viernes, 12 de octubre de 2018

Crítica de "Venom"

-Entra directamente al cajón del ostracismo en el que se encuentran Elektra y Suicide Squad.

-La primera mala decisión de Tom Hardy desde This Means War.

Sony llevaba tiempo esperando dar salida a los más de 600 personajes de Marvel de los que posee los derechos. Tras el acuerdo con Disney que permitió que viéramos a nuestro vecino lanzatelarañas favorito luchar codo a codo con los Vengadores, la productora ha decidido elaborar a una especie de universo alrededor de Spiderman, pero sin Spiderman; o más bien sin Peter Parker. El debut de ese universo lo protagoniza uno de los villanos más icónicos y despiadados del superhéroe arácnido: Venom. Creado a mediados de los 80 por Todd Macfarlane (Spawn), este gigantesco alienígena solo ha aparecido en pantalla en la olvidable Spiderman 3, y en versión de bolsillo. Su segunda oportunidad llega con esta aventura en solitario dirigida por el irregular Ruben Fleischer y protagonizada por Tom Hardy. La polémica ha rodeado la cinta durante los últimos meses debido a su clasificación por edades (finalmente +13) y las declaraciones del director sobre el personaje. Es el momento, pueden abrir sus brazos y fusionarse con el simbionte.

jueves, 4 de octubre de 2018

Crítica de "El reino"

-Seguramente la película española más importante del año. Un thriller atrevido, intenso y muy auténtico.

-Una perfecta alegoría de la España moderna, repleta de corrupción y buen cine.

No puede haber mejor manera de terminar la fiesta del cine que yendo a ver la nueva propuesta del cineasta español Rodrigo Sorogoyen. Tras Stockholm y Que Dios nos perdone el madrileño nos trae un thriller político que nos muestra la corrupción de nuestro país desde la mirada de su propios instigadores. La película, que con toda probabilidad -y justicia- se alzará con un par de Goyas, supone la tercera colaboración entre el director y la guionista Isabel Peña, y parece que ha sido uno de los trabajos más personales de ambos, requiriendo una profunda investigación y el compromiso de elaborar un relato justo y complejo que pudiera parecerse a la realidad. Les adelanto que lo han conseguido.

martes, 2 de octubre de 2018

Crítica de “Searching”

-Se terminó el verano y nuestra recompensa es el primer thriller refrescante en meses.

-Es más entretenido y funciona mejor que sus referentes previos a pantalla partida.

Mi primera apuesta para esta nueva cita con la fiesta del cine ha sido este debut de Aneesh Chaganty. Se trata de un thriller informático narrado casi por completo través de la pantalla de un ordenador o un smartphone, siguiendo la estela de largometrajes previos como Open Windows de Nacho Vigalondo y Eliminado de Levan Gabriadze, ambos filmes de 2014. Llama la atención que sea Timur Bekmambetov (Wanted) el productor de dos de estos tres títulos, ya que también estrenó este año su nueva película como director, Profile, otro thriller de investigación narrado vía Skype, que aún tiene pendiente el estreno en nuestro país. De momento es hora de hablar de esta tecnológica ópera prima que roba la pantalla de cine para ofrecernos una intriga de aire hitchcockniano al ritmo del click.

viernes, 28 de septiembre de 2018

Lista de las 10 mejores películas de 2017 (por orden de preferencia)

Por fin, después de una incesante búsqueda de propuestas cinematográficas y su posterior visionado a lo largo de más de un año, he conseguido concluir la elaboración de mi lista de 10 mejores películas del 2017, siguiendo un calendario internacional. Este artículo es el final de una aventura difícil y maravillosa que se repite cada año, y espero profundamente que ayude a los lectores a descubrir películas desconocidas o a darle otra oportunidad a cintas que tal vez no acabaron de convencer a priori. Las películas estarán en orden de preferencia.

sábado, 15 de septiembre de 2018

Lista de las 10 peores películas de 2017 (de peor a menos mala)

Era de esperar que en algún punto de este año publicaría finalmente mis típicas listas con lo mejor y lo peor del 2017. En esta ocasión la lista de las mejores películas aún tendrá que esperar un par de días para su publicación, pero mientras tanto les dejo con el top de propuestas cinematográficas que más daño me han provocado a lo largo del 2017. Las películas están ordenadas de peor (1) a mejor (10). No hace falta decir que la intención de este listado es avisarles con antelación para que eviten el visionado de cualquiera de estas nocivas obras y que cada uno deberá hacerse responsable de las consecuencias de hacerlo.

sábado, 8 de septiembre de 2018

Crítica de "La monja"

-Una posesión tonta y soporífera, era difícil imaginar un spin-off menos interesante.

-No les hará recobrar su fe en el género pero tal vez sí en las aspirinas.

Las películas de The Conjuring ayudaron a otorgarle a James Wan la categoría popular de maestro del terror. Su renovación del género supuso una bocanada de aire fresco para todos aquellos que llevaban tiempo viéndolo de capa caída, soportando la incesante repetición de historias manidas repletas de lugares comunes como excusa para encadenar una serie de exasperantes y perezosos “jumpscares”. Los guiones no ofrecían nada auténtico ni mucho menos novedoso y no había artesanía, creatividad ni hermosura en las imágenes que pasaban ante nuestros ojos. Wan no rompió el molde, simplemente cogió los elementos conocidos y los combinó con una destreza que, por primera vez en mucho tiempo, nos recordó como era asustarse de verdad. El éxito de los expedientes del matrimonio Warren desembocó en la ramificación hacia otras historias demoníacas que han ido construyendo una suerte de universo del terror, lejos del malogrado intento de Universal por crear el suyo. Aquí tenemos el último spin-off que se añade al canon, con guion de Gary Dauberman (responsable de ambas entregas de Annabelle) y James Wan, y la dirección de Corin Hardy, que hasta ahora solo había realizado su ópera prima, The Hallow. Veamos como le queda el hábito a esta monja.

martes, 4 de septiembre de 2018

Crítica de "Yucatán"

-Un disparate sin gracia ni cohesión, divertirá a aquellos que lleven unas vacaciones muy sosas.

-Es difícil hacer pie en lo nuevo de Monzón, mejor rememorar “The Sting” de George Roy Hill.

Cualquiera se pierde el último cambio de rumbo de la trayectoria del cineasta Daniel Monzón, que tras la impresionante Celda 211 y la no menos espectacular El niño ha tomado la decisión de virar hacia una especie de comedia de enredos en alta mar, donde se dan cita estafadores, turistas, cabareteras y un panadero millonario. El espectador sube a bordo del Sovereign al ritmo de una enérgica introducción musical orquestada por Roque Baños y mientras el crucero abandona tierra se le pide que visualice el puerto que queda atrás y se olvide de sus preocupaciones durante el resto del viaje para disfrutar del espectáculo. El problema llega cuando lo que parecía elegante se vuelve rancio, porque dan ganas de saltar por la borda.

jueves, 23 de agosto de 2018

Crítica de "El viaje de Nisha"

-La nueva película de Iram Haq falla por su falta de sutileza y de unos matices muy necesarios.

-Pese a sus profundos problemas es un melodrama desgarrador con revelaciones significativas.

La guionista y directora Iram Haq, nacida en Noruega pero de padres pakistaníes, ya había representado el choque cultural entre la sociedad islámica y el mundo occidental en su ópera prima, I Am Yours. En esta ocasión va más allá y nos cuenta una historia basada en su propia experiencia adolescente cuando a los 14 años su padre la forzó a pasar un año en Pakistán para conocer sus raíces. Por tanto su segunda película tras las cámaras se convierte en todo un manifiesto de denuncia ante las reglas retrógradas de una sociedad que a la directora, y a otras muchas personas, les ha causado un gran sufrimiento. Una meta admirable que se pierde entre la furia del golpe de efecto y la carencia de imparcialidad.

miércoles, 22 de agosto de 2018

Crítica de "Los Increíbles 2"

-Pierde el efecto sorpresa y el excepcional carácter de la primera, pero sigue siendo un buen entretenimiento.

-Ojalá fuera tan audaz y emocionante como Bao, el cortometraje precedente.

