Crítica de "Capitana Marvel"

Siempre es difícil volver a primera línea tras una larga pausa de las obligaciones. Es abrumador encontrarse cara a cara con la página en blanco, pero hay que sobreponerse a ello. Como haría Carol Danvers, la nueva heroina del UCM que llega dispuesta a conquistar los corazones de aquellos que aún no la conozcan de las páginas de los cómics. Fue “Wonder Woman” la que tomó los riegos y se encargó de demostrar que un blockbuster superheroico podía estar protagonizado -y dirigido- por una mujer. El triunfo de Gadot, Jenkins y Warner-DC ha allanado el terreno para que Marvel pueda canalizar el mismo concepto pero dentro de una fórmula, la suya, que sigue funcionando a la perfección de cara al público. La dirección corre a cargo de Anna Boden y Ryan Fleck, dúo que un servidor descubrió con la infravalorada “Mississippi Grind”, y al liderazgo de Brie Larson le sigue un reparto de abanderados entre los que encontramos a Samuel L. Jackson, Jude Law, Ben Mendelsohn o Annette Bening. El boicot sufrido por la película proviene de despropósitos tales que el poco culo de Larson, su supuesta escasez de sonrisas y una ignorante confusión de sus ideales integradores con racismo y misandria. Bien, les diré una cosa, puede que lo nuevo de Marvel-Disney no sea especialmente brillante o estimulante, pero Brie Larson y su Capitana Marvel son algo excepcional.

Crítica de "Los Increíbles 2"

-Pierde el efecto sorpresa y el excepcional carácter de la primera, pero sigue siendo un buen entretenimiento.

-Ojalá fuera tan audaz y emocionante como Bao, el cortometraje precedente.

Siempre he creído que Brad Bird es un director bastante infravalorado. Aunque la mitad de su filmografía es considerada excelente por crítica y público su nombre no suele salir a la palestra tan a menudo como el de otros personajes de la industria (Andrew Stanton...), al menos no en las conversaciones entre el público. Productor ejecutivo de Los Simpson, saltó a la dirección de largometrajes con una joya de la animación como El gigante de hierro, para después despuntar en Pixar con dos de las mejores películas de la casa: Los Increíbles y Ratatouille. Probó suerte con la imagen real con la que es para mí la mejor entrega de Misión Imposible y después con la infravalorada Tomorrowland. Ahora regresa al cine de animación con la secuela de aquella deslumbrante película en la que Pixar se permitía por primera vez unos protagonistas humanos. Lo hacía de la mejor manera, profundizando en los problemas de unos personajes que no eran superhéroes sino más bien personas con poderes pero también con problemas cotidianos con los que el público podía empatizar. Bird logró crear un artefacto espectacular, equilibrando con impecable sentido del ritmo un refinado y muy atrevido aparato de resonancias comiqueras (Millar, Moore, Kirby, etc), un apartado visual deslumbrante y una historia familiar que la convertían -junto a Unbreakable- en la mejor película de superhéroes desde los tiempos de Richard Donner y Tim Burton. El género ha cambiado mucho en los últimos 14 años, veamos si la familia Parr se adapta bien.

Crítica de “El otro guardaespaldas”

-Rutinaria, anticuada, vulgar y desgarbada comedia de acción. Puede que el personaje de Reynolds sea un agente Triple A, pero ésto es una producción de serie B con la peor de las connotaciones.

-Es como si la propia película se disparara en el pie y fuera desangrándose a lo largo del metraje.

Empiezo estas líneas dejando clara una cosa, que no tengo prejuicios contra el cine de acción ni tampoco contra las “Buddy movies”. De hecho hay pocas cosas que suenen tan apeteciblemente veraniegas. Ahora bien, Hollywood ha logrado agotar la fórmula como con casi todo lo demás y el espectador actual necesita algo más que un par de chistes raciales o escatológicos y una ensalada de tiros entre furgonetas. Por eso Patrick Hughes, el tipo que se encargó de hundir la saga de The Expendables con aquella infumable tercera entrega, ha decidido darle una vuelta de tuerca al esquema habitual y ofrecernos un rato de buen rollo sin reglas. Aparte de su guiño paródico al filme protagonizado por Kevin Costner, la propuesta pinta bien debido a un potente reparto encabezado por ese dúo Reynolds-Jackson. Solo queda aludir a esa línea de diálogo tan utilizada en este género: ¿Qué puede salir mal?

Crítica de "Kong: Skull Island"

-Uno de los mejores blockbusters de los últimos años. Es inteligente, hermoso, atrevido y peligrosamente divertido.

-Los problemas de guion no son capaces de impedir que el viaje sea un auténtico disfrute cinéfilo. Cualquier "pero" se queda pequeño comparado con Kong, el auténtico rey de los monstruos.

Jordan Vogt-Roberts es un director estadounidense que iba a encargarse de la adaptación al cine de la famosa saga de videojuegos Metal Gear Solid. La verdad es que no sé como lleva esa tarea completamente imposible, pero tampoco entendía muy bien la decisión. La razón, su único largo hasta ahora era un interesante drama independiente sobre la adolescencia, titulado The Kings of Summer. Cuando la vi me sorprendió bastante. Era fácil encariñarse con aquellos personajes que huían para crecer por si mismos, su humor era tan extraño como cautivador y las influencias del director eran sofisticadas. Aún así, saltar de ahí hacia la adaptación de MGS, un thriller de ciencia ficción inabarcable y en el terreno maldito de las adaptaciones del videojuego; algo peculiar. Sea como fuere su nuevo proyecto me despistó más o menos por igual. Se iba a encargar nada más y nada menos que de una precuela de mi amado King Kong. A priori no es un momento nada malo, pues se está apostando bastante por el género Kaiju Eiga, aunque personalmente creo que no se está profundizando bien en él. Hace ya 12 años desde que Peter Jackson cumpliera su sueño de la infancia de revivir a Kong para el celuloide, con aquella desproporcionada aventura de 190 minutos que tan pronto me hechizaba como me fatigaba. Ahora Warner Bros nos lo trae de vuelta, más grande, con guion de Dan Gilroy (Nightcrawler) y Max Borenstein (Godzilla 2014), y un reparto coral muy potente en el que podemos encontrar a: Tom Hiddleston, Brie Larson, Samuel L. Jackson, John Goodman, John C. Reilly y Toby Kebbell. Pero que quede una cosa bien clara, Kong es el verdadero rey de la función.

Crítica de “El hogar de Miss Peregrine para niños peculiares”

-Una película empecinada en mostrar su admirada rareza únicamente a través de su CGI. Carente de espíritu, sentido de la maravilla, ansía de descubrimiento o historia. Burton sigue dando palos de ciego.

-El guión es plano, confuso y aburridamente simplón. El reparto no pasa de la mera competencia. Las ocurrencias de Burton no salen del terreno visual.

Voy a ir directo al grano con esta película. Desde 2007 Tim Burton no ha hecho ni una película que realmente merezca la pena. Son 9 años de falta de ideas y películas desastrosas entre las que se salva un poco “Frankenweenie”. Esa vuelta a los orígenes (su corto homónimo de 1984) en forma de homenaje animado al cine de terror, resultó tan lineal y poco sorprendente, como entretenida. Ahora con septiembre diciendo adiós y octubre entrando por la ventana, Burton nos trae su nuevo y peculiar proyecto, basado en la novela de Ransom Riggs. Niños inadaptados con poderes, bucles temporales, monstruos invisibles, etc. Parece un marco teórico prometedor para lo nuevo de Tim Burton. El guión corre a cargo de Jane Goldman (“Kingsman”, “X-Men First Class”) y en el reparto el cineasta reúne a un grupo de actores de renombre entre los que se encuentran: Asa Butterfield, Eva Green, Samuel L. Jackson, Terence Stamp, Judi Dench y Ella Purnell. Ahora veamos qué ha hecho director de “Ed Wood” con su nuevo trabajo tras las cámaras.

Crítica de “La leyenda de Tarzán”

-Warner la arranca la esencia a Tarzán para crear un blockbuster de superhéroes tan mecánico, incompetente, irrisorio y sin alma; que uno prefiere ser atacado por un gorila antes que seguir en la sala.

-Construida sobre anacronismos. Esta película no tiene ni pies ni cabeza, tampoco tiene voluntad aventurera y su batiburrillo digital es muy feo.

El año pasado Warner Bros sufrió uno de los mayores fracasos en taquilla de todo el siglo. “Pan” de Joe Wright fue repudiada por la crítica y el público, tachada de película hortera, tediosa y tonta. El batacazo económico fue monumental, pero parece que Warner no aprendió la lección y se arriesgó a tropezar dos veces con la misma piedra. La existencia de esta nueva versión de Tarzán y el motivo de su apresurada producción (algo que se nota en cada fotograma) se deben al éxito arrollador de la versión de imagen real de “El libro de la selva”. El filme de Favreau gustó a todo el mundo, su fauna y su flora digitales recreadas con una atención al detalle sublime simplemente ayudaban a que la estupenda y conocida historia nos cautivara más aún. Y claro, Warner quería y necesitaba un huevo de oro de esos, así que recuperar a Tarzán era una decisión obvia. Hacerlo aprisa, con un CGI tan descuidado, un argumento tan poco concordante, un guión tan comercial y una necesidad de gustar a todo el mundo que acabara por no gustar a nadie; eso ya eran decisiones algo más dudosas. Pero antes de comenzar con el texto argumentativo, nombremos a los responsables primeros de esta nueva superproducción que llega a los cines de todo el mundo. Los cuatro guionistas encargados de traer de vuelta al personaje creado por Edgar Rice Burroughs son: Stuart Beattie, Craig Brewer, John Collee y Adam Cozad. El director designado para sacar adelante la propuesta es el competente David Yates, mundialmente conocido por dirigir las cuatro últimas películas de Harry Potter; y que se encargará también de comenzar la nueva trilogía de “Animales fantásticos y donde encontrarlos”. Por último tenemos a un atractivo reparto que lleve al público hacia las salas. Empezando por un hipermusculado Alexander Skarsgård y la infalible Margot Robbie y siguiendo con actores tan cualificados como Christoph Waltz, Samuel L. Jackson, Djimon Hounsou y Jim Broadbent -entre otros-.

Crítica de “Chi-Raq”

-Una película extrañísima, repleta de colores y bruscos cambios de tono que funcionan demasiado bien. Spike Lee vuelve a sus orígenes con la munición recargada.

-Hay escenas que me descuadran bastante, otras que me hacen aplaudir. La película tiene un carácter tan voluble que no sé como sentirme, pero también es un documento real, firme e importante para el mundo moderno. La volvería a ver.

Si hace mucho que me leen sabrán que Spike Lee es alguien que me pone de los nervios. Un tipo directo y con claroscuros, capaz de que lo ames y lo odies incluso al mismo tiempo; un personaje famoso por sus numerosas manías y por la forma de introducir sin miramientos sus opiniones políticas en cualquier momento y lugar; un importante director de cine militante que se mueve entre la provocación necesaria y la propaganda maniquea. Es fácil verse atraído por esa furia callejera tan ardiente y falta de sutileza, sin embargo hace mucho tiempo que juega con la pólvora mojada, como si tan solo quedara el simple efectismo y la temática habitual. Desde 25th Hour (2002) no ha realizado ninguna gran película, y su último trabajo ha sido el deplorable remake de la inolvidable Oldboy de Park Chan-wook. Pero tras tocar fondo parece que ha decidido levantar cabeza con su nueva propuesta. Chi-Raq es una adaptación moderna de Lisístrata en la que se hibrida una disparatada y colorista sátira musical con una incendiaria y trágica diatriba político-social. El resultado es el mejor Spike Lee de los últimos 13 años.

Crítica de “The Hateful Eight”

-Tarantino ha hecho la película más autoconsciente de su propia genialidad. Creo que eso debería ser malo, pero la verdad es que me encanta toda esta bizarrada sanguinolienta, en especial porque sirve para hablar de temas importantes de una forma íntima y detallista.

-Si hay un reparto coral más hechizante este año yo aún no lo he visto. Jackson, Russell, Leigh y Goggins incendian la pantalla durante casi tres horas. ¿Dónde están el resto de nominaciones?

Nos encanta Quentin Tarantino, ese genio tan ególatra, infantil, maniático y excesivo pero absolutamente brillante. Sin duda es el director “mainstream” por excelencia, porque la violencia, el lenguaje malsonante, el humor negro y otros tantos elementos de su estilo son lo que le interesa al público de hoy en día. La mayoría de los espectadores de su cine no reparan en lo que nos quiere contar realmente, en los temas universales que se esconden debajo de todo ese envoltorio demencial y tan portentoso para algunos como irritante para otros. Sin embargo QT ha ido madurando como autor, interesándose cada vez más por temas e historias que hagan reflexionar al espectador, que le muevan a participar y opinar de lo que sucede hoy en día y lo que sucedió en el pasado. “Django Unchained” fue una película de este tipo, un gran tributo al Spaguetti Western que escondía en su interior mucho más que eso, una venganza que no oculta bajo el poncho sino una critica al pasado y presente de américa, una radiografía de la condición humana y también un documento a favor de los derechos civiles; pero claro, todo ello a punta de revolver y con la munición más eficiente de Tarantino, sus diálogos. En esta ocasión Quentin vuelve a probar con el género Western para volver a tratar todo tipo de temas universales pero desde un angulo distinto y con la cámara mucho más cercana a los detalles de esos temas, hallados todos ellos en una caseta en medio de la nada, ocupada por 8 odiosos y fabulosos personajes que en sus relaciones definirán las íntimas complejidades de las que nos quiere hablar Tarantino. El guión como debe ser, lo escribe el propio cineasta, y los ocho personajes están interpretados por lo siguientes actores: Samuel L. Jackson, Kurt Russell, Jennifer Jason Leigh, Demian Bichir, Walton Goggins, Tim Roth, Bruce Dern y Michael Madsen. El filme ha sido rodado integramente en 65mm aunque la versión “roadshow” sólo se podrá ver -en nuestro país- en Barcelona, mientras que el resto del público verá la versión digital con el metraje recortado, siendo eliminados 3,48 minutos de obertura y 12 minutos de intermedio; una versión que según palabras de Tarantino “es mucho menos artística, para verla tranquilo en el sofá de casa”. Ahora que está estrenada, sólo queda preguntarse si Tarantino ha logrado sus propósitos o si la ambición le ha traicionado.

Crítica de “Vengadores: La era de Ultrón”

-Prepárense fans y no fans de Marvel, aquí llega el blockbuster más emocionante y ambicioso de la temporada (¿puede que del año?). Una aventura épica llena de personajes deslumbrantes, diálogos memorables y magistrales filigranas visuales.

-Joss Whedon le da una vuelta de tuerca a su trabajo anterior con una película más compleja, madura y sombría. Está calculada y cuidada hasta la extenuación.

Las películas de superhéroes llevan muchos años rondando las pantallas hasta que hace más o menos una década comenzaron a saturarlas. Los Spiderman de Raimi y Webb, los X-Men de Singer, el Batman de Nolan y un listado apabullante de héroes que se han pasado por la pequeña y la gran pantalla en los últimos años. Pero los que mejor han sabido dar la talla son los héroes de la Marvel de los que en un principio se encargaba Paramount (puesto que otros derechos pertenecían a 20th Century, Fox, etc), hasta la compra de Marvel por parte de Disney. Estos héroes cuyo universo cinematográfico comenzó con “Iron Man” de Jon Favreau y el fallido “Increíble Hulk” de Louis Leterrier han sabido darle al público lo que quería a lo largo de 7 años. La primera fase de filmes acabó en 2012 con “Avengers” de Joss Whedon. Un sueño hecho realidad para cualquier fan de la editorial. Había suficientes películas detrás para que los héroes hubieran tenido un buen desarrollo individual y que la unión en un único filme surtiera efecto, y tanto que lo hizo. Con el talento de Whedon en la dirección y de un gran equipo en el resto de apartados se logró la película de superheroes más exitosa de todos los tiempos y uno de los mejores blockbusters que jamás se hayan podido ver. Había que ser muy purista para rechazar aquella hazaña. Ahora, tres años después, a Whedon le corresponde una tarea -si cabe- más difícil todavía, superar a su predecesora.

Crítica de “Kingsman”

-Matthew Vaughn ha vuelto más alocado y genial que nunca. Este homenaje al género es uno de los filmes más divertidos que os llevaréis a la boca en todo el año.

-Un cóctel perfecto de acción ultraviolenta y mega-estilizada, comedia censurable, parodia del género y un sutil toque de crítica social.

No hay duda de que a Matthew Vaughn le encantan desde siempre las películas de espías, tal vez no le guste donde ha llegado Bond pero desde luego le gustan los clásicos. Como productor no sólo se encargó de las películas de Guy Ritchie, sino que también produjo la última aventura de Michael Caine como el agente británico Harry Brown. Un detalle curioso al que si le añadimos entrevistas con el director, la evidente influencia de los filmes de 007 en películas suyas como “X-Men: First Class” y que también ha escrito los guiones de cintas de espías como “La deuda”, no queda lugar para la duda. Y claro, la oportunidad de adaptar un comic de Mark Millar sobre espías británicos, no la iba a dejar pasar. El director, como es costumbre, escribe el guión junto a su habitual colaboradora, Jane Goldman. No obstante una de las mayores virtudes del filme, es su fantástico reparto, protagonizado por Colin Firth y Taron Egerton; amparados además por un plantel de secundarios de auténtico lujo, entre los que se encuentran: Samuel L. Jackson, Mark Strong, Michael Caine, Sofia Boutella, Jack Davenport y Mark Hamill; este último hace un cameo -seguramente- muy agradecido por los fans del cómic, pues ya salía en él.

Crítica de “Capitán América: El Soldado de Invierno”

-Aquí está, la película que todo marvelita estaba esperando, Capitán America es tan electrizante que le fundiría los plomos al propio Iron Man.

-Con tiempo suficiente para profundizar en sus personajes, desarrollar la intriga, darles un par de momentos memorables a cada uno de los actores y desarrollar media docena de magníficas escenas de acción, los hermanos Russo han creado una película ejemplar, inteligente, épica, divertida, nostálgica, eficaz y realmente fiel al comic.

Tocaba volver a ver al Capitán América en acción con el regreso de la fase 2 de Marvel, tras un controvertido triunfo por parte de Tony Stark y una decepcionante aunque muy divertida secuela de Thor, nadie sabía que pensar de la vuelta de Steve Rogers al campo de batalla esta vez en el siglo XXI, muchos fueron los que criticaron la primera parte aduciendo que era aburrida, sosa y poco impresionante, quizá yo sea uno de los que la defendieron escudo en mano mientras alababa su historia, a su villano (cuyo final fue quizá demasiado rápido) y su preocupación por entregar cine de calidad sin necesidad de embadurnarlo todo de efectos especiales; esta vez no parecía repetirse la jugada pues las primeras opiniones ya ensalzaban el trabajo de los Russo y ponían de manifiesto lo inteligente y divertida que era la nueva aventura del superhéroe más clásico de todos los tiempos. Ya he dicho que los hermanos Russo se encargan de la dirección en esta secuela, repiten los guionistas de la primera parte Christopher Markus y Stephen McFeely, en la música un habitual del cine superheroico que es Henry Jackman y el director de fotografía es nada menos que Trent Opaloch colaborador frecuente de Neill Blomkamp (District 9); en otro orden de cosas nos encontramos con un gran reparto protagonizado evidentemente por Chris Evans al que le siguen nombres tales que Scarlett Johansson, Samuel L. Jackson, Robert Redford, Anthony Mackie o Emily VanCamp -entre otros-.

Crítica de “Robocop” [2014]

-Éste nuevo Robocop tiene algunas innovaciones, otro color y unos muy interesantes efectos especiales, pero en su fallida búsqueda del corazón se le olvida pensar con la cabeza; será entretenida pero también es un despropósito.

-Le falta la violencia de Verhoeven, el humor negro y básicamente todo lo que hizo de la original un clásico del género, sin embargo la juventud se lo pasará en grande.

El director José Padilha vuelve tras la secuela de la película que le hizo famoso, “Tropa de Élite”, para presentarnos su primera película estadounidense, el remake del clásico de la ciencia ficción firmado por Paul Verhoeven, “Robocop”. Cuando llega un remake todo el mundo se echa a temblar, más aún si hablamos de una película tan querida como ésta, puede que a algunos el nombre de José Padilha les hiciera respirar tranquilos, pero a mi no, ni siquiera el potente reparto podía hacerme olvidar lo que podía encontrar en la sala de cine. Dos horas de innovaciones superficiales, momentos trillados y un vacío intelectual absoluto, más que Robocop parece el coche fantástico.

Crítica de “Old Boy”

-Josh Brolin es lo mejor de este remake sin originalidad, preferiría estar encerrado veinte años que volver a ver semejante despropósito.

-Lo dirige Spike Lee y como si lo dirigiera Uwe Boll, la verdad es que era difícil hacerla tan mal (dan ganas de salir de la sala), habría que preguntarse si en la categoría de peor remake o secuela es capaz de competir con “La Jungla 5”.

En 2003 el siempre genial director coreano Park Chan-Wook, nos dio a todos una soberana lección de cine, creó una película brutal, despiadada, oscura; una violenta joya sobre la venganza que profundizaba como nunca antes en las debilidades del ser humano y todo sin olvidarse de su habitual maestría en los aspectos formales. Diez años después llega a los cines el remake de aquella obra maestra, y nadie en su sano juicio esperaba que pudiera ser superada; dirigida por Spike Lee y protagonizada por Josh Brolin con secundarios de la talla de Elizabeth Olsen, Samuel L. Jackson o Sharlto Copley parecía tener posibilidades para al menos ser una interesante reversión del manga original. Malos augurios son que te digan que la película se estrena en un número de salas que puedes contar con los dedos de una mano, pero tras la difícil tarea de encontrarla, tocaba ver que me esperaba al otro lado, ahora sé que no debería haber entrado nunca en aquella sala.