Crítica de "Suburbicon"

-Irregular mezcla de géneros vacilante entre la escasa crítica social de Clooney y su condición de modelo mediocre de una comedia de los Coen.

-Bien narrada e interpretada. Tiene un par de deliciosos gags visuales.

Para un servidor George Clooney se hizo un nombre como cineasta cuando dirigió Good Night, and Good Luck, una de las mejores películas jamás hechas sobre el periodismo. Después de eso sorprendió de nuevo, aunque no al mismo nivel, con The Ides of March. Ahora, tres años más tarde de su condescendiente e insustancial The Monuments Men, Clooney regresa para dirigir un guion escrito por los Coen en la segunda mitad de los 80 (entre Bloode Simple y Arizona Baby) que ha fusionado convenientemente con una historia racial escrita entre él y su amigo Grant Heslov. Estamos en los años 50, brilla el sol en el tranquilo Suburbicon, un típico pueblo familiar norteamericano donde conviven felizmente americanos de todos los rincones de USA. Todo parece perfecto, hasta que una familia afroamericana se muda al barrio y desata el caos en la pacífica comunidad. Normal, nadie quiere que su parcela se devalúe.

Crítica de "Coco"

-Respetuosa y divertida oda a México y su cultura. Desbordante en lo visual pero lánguida en lo narrativo.

-Un entretenido trabajo de Pixar que se queda a las puertas de ser algo grande.

Pixar vuelve a encender sus motores para traernos su enésima obra maestra tras la impresionante Inside Out y la muy decepcionante Finding Dory. En esta ocasión la tarea es de Lee Unkrich (Toy Story 3) y es sin duda un trabajo complicado. Coco es la primera película de Pixar protagonizada por un personaje no anglosajón. Pero además la historia se aleja de sus ambientes populares para llevarnos hacia el México tradicional, y homenajear, bajo un manto de música y color, toda su cultura, su folclore y sus creencias sobre la vida, la muerte, la familia y el poder de las canciones. Pese al riesgo que puede suponer una propuesta de estas cualidades y con temas semejantes, la maquinaria de Pixar no falla cuando se trata de emocionar y divertir al espectador, especialmente al más pequeño; y de nuevo da forma a un mundo vivo y de un cromatismo alucinante que estimule el viaje hasta llegar a otra conmovedora conclusión. El inconveniente se halla entre la estupenda premisa y el emotivo final, en el entramado narrativo.

Crítica de "Wonder"

-Para los que prefieran ser manipulados con la felicidad en lugar de con la pena. Ni necesitan cambiar de marca de pañuelos.

-Jacob Tremblay vuelve a conquistar los corazones del público con una interpretación carismática y conmovedora. Excelente Julia Robert.

Todo parecía apuntar a que esta adaptación de la novela homónima de R. J. Palacio sería uno de esos insoportables melodramas sentimentaloides de superación de anomalías físicas que tanto gustan en USA. Sin embargo he de reconocer que ha dado la sorpresa, porque el director Stephen Chbosky (Las ventajas de ser un marginado) ha optado por enfocar desde una perspectiva más liviana la historia de Auggie, un niño de 10 años con Síndrome de Treacher Collins que después de varios años aprendiendo en casa se dispone a empezar al colegio. El guion está escrito a dos manos, por Steve Conrad (En busca de la felicidad) y Jack Thorne (Mejor otro día); mientras que el reparto, encabezado por el adorable Jacob Tremblay (La habitación), lo completan Julia Roberts, Owen Wilson, Mandy Patinkin e Izabela Vidovic -entre otros-. Pónganse sus trajes de astronauta, entramos al mundo de Auggie Pullman.

Crítica de "Paddington 2"

-Este oso mantiene la increíble habilidad de alegrar el día de cualquiera que se acerque a él. Deje usted que alegre su día.

-Paddington es el superhéroe que la cartelera necesita.

Paul King regresa con la secuela de Paddington (2014), aquella divertida y enternecedora sorpresa navideña que adaptaba las aventuras del famoso oso de gorro rojo y trenca azul creado por Michael Bond (que nos dejó en Junio de este mismo año). Un símbolo de la literatura infantil británica que llegaba al cine manteniendo intacta su energía, su ternura, su entrañable torpeza y sus refinados modales. En esta ocasión no hemos tenido que esperar a la navidad para disfrutar de una de las mejores propuestas familiares del año. Porque eso es precisamente está ingeniosa, amable y encantadora película.

Crítica de "En realidad nunca estuviste aquí"

-Hipnótico e incómodo. Uno de los thrillers con más personalidad e impacto del año.

-Su puesta en escena es vibrante y Phoenix compone otra interpretación memorable.

You Were Never Really Here es el regreso de Lynne Ramsay con su identidad intacta y sus formas mucho más maduras. La cineasta se apoya muy ligeramente en la novela homónima de Jonathan Ames para arrojarnos hacia una profunda pesadilla estilística en la que las imágenes y los sonidos dan forma al contenido. Su herramienta principal, además de centro gravitacional de la propuesta, es Joaquin Phoenix, esa infravalorada bestia interpretativa a la que no se le resiste nada, y que aquí encarna a Joe, uno de esos personajes rotos, solitarios y atormentados propios de las películas de Ramsay. El viaje que les espera desde aquí a los espectadores es sin duda uno de los más directos a la yugular que vayan a vivir esta temporada. Pero no se dejen guiar por las típicas frases de marketing que nos anuncian una de las mejores películas del año. Este no en un thriller que disfrutar, es más bien todo lo contrario, un noir incómodo que nos hace preguntas con respuestas que no nos van a gustar. Están avisados.

Crítica de "Asesinato en el Orient Express" (2017)

-Remake innecesario. Con adornos pueriles, decisiones fallidas e interpretaciones insípidas.

-No hay nada en la propuesta que invite a subirse a bordo si ya se conoce la historia.

No sé ustedes, pero un servidor echa mucho de menos al Kenneth Branagh previo a los proyectos de encargo, a aquel extraordinario adaptador de Shakespeare. En cuanto tuve noticias de su nueva propuesta, un remake de la fallida pero interesante adaptación que Sidney Lumet hizo de la novela homónima de Agatha Christie, ya dilucidé que sería otra película anodina del cineasta. Una conclusión para la que no se hacía necesario ser el mismísimo Poirot. No obstante, para calmar mi conciencia por el cinismo de mis prejuicios, he decidido viajar en el expreso de Branagh. Una excursión con guion de Michael Green (Blade Runner 2049) y en la que Branagh también se coloca delante de las cámaras para encarnar al propio Poirot, que gana mucho protagonismo en esta versión, abandonandose el aspecto coral de la historia. El reparto lo completan -entre otros-: Willem Dafoe, Judi Dench, Johnny Depp, Michelle Pfeiffer, Derek Jacobi, Daisy Ridley, Josh Gad y Penélope Cruz. Ahora toca subirse de nuevo al Orient Express. Los que sean primerizos pásenlo bien, los experimentados disfruten del leve traqueteo de las vías y que les ayude a conciliar el sueño, el tren -lamentablemente- no va a descarrilar.

Crítica de "Justice League"

-Échenle la culpa a Whedon, a Snyder, a los ejecutivos de Warner o a quien deseen. Justice League es, esencialmente, una mala película.

-Un batiburrillo estruendoso, deforme y manufacturado. Ni siquiera Martha podría salvar ésto.

Muchos vieron una chispa de esperanza para Warner en la Wonder Woman de Patty Jenkins, y aunque reconozco que era ligeramente más sólida que sus precedesoras de DC, no me hechizó más allá de lo que su efectiva y manida fórmula permitió. Era ligera, entretenida, políticamente correcta y para todos los públicos. Le daba al público lo que quería sin transmitir en exceso la necesidad de agradar y sin arriesgar ni un ápice. Dejaba atrás las ínfulas de oscura epicidad, densa poesía del caos y existencialismo bíblico de Zack Snyder, para entregar una aventura más luminosa pero mucho menos autoral y arriesgada; más plana y más fácil. Acto seguido tocaba el regreso de Snyder y la llegada de su JLA (Liga de la Justicia de América), un regreso truncado por una tragedia familiar que le obligó a abandonar la producción. Problema que Warner solucionó contratando a Joss Whedon, antaño maestro de ceremonias del UCM, para escribir nuevos diálogos, grabar dichas escenas y dar forma a un montaje propio que poder estrenar en cines. Whedon ha cortado mucho metraje del montaje final, ha contratado al compositor Danny Elfman para sustituir a Junkie XL y ha añadido sus reconocibles escenas engendrando a la criatura que finalmente podemos ver en el cine. Una especie de Frankestein sin alma, moribundo e incapaz de mantener unidos sus deshilachados pedazos.

Crítica de "Musa"

-Decepción mayúscula. Una cinta que no provoca escalofríos ni emoción, solo apatía.

-Vulgar, manufacturada, sin pizca de genio o inspiración. Una sucesión de escenas trilladas narradas de forma farragosa y carente de alma.