Siempre he creído que Brad Bird es un director bastante infravalorado. Aunque la mitad de su filmografía es considerada excelente por crítica y público su nombre no suele salir a la palestra tan a menudo como el de otros personajes de la industria (Andrew Stanton...), al menos no en las conversaciones entre el público. Productor ejecutivo de Los Simpson, saltó a la dirección de largometrajes con una joya de la animación como El gigante de hierro, para después despuntar en Pixar con dos de las mejores películas de la casa: Los Increíbles y Ratatouille. Probó suerte con la imagen real con la que es para mí la mejor entrega de Misión Imposible y después con la infravalorada Tomorrowland. Ahora regresa al cine de animación con la secuela de aquella deslumbrante película en la que Pixar se permitía por primera vez unos protagonistas humanos. Lo hacía de la mejor manera, profundizando en los problemas de unos personajes que no eran superhéroes sino más bien personas con poderes pero también con problemas cotidianos con los que el público podía empatizar. Bird logró crear un artefacto espectacular, equilibrando con impecable sentido del ritmo un refinado y muy atrevido aparato de resonancias comiqueras (Millar, Moore, Kirby, etc), un apartado visual deslumbrante y una historia familiar que la convertían -junto a Unbreakable- en la mejor película de superhéroes desde los tiempos de Richard Donner y Tim Burton. El género ha cambiado mucho en los últimos 14 años, veamos si la familia Parr se adapta bien.

miércoles, 1 de agosto de 2018

Misión Imposible: Fallout

-McQuarrie y Cruise llevan el concepto “cine de acción” a un nuevo nivel con esta taquicárdica exhibición de músculo técnico y riesgo físico. El más espectacular episodio de la saga, que no el mejor.

-El fichaje de Henry Cavill es todo un acierto, valió la pena el alboroto del bigote.

Cada vez parece más lejano aquel año 66 en el que Bruce Geller y Bruce Kesler daban comienzo a las aventuras de la FMI y sus extraordinarios espías en la serie de televisión clásica. Mucho mejor ha envejecido la inolvidable melodía de Lalo Schifrin, que todos seguimos tarareando cada vez que se nos vienen a la cabeza las palabras “Misión imposible”. Fue el cineasta Brian De Palma quien en 1996 adaptó aquella serie a la gran pantalla con resultados favorables. Cuatro años más tarde llegaría una desechable secuela de manos de John Woo, que enterró prácticamente las posibilidades de una tercera entrega. Parecía imposible revivir la saga, pero lo logró -para variar- un más que acertado J.J. Abrams. A continuación Brad Bird, dando el salto desde la animación de Pixar, le daría una nueva vida a la franquicia con mi episodio favorito, Ghost Protocol. Sería Christopher McQuarrie el último en coger el relevo, justo después de comprobar lo bien que se entendían él y Cruise en la sorprendente Jack Reacher. En esta ocasión McQuarrie vuelve a terminar lo que empezó, a cortar los flecos que quedaron sueltos tras el final de la quinta misión de Ethan Hunt, a darle a la saga una vuelta de tuerca, a pedirle a Cruise y a Hunt que salten un poco más lejos. El resultado, la mejor noticia posible para los amantes del género.

viernes, 6 de julio de 2018

Crítica de "Ant-Man and The Wasp"

-Paul Rudd se confirma como una de las mejores decisiones de casting del UCM, es puro carisma y naturalidad.

-El guion abre caminos para el universo Marvel sin apartar la vista de su historia.

El chasquido aún nos retumba en los oídos, como si nos hubiera alcanzado la onda de una explosión cercana. El trauma no es fácil de curar, y se hace más difícil al tener que aguantar el dolor de no saber lo que está por venir y tener que esperar para verlo. Por eso Marvel ha llamado al mejor, a ese personaje capaz de aliviar esta especie de lado oscuro del hype que nos tiene a todos consumidos desde Abril. La casa de las ideas ha llamado a Scott Lang. Claro, algunos quizá os estéis riendo porque no confiáis en que este insignificante héroe pueda aliviar vuestro sufrimiento o dar alguna respuesta sobre lo ocurrido, pero es un terrible error juzgar a alguien por su tamaño, y sin duda Scott os va a sorprender con sus nuevas y poderosas habilidades. Ant-Man ha aprendido trucos nuevos, trucos de magia. Ahora es mucho más divertido.

viernes, 25 de mayo de 2018

Crítica de "Han Solo: Una historia de Star Wars"

-Un entretenimiento tan efectivo como insustancial, que despega por la solvencia de un Ron Howard excelente en la puesta en escena.

-Las bajas expectativas logran que una vez más Han Solo se salve por los pelos.

La relación entre los fans y el universo Star Wars es cada día más difícil. Tras dos episodios atacados respectivamente por su condición de copia sin riesgos (VII) y sus excesivos riesgos (VIII), y un spin-off irregular heredero del bélico de Raoul Walsh (Rogue One), llega otra historia de Star Wars. Ésta suena bastante más ambiciosa, pues intenta plasmar la juventud del canalla contrabandista más famoso de toda la galaxia. Y haciendo honor al estilo de vida de Han Solo, la producción del filme se ha topado con problemas en cada esquina. Empezando por la elección de Alden Ehrenreich como protagonista, rechazado de primera mano por los fans y elegido tras supuestamente hacer un gran casting para más tarde necesitar un ayudante de interpretación que puliera algunos aspectos de su trabajo. No obstante, el gran golpe fue el despido de Phil Lord y Chris Miller (La LEGO película). Al parecer los cineastas se tomaban excesivas licencias con el guion de Lawrence Kasdan, repetían tomas hasta la saciedad y estaban convirtiendo la película en una especie de Ace Ventura. Siempre está la posibilidad de que estuvieran realizando la cinta más atrevida de la saga galáctica, pero nunca lo sabremos. Fue Ron Howard, actualmente fiable director de encargo, el encargado de reconducir la película. Ahora Han ha vuelto, y no está solo.

lunes, 21 de mayo de 2018

Crítica de "Deadpool 2"

-La mejor comedia romántica de la década. Repleta de sabios consejos, tolerancia, emotividad y música de Céline Dion.

-Hacía años que una película no captaba la esencia de los mutantes de una forma tan coherente.

Después de que los superhéroes tocaran techo en cuanto a épica masiva con Infinity War era necesario un elegido que trajera un poco de humor socarrón, gloriosa trivialidad y licra roja a este género tan "intensito". El destinado a brindarnos ese equilibrio es, efectivamente, el tito Masacre (sí, sí...la onda vital de Lobezno a todo gas), también conocido como Deadpool o la copia muy sutil de Deathstroke. Por desgracia a Tim Miller lo largaron por diferencias creativas, así que quedaba poca gente con el estómago para hacerse cargo del trabajo. Al final tras las cámaras está uno de los desalmados que se cargaron al perrete de John Wick. No el que hizo la decepcionante secuela del vengador perruno sino el otro, el que repitió la fórmula cambiando a Keanu Reeves por Charlize Theron creyendo que no nos íbamos a dar cuenta. Con este panorama y con todo el mundo en Cannes disfrutando de colas eternas, malos asientos, comidas a carreras, ambarinas correcciones de color y cine con pretensiones (y yo envidiándolos), he decidido pasarme por la sala oscura y hacerle una visita al mercenario bocazas. Hola Lars; Deadpool reivindica la diversidad, Deadpool apoya el cine familiar, Deadpool mutila gente y nadie abandona la sala. Sé como Deadpool.

viernes, 27 de abril de 2018

Crítica de "Vengadores: Infinity War"

-Es una película que marca un antes y un después en el MCU. Un blockbuster gigantesco, ruidoso, inteligente, audaz emocional y narrativamente.

-Silvestri vuelve por todo lo alto, ya estaban tardando en llamarle.

Pueden estar tranquilos, en este artículo no van a encontrar ningún spoiler. Ahora punto y aparte. Hace 10 años se estrenaba la primera Iron Man, gracias a Paramount conocíamos al impagable Tony Stark de Robert Downey Jr., una arriesgada elección de casting que funcionó a las mil maravillas. Desde entonces han pasado muchas cosas. Hemos descubierto a un gran número de personajes diferentes desperdigados por el cosmos marvelita, un universo que ha ido expandiéndose mientras sus héroes también evolucionaban. Y desde aquella primera reunión superheroica gestada por Joss Whedon hace ahora 6 años, hemos aguardado el advenimiento de Thanos. El villano cósmico de Jim Starlin al fin se ha levantado de su trono y no ha tardado en ponerse manos a la obra. Ha llegado el momento; hemos sobrevivido a Ultrón, Zemo, Dormammu, Ego y al Ragnarok; pero ésto es muy diferente. Bienvenidos a Thanos Quest.

viernes, 30 de marzo de 2018

Crítica de "Ready Player One"

-Quítense las gafas VR, esta es una de las peores películas de la carrera de Steven Spielberg.

-Cinta tan banal como la distopía que retrata. Te echamos de menos John Williams.

El año pasado tuvimos nuestra ración del Spielberg político gracias a The Post, esa magnífica película sobre el buen periodismo. Este año le tocaba el turno al Spielberg aventurero, al cineasta que pone a prueba los confines del universo y las posibilidades del séptimo arte, al arquitecto de la infancia de varias generaciones, a uno de los maestros de la ciencia ficción. Un regreso en forma de adaptación de la elogiada novela de Ernest Cline, Ready Player One. Todo parece de ensueño: una premisa a la altura, el propio autor en el guion, un potente reparto (Tye Sheridan, Ben Mendelsohn, Mark Rylance, etc), un sinfín de guiños populares al alcance y nuestro Rey Midas favorito a los mandos del reluciente vehículo. Y sí, a priori este DeLorean luce fantástico, suena a música celestial y corre de forma vertiginosa; pero en cuanto llega la primera curva simplemente no da la talla. Claro, nos hemos equivocado de Spielberg, aquí solo está el productor infalible que sabe como nadie donde poner la cámara. ¿Ready? ¡Launch!

miércoles, 28 de febrero de 2018

Los Oscar (90ª Edición)

Aquí estamos. Ha pasado todo un año de cine para plantarnos a menos de una semana de esa ceremonia de premios de la que todo el mundo habla. Un acontecimiento que por su desmesurada difusión merece ser comentado año tras año, en directo, hasta las tantas de la madrugada. Me refiero, por supuesto, a los Oscar. Como cada año hemos dejado atrás una interminable lista de festivales (Toronto, Sitges, Berlín, Venecia, etc), galardones de Asociaciones (de críticos, actores, directores, guionistas, productores, etc), premios que son fuente de conjeturas de cara a los propios Oscar (“Globos de Oro”, “Bafta”, "César") e incluso a nuestros apreciados Goya. Todo para alcanzar esta cita anual con el cine, o con lo que sea que se celebra ahora en los Oscar. Perdonen la ironía, hablamos de la conclusión de la temporada de premios, del sprint final, y hay que aplaudir con sinceridad a éstos premios casi centenarios otorgados por la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas en reconocimiento de los profesionales de la industria cinematográfica.

lunes, 26 de febrero de 2018

Quiniela de los Oscar 2018

Crítica de "Yo, Tonya"

-Una de las apuestas más osadas y refrescantes del 2017. Un inesperado triunfo.

-La interpretación de Margot Robbie cumple todos los requisitos para el Oscar, y además es magnífica.

Las carreras del director Craig Gillespie y el guionista Steven Rogers no me habían llamado apenas la atención hasta ahora. Pero este año se han sacado de la manga esta especie de furibundo biopic en el que se mezclan todo tipo de géneros y películas, desde la comedia criminal de los Coen y el melodrama familiar hasta una suerte de radiografía de dos américas. Juntos han conseguido una película tan chiflada y scorsesiana en el exterior como arriesgada e inaudita en el interior. Una comedia negra en la que cada golpe nos divierte y cada risa nos golpea, creando un hematoma de dolorosas reflexiones inteligentes pero no especialmente sutiles. La sutileza está para romperla a martillazos en la tragedia americana más graciosa del año.

domingo, 25 de febrero de 2018

Crítica de "Todo el dinero del mundo"

-Afilada parábola sobre el capitalismo y la avaricia. Plummer es capaz de ser abominable pero magnético.

-La frialdad juega a favor de la historia, no así la falta de fiereza de un Scott tan profesional como insuficiente.

Es triste que el nuevo filme de Ridley Scott vaya a ser recordado por el escándalo de Kevin Spacey en relación a las acusaciones de acoso y abuso sexual. Ni yo mismo quería empezar estas líneas recordándolo, pero entre la prensa amarillista y un artículo de cine, queda espacio para una sucinta mención. Lo grande del asunto es que tras sustituir a Spacey por Christopher Plummer, el señor Scott rodó de nuevo todo el material relacionado con el personaje en nueve días, una cifra increíble al alcance de muy pocos. Sea como fuere la cinta ya se ha estrenado en la cartelera, y con ella Scott quiere narrarnos el secuestro verídico de John Paul Getty III y los desesperados esfuerzos de su madre por conseguir que el abuelo del joven, el magnate del petróleo John Paul Getty Sr., pagase el rescate. Es 1973, paseamos por las calzadas de la bella nocturnidad italiana, en blanco y negro.

sábado, 24 de febrero de 2018

Crítica de "Lady Bird"

-Gerwig logra que parezca como si nunca hubieramos visto nada como ésto, el detalle gana con creces a la generalidad.

-Uno de los mejores repartos del año. Ronan y Metcalf no pueden estar mejor.

Greta Gerwig tiene una brillante carrera como actriz y guionista, pero seguramente muchos tenían curiosidad por saber si todo el talento que muestra en ambas facetas, se podría extrapolar a la dirección, ofreciendo esa voz singular y moderna que siempre le ha hecho destacar. En 2008 ya probó suerte, junto a Joe Swanberg (Win It All), en la dirección de Nights and Weekends, perteneciente al movimiento “mumblecore”, al que tanto han aportado Gerwig como Swanberg. En esta ocasión Gerwig realiza su ópera prima en solitario y como no podría ser de otra forma se trata de una comedia dramática independiente. La guionista y directora nos narra el crucial tránsito del instituto a la universidad de una joven que busca encajar en su medioambiente social al tiempo que quiere cambiar de aires e irse a estudiar a la costa Este, un plan que se complica debido a la situación económica de la familia y al conflicto resultante con su sobreprotectora madre. Les presento a Lady Bird, vive en el lado incorrecto de las vías de tren.

martes, 20 de febrero de 2018

Crítica de “La forma del agua”

-De un buen hechizo nunca se es consciente hasta que termina. Bravo señor director.

-No es la mejor película del año, pero sí una de las más bellas.

Si hay una película que ha cautivado a todo el mundo en 2017 esa ha sido la nueva obra de Guillermo del Toro. Los propios y los extraños han caído bajo el hechizo de su nuevo cuento de hadas, y en la carrera de premios ha conquistado cada gala y cada festival en su camino hacia los Oscar. Recordemos que este último trabajo del cineasta mexicano ha entrado en el selecto grupo de películas con 13 nominaciones a los premios de la Academia, y todo parece indicar que se llevará a casa un buen puñado de caballeros dorados. Sin duda el motivo de tanto revuelo es que Del Toro ha creado otro fascinante mundo de fantasía en el que se mezcla lo poético con lo político, enamorándonos al tiempo que nos hace reflexionar sobre el respeto, la auténtica belleza y el amor como núcleo vital capaz de derribar cualquier muro. Claro, se hace difícil resistir el embrujo.

lunes, 19 de febrero de 2018

Crítica de "The Florida Project"

-Una de las mejores películas y uno de los mejores finales del 2017.

-Sean Baker y Willem Dafoe, dos de las miradas más tiernas de la temporada. Cada uno en su campo.

Cada cineasta tiene su propia forma de narrar, de introducirnos en los mundos a los que da forma y apegar la ficción a nuestra realidad a través de los mecanismos narrativos. Sean Baker tiene una mirada única, capaz de mostrarnos toda la crudeza del mundo real desde un prisma mágico y vivaz (en ocasiones estrafalario) e incluso de definir un espacio o a un personaje con apenas un pequeño trazo tan preciso como delicado. En esta ocasión el espacio es un pequeño motel de mala muerte cercano a Disney World, y los personajes un grupo de almas perdidas tan imperfectas como humanas. Ésto le sirve a Baker para estructurar una poderosa metáfora social de aún más importante autenticidad emocional, una tragedia narrada con la ilusión y el colorido de una infancia a punto de truncarse, ajena a los problemas de la difícil realidad adulta, que la rodean y se van intensificando. The Florida Project tiene la virtud de ser el filme más imperfectamente real y humano que ha dado el 2017, un conmovedor milagro.

sábado, 17 de febrero de 2018

Crítica de "Black Panther"

-Coogler realiza una película con identidad propia, que prioriza el contenido por encima de la evasión.

-La trama es floja y al filme le falta un mayor equilibrio entre seriedad y carisma.

Es la película de Disney-Marvel que más me ha dividido, y es casi la otra cara de la moneda de lo que fue Thor Ragnarok. Si aquella era un torrente de diversión alucinante sin apenas relevancia en el MCU, este debut marvelita de Ryan Coogler es sin duda algo trascendente dentro del canon. Una película de ideas en ebullición, que se esfuerza por convertir su espacio, Wakanda, en un lugar apegado a la realidad, y con una sociedad que piensa y siente, con tradiciones y con una evolución generacional compleja. Por supuesto lo más importante de ésto es que no hay otra producción de semejante tamaño que presente una alegoría social y racial tan bien formulada, que dé espacio a la diversidad de opiniones y ofrezca además un elenco de personajes femeninos inteligentes, poderosos y con motivaciones reales. Llámenlo condescendencia si quieren, pero se parece más al tipo de película que necesitamos aunque muchos cínicos no la quieran. Qué pena que además de ser el contrario del filme de Waititi en cuanto a relevancia también lo sea en cuanto a diversión. Black Panther es una de las películas menos entretenidas del reciente MCU.

miércoles, 14 de febrero de 2018

Crítica de “El hilo invisible”

-No creo que haya nada semejante en todo el cine de 2017.

-Si Day-Lewis se retira con ésto, puede irse en paz. Se merece su cuarto Oscar.

A estas alturas no cabe la menor duda de que Paul Thomas Anderson es uno de los mejores y más personales cineastas de la actualidad. La evolución de su filmografía es orgánica, fascinante e intachable. Con su última obra me ha vuelto a trastocar, y me he convertido de repente en un personaje contradictorio. Hacía tiempo que no tenía tantas ganas de hablar largo y tendido sobre una película, de destripar cada fibra de su ser, y al mismo tiempo una conciencia tan clara de que hacerlo sería despreciable. Eso convierte las líneas siguientes en un trabajo harto complejo de realizar. Pero no se alarmen, a pesar de las barreras deontológicas intentaré que cada palabra y cada espacio sean significativos, como Woodcock al concebir cada hilo de sus vestidos o Thomas Anderson al disponer cada material de su espléndida película.

sábado, 10 de febrero de 2018

Crítica de “15:17 Tren a París”

-Una gran escena no hace una gran película. Quizás habría sido mejor un cortometraje.

-Estamos ante uno de los peores guiones con los que ha trabajado Eastwood.

No alcanzo a recordar si alguna vez en mi vida un proyecto dirigido por Clint Eastwood me había llamado tan poco la atención, a priori, como este último. No por ello iba a faltar a una cita que agradezco más o menos cada dos años, y que algún día ya no tendré la suerte de esperar. Son 87 primaveras las que lleva cumplidas el maestro, 63 dedicadas al séptimo arte. Y aunque muchos piensen que debe abandonar, otros tenemos claro que nuestro Clint no puede existir fuera de sus pasiones, y que queremos continuar escuchando su suave melodía hasta el final. Actualmente el californiano continúa con sus películas de héroes americanos, pero en esta ocasión ha querido cristalizar la transparencia de los elementos con la historia que le ayudan a narrar. Por esta razón el cineasta ha decidido que sean los auténticos héroes los que se interpreten a si mismos. Una decisión polémica que interesa mucho más que el propio argumento del filme, y que ha resultado ser uno de los escasos aciertos de la propuesta.

sábado, 27 de enero de 2018

Crítica de "Call Me by Your Name"

-Una película que respira a través de cada poro. Todo evoca, sugiere y suscita.

-Chalamet y Hammer son una de las parejas del año en una de las mejores películas del 2017.

No sé si alguna vez les ha pasado cuando deciden dar un paseo. En ocasiones mi rostro se topa con un repentino rayo de sol que me ciega por un instante. En un primer momento me resulta molesto, por inesperado. Sin embargo, una vez pasada la sorpresa, el tiempo parece detenerse, y ese rayo de sol se revela como uno de los mejores momentos del día. Algo semejante me ha ocurrido con esta película de Ivory y Guadagnino. En un principio mi percepción solo alcanza a reconocer a un puñado de peleles artificiales de clase alta, que se me atragantan por su moderna condescendencia, su forzada pretenciosidad y su plana artificialidad. Nada más lejos de la verdad, aunque cierto contexto social se mantenga cuestionable, pues Call Me by Your Name es una historia que florece, repleta de detalles extraordinarios, sentimientos complejos y hermosa imperfección. Ivory y Guadagnino han creado una de las experiencias cinematográficas más ricas y estimulantes del año.

sábado, 20 de enero de 2018

Crítica de “The Post” (Los archivos del Pentágono)

-Ha vuelto el mejor Spielberg. El narrador clásico con inquietudes modernas.

-Casi toda la película sucede en despachos y habitaciones y es mil veces más emocionante que cualquier blockbuster moderno.

Hace 13 años Steven Spielberg probó suerte con el cine político, de ahí salió la magnífica “Munich”. Entonces vimos una nueva faceta del cineasta, una que a algunos nos fascinó inmediatamente. Años más tarde esa faceta firmaría “Lincoln” (2012), gracias a la cual el pasado Rey Midas de Hollywood se manifestó también como un maestro de la narración clásica (algo que se rumoreaba en “Catch Me If You Can”). Las virtudes de aquella propuesta se extrapolaron a “Bridge of Spies” (2015), película que se vio afectada negativamente por algunas conocidas manías del director. Este año regresa el Spielberg clásico y político, para contarnos como en junio de 1971, los periódicos The New York Times y The Washington Post tomaron una valiente posición en favor de la libertad de expresión, informando sobre los documentos del Pentágono y el encubrimiento masivo de secretos sobre Vietnam por parte del gobierno, que había durado cuatro décadas y cuatro presidencias estadounidenses. La cámara apunta hacia el pasado para recordarnos ciertos valores universales y hacernos observar los paralelismos con nuestro convulso presente. Bravo señor Spielberg, he aquí una gran película clásica de candente actualidad.

sábado, 13 de enero de 2018

Crítica de "Three Billboards Outside Ebbing, Missouri"

-Una gran película, me suena auténtica incluso en los momentos más excéntricos.

-Frances McDormand es una fuerza de la naturaleza. Por favor, un Oscar para Sam Rockwell.

Los hermanos McDonagh son dos de los mejores nuevos directores que ha dado la última década. El pequeño, John Michael, ha convertido su colaboración con Brendan Gleeson en algo semejante a lo que tenían Wayne y Ford cuando rodaban westerns juntos. Sin embargo en 2016 vimos como daba un paso en falso con su tercera película, War on Everyone, en la que no participaba Brendan Gleeson. Algunos probablemente lo achacaron a que era la primera película americana del cineasta, algo difícil de asegurar. Este año le toca el turno a su hermano mayor, Martin, un dramaturgo que a finales de la década pasada pausó su carrera teatral para probar suerte en el cine. Ahora mismo tiene en su haber dos obras de culto: la extraordinaria e infravalorada Escondidos en Brujas y la no menos fabulosa Siete Psicópatas. Desgraciadamente muchos aún le siguen viendo como un remedo de Tarantino y el cine de los hermanos Coen. Nada más lejos de la verdad, pues aunque en sus películas cabe la referencia e incluso la resonancia, Martin McDonagh es un autor personal con todas las letras. Ante la duda, vean su nueva película.

sábado, 6 de enero de 2018

Crítica de "Molly's Game"

-El debut de Aaron Sorkin como director es...muy Sorkiniano. El ritmo lo marca la palabra.

-Jessica Chastain e Idris Elba dan mucho juego juntos.

Tan pronto como termina la película, un servidor enciende la pantalla de su ordenador y comienza a escribir estas líneas, aún empachado por la casi siempre magnífica verborrea Sorkiniana, que también es la esperada protagonista de su nuevo guion, con el que debuta tras las cámaras. Y para dar comienzo a su carrera como director, Sorkin ha escogido la historia de Molly Bloom, alias "La princesa del póker"; que tras ver truncada su carrera como esquiadora olímpica, se introdujo en el mundo de las timbas de póker para acabar haciéndose millonaria antes del los 21 años. Desde luego el neoyorquino no ha optado por esta historia debido a su interés por dicho juego, sino por la imperfecta heroína que habita en ella. Molly Bloom es un personaje muy interesante, pero gracias a Jessica Chastain es muchísimo más. Sorkin, consciente del talento de la actriz, le brinda un entretenidísimo vehículo de lucimiento puramente Sorkiniano; para lo bueno y para lo malo. Ella, se lo agradece con una interpretación de lo más premiable. Que comience el juego.

miércoles, 3 de enero de 2018

Crítica de "The Disaster Artist"

-Es ridícula, amarga, un poco conmovedora y del todo irresistible. No se la pierdan.

-Imperativo, visionarla en versión original y haber visto The Room. Lamento eso último.

He sacado muchas conclusiones del estruendoso aplauso que ha llenado la sala de cine durante los créditos finales del pase de esta última película de James Franco. Eran aplausos reveladores, por una improbable mezcla de ironía, pasión, redención y respeto. Porque una película tan condenadamente mala e impremeditadamente divertida como The Room (2003) haya desembocado en algo tan fascinante como The Disaster Artist. Un filme que no hace sino aprovechar una historia y a unos personajes que, en nuestro tiempo, deben ser de culto. Y es que, como si de un Ed Wood reencarnado se tratase (pero más misógino y vanidoso), apareció de la nada ese Tommy Wiseau que hizo la “mejor peor película de la historia”. A priori un intenso melodrama que mutó oportunamente en una comedia absurda, debido al efecto de un par de risas y otro par de aplausos. James Franco ha decidido contar qué pasó con ese rodaje, y ha debido de hacerlo bien, pues las manos de un servidor formaban parte de ese estruendoso aplauso.