miércoles, 30 de diciembre de 2015

Crítica de “Macbeth” (2015)

-El Macbeth más sombrío, psicológico, violentamente estilizado y humano de cuantos hayan pasado por la pantalla. El bardo inmortal daría su visto bueno.

-Visualmente brutal, muy bien ambientada, con atmósfera, con alma y aún más importante, con Fassbender y Cotillard. Los mejores Macbeth y Lady Macbeth de la historia del cine.

Macbeth de William Shakespeare es una de las obras de teatro que más veces han sido adaptadas al cine y/o a la televisión. Alguna adaptaciones han optado por la fidelidad máxima en el texto y la estructura, otras han tomado caminos un poco más libres. Tenemos en el primero de los casos las dos adaptaciones televisivas-teatrales de George Schaefer y en el segundo, por ejemplo, “Joe MacBeth” (con el título “Cautivo del terror” en nuestro país) de Ken Hughes, una adaptación de la tragedia en clave de cine negro y ambientada en la época “gangsteril” de los años 30. Las tres adaptaciones con más renombre hasta hoy eran: el Macbeth de Orson Welles de 1948, “Trono de Sangre” de Akira Kurosawa (1957) y el Macbeth de Roman Polanski de 1971. Welles fue el primero en acercarse a la tragedia con esa oscuridad y esa furia necesarias, pero los problemas de presupuesto, con la nacionalidad de la película y otros contratiempos, no le permitieron hacer el filme deseado. No obstante en menos de un mes, sin casi presupuesto y con unos decorados de cartón-piedra Welles se las arregló para crear una fascinante tragedia de Macbeth. Con un potente estilo visual, donde las luces y las sombras cobraban una importancia manifiesta y con la predominancia de unos primeros planos muy bien utilizados; además su interpretación de Macbeth fue excelente. Su adaptación puede ser acusada de teatral e incluso de que el casting no fue ideal, pero a día de hoy sigue siendo un acercamiento vigoroso a los textos de Shakespeare. El filme de Kurosawa decidió alejarse del medievo y llevar la tragedia al Japón Feudal, no respetó los textos ni la estructura e hizo importantes cambios (Macbeth pierde un hijo, Macduff no existe, las tres brujas son un espíritu del bosque, etc), sin embargo su adaptación es la más fiel al bardo inmortal. Pues aunque cambie muchos elementos, transmite totalmente y con gran fuerza los temas y las reflexiones de la obra. Frente a la teatralidad de Welles, Kurosawa ofrece una puesta en escena inquietantemente buena, cine en toda regla y frente a los primeros planos predomina el uso de generales que hacen insignificante la tragedia de ese hombre. La escena final, de una brutal violencia contenida, permanece como una de las mejores del séptimo arte. Espiritualmente Kurosawa se acercó a Shakespeare como pocos lo harían nunca.

jueves, 24 de diciembre de 2015

Crítica de “Sufragistas”

-Un drama duro, honesto y necesario al mismo tiempo que una vigorosa lección de historia. Carey Mulligan está espléndida.

-Puede que “Sufragistas” se acomode demasiado en ciertos aspectos o que su estética no persuada como sus ideas; pero sus propósitos son admirables y está claro que logra sus objetivos.

La directora Sarah Gavron (“Brick Lane”) y la guionista Abi Morgan (“Shame”, “Iron Lady”) nos traen este necesario drama histórico sobre las primeras sufragistas inglesas en los albores de la Primera Guerra Mundial. Un grupo de mujeres que estaban dispuestas a perderlo todo por conseguir justicia e igualdad para las siguientes generaciones. Para completar está fascinante propuesta feminista tenemos a un reparto de altura encabezado por Carey Mulligan. Secundándola están Helena Bonham Carter, Anne-Marie Duff, Brendan Gleeson, Ben Whishaw y Meryl Streep -entre otros-. El tema central no podía llegar en mejor momento, en un año donde el feminismo golpea fuerte en la industria, con el público ávido de personajes femeninos fuertes, complejos y con valores bien arraigados. Además se estrena en temporada de premios lo que le granjeará seguramente galardones por sus intérpretes, por su guión y seguramente por su dirección de arte, vestuario, etc.

martes, 22 de diciembre de 2015

Crítica de “45 años”

-Un retrato sincero, complejo y muy humano sobre el amor, el matrimonio, la vejez, la fragilidad, el pasado, etc. Al filme no le sobra ni medio fotograma.

-Rampling y Courtenay realizan dos interpretaciones extraordinarias; dominio absoluto del medio y sus elementos/recursos.

Andrew Haigh ya dirigió un excelente drama romántico en 2011. “Weekend” tenía mucha emoción contenida, también hablaba en términos universales, expresaba infinidad de emociones con una simple mirada y asímismo resonaba a la trilogía de Linklater. Ahora estrena “45 años”, un drama romántico sobre la vejez en lugar de sobre la homosexualidad. Sin embargo mantiene su personalidad intacta y en esta ocasión se decide a entrar hasta las entrañas de sus personajes y su larga relación para seguir hablando del amor, de las personas, de sentimientos enterrados, de secretos y muchos otros temas universales. El guión vuelve a escribirlo el propio Haigh, esta vez basado en un relato corto de David Constantine, y el protagonismo de la cinta lo comparten Charlotte Rampling y Tom Courtenay, dos intérpretes veteranos que utilizan todos los recursos de los que disponen logrando así dos trabajos de premio. Un filme sobre dos personas en el que cada gesto y cada fotograma son tan inteligentes, informativos y profundos que apasiona lo que cuenta.

viernes, 18 de diciembre de 2015

Crítica (sin spoilers) de “Star Wars VII: El despertar de la fuerza”

-Ya era hora de que las nuevas generaciones tuvieran su Star Wars. Abrams coge una vieja chatarra y le añade piezas nuevas para que la saga pueda volar hacia direcciones desconocidas y fascinantes. No se conforma con cumplir, deslumbra.

-Hace muchos años que una película no me hacía reír, llorar, emocionarme y aplaudir como ésta. Es un milagro del cine como entretenimiento, pero también es arte, y lo siento de veras por quien ponga eso en duda.

Hace 38 años se estrenó un pequeño filme que cautivó a muchos. Un señor llamando George Lucas que no confiaba mucho en su éxito andaba aquel día tomando el sol en alguna playa con su amigo Steven Spielberg. Él no sabía que aquel sería el principio de un fenómeno sin igual, que alimentaría los sueños de infinidad de niños de aquella y posteriores generaciones. Le siguieron dos increíbles secuelas que conformaron una de las mejores trilogías que ha dado el séptimo arte. Más de seis horas de magia filmica, de galaxias inimaginables, caballeros jedi, villanos fascinantes, ancestrales religiones, princesas y fortalezas, batallas espaciales, sonidos increíbles, giros de guión para la posteridad, