9b6d7066bb9eo.png" alt="" height="40" width="620">
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<p> Alejandro Arranz </p>Alejandro Arranzhttp://www.blogger.com/profile/07900370052108548180noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-3615511996399162632.post-28759628746007952342018-08-23T02:46:00.001-07:002018-08-23T06:20:59.952-07:00Crítica de "El viaje de Nisha"<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;">
<img border="0" src="https://2.bp.blogspot.com/-XJJIq13lia0/W35-ZkRd7LI/AAAAAAAAEto/n7EJIH53gPkkUjx2lYy4oOcQbV0Dz3zjACLcBGAs/s1600/Nisha1.jpg" data-original-width="600" data-original-height="351" />
</a>
</div>
<p> -La nueva película de Iram Haq falla por su falta de sutileza y de unos matices muy necesarios. </p>
<p> -Pese a sus profundos problemas es un melodrama desgarrador con revelaciones significativas. </p>
<p> La guionista y directora Iram Haq, nacida en Noruega pero de padres pakistaníes, ya había representado el choque cultural entre la sociedad islámica y el mundo occidental en su ópera prima, <i>I Am Yours</i>. En esta ocasión va más allá y nos cuenta una historia basada en su propia experiencia adolescente cuando a los 14 años su padre la forzó a pasar un año en Pakistán para conocer sus raíces. Por tanto su segunda película tras las cámaras se convierte en todo un manifiesto de denuncia ante las reglas retrógradas de una sociedad que a la directora, y a otras muchas personas, les ha causado un gran sufrimiento. Una meta admirable que se pierde entre la furia del golpe de efecto y la carencia de imparcialidad. </p><a name='more'></a>
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<p> Nadie duda de que estamos ante una historia difícil, extraída de una dolorosa realidad personal y que debía ser contada. Los problemas de la cinta no vienen de esa historia, sino de una perspectiva unidimensional y efectista que no permite ninguna discusión o reflexión al respecto. Las intenciones de denuncia se verían favorecidas por una observación matizada de los hechos y de los personajes involucrados en ellos, sin embargo el maniqueísmo es más que evidente en el retrato de éstos últimos, que hacen cosas malvadas sin que la película intente siquiera mostrarnos un resquicio de su psicología. Por momentos la cineasta trivializa aspectos fundamentales tanto de las culturas enfrentadas como de situaciones de maltrato y sus protagonistas, convirtiendo una denuncia necesaria en un mensaje peligroso. No hay cabida para la participación del espectador, que simplemente debe permanecer en la butaca soportando el viaje de humillaciones verbales y físicas que sufre Nisha en una espiral de represión e inhumanidad a base de brocha gorda y ciertos subrayados sonrojantes. La visión sesgada de Haq se retuerce hasta convertirse en una execración extrema de la sociedad pakistaní, tan cruda como carente de cualquier arista o claroscuro, el opuesto a una idealizada sociedad occidental donde prima la racionalidad, el respeto y el debate reposado. </p>
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<p> La tragedia de Nisha sin duda aterrorizará a cualquier espectador occidental que espere una historia más benevolente o fácil de digerir. Haq sabe como impactar en el público y ante cualquier reproche responde con un golpe más fuerte, pero también es capaz de sacar partido de sus actores y elaborar secuencias muy sólidas que den a conocer situaciones de interés. Todo eso hace más doloroso que la película esté completamente equivocada. Los excesos, la falta de coherencia, la marcada parcialidad y su simplista enfrentamiento entre lo blanco y lo negro corrompen un retrato que nos espabila a base de bofetadas en lugar de darnos espacio para la reflexión, el mejor instrumento para estimular la concienciación y el progreso. </p>
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<p> Alejandro Arranz </p>Alejandro Arranzhttp://www.blogger.com/profile/07900370052108548180noreply@blogger.com0