Reconozco que tenía muchas ganas de ver lo nuevo de Jaume Balagueró. Un misterio, extraños rituales y elementos sobrenaturales con resonancias al cine de Dario Argento; terreno conocido para el cineasta catalán. De hecho esta nueva propuesta me recordaba al debut de Balagueró en el largometraje: Los sin nombre. Sin embargo en esta ocasión no adapta a Ramsey Campbell, sino una de las novelas de José Carlos Somoza, titulada La dama número trece. El guion está escrito a dos manos, entre el propio Balagueró y Fernando Navarro, co-guionista de la reciente Verónica, de Paco Plaza. Finalmente, al tratarse de una co-producción entre España, Irlanda, Francia y Bélgica; encontramos un reparto internacional encabezado por Elliot Cowan, Franka Potente y Ana Ularu. Dicho ésto toca cruzar el velo para descubrir que la última obra del director de Mientras duermes es una pavorosa decepción.

Crítica de "Logan Lucky"

-Soderbergh vuelve por todo lo alto, demostrando ser no solo el rey del ritmo, sino también uno de los mejores cronistas de la Norteamérica contemporánea.

-Una de las películas más astutas e inteligentes del año. Es además un torrente de diversión disparatada con una espléndida puesta en escena y estupendas interpretaciones.

Desde 2013 el bueno de Steven Soderbergh nos había dejado en la estacada cinematográficamente hablando, su última película fue la notable e infravalorada Side Effects y desde aquello se ha dedicado plenamente a las dos temporadas de su serie The Knick. Pero muchos echábamos de menos ver el increíble talento de este singular cineasta en la gran pantalla. Solo hemos tenido que esperar hasta ayer, cuando finalmente regresó con lo que parece una simple puesta a punto de facultades o una confirmación de que su estilo sigue plenamente en forma. Aunque tal vez debajo del capó esta Logan Lucky esconda mucho más de lo que permite percibir su fachada. Como siempre han hecho las películas de Soderbergh. Porque quizás usted que lee ésto fuera a ver Magic Mike por los tipos guapos y musculados quitándose la ropa al ritmo de la música, pero aquello era también un inesperado retrato de la américa moderna, de la crisis económica, la lucha de clases y el fracaso del utópico sueño americano. Ahora obviando los niveles de lectura, lo importante es que Soderbergh regresa con una alocada comedia de atracos que subvierte Ocean's Eleven con elegancia, pasmosa facilidad y virtuosa agudeza. Así que vamos allá, a conocer a los hermanos Logan. Suena Some Days Are Diamonds.

Crítica de "Blade Runner 2049"

-Un viaje muy largo y lleno de baches que no lleva a ningún lugar nuevo, ni particularmente interesante ni mínimamente sorprendente respecto a su legendaria antecesora.

-Villeneuve brinda un torrente visual agotador y paralelamente se pasa 163 minutos dando palos de ciego.

Hoy vengo a hacer de malo, a desinflar todo el hype que los medios han ido creando con sus histriónicos artículos, poseídos por la falta de reposo postvisionado, la poderosa nostalgia y el desbordante talento visual de los señores Villenueve y Deakins. Porque aún tratándose de una más que innecesaria secuela de una de las grandes obras de la ciencia ficción, del cyberpunk y el cine negro; los responsables tras de ella hacen posible soñar con una secuela digna, de hecho eso mismo se antoja irresistible por parte de un fan que desea amar esta nueva historia producida por el propio Scott y co-escrita por el guionista de la original, Hampton Fancher. No obstante, siento decir que estamos lejos de aquella sensación que nos dejó Blade Runner, de su aura, de su aliento triste y ciertamente épico, de su belleza sucia y de sus personajes inolvidables. Esta apuesta fuerte de Villeneuve impacta como película íntegramente visual, pero nunca va más allá de su bonito envoltorio ni a nivel emocional ni cerebral. Por eso antes de empezar a escribir sobre esta inflada secuela, pido que hagan con ella lo que muchos consideran una técnica impecable para aprender a beber whisky. Échenle un poco de agua al dorado brebaje, eso reducirá la intensidad y les permitirá distinguir los sabores y elementos que lo componen. Habrán comprobado que la fuerza de este licor en particular proviene del alcohol, pero también que tras ese golpe superficial del apartado visual hay completa pobreza en cuanto a matices, emociones y sensaciones. Villeneuve ha hecho una película sin alma, pero lo peor es que ha hecho una película sin riesgos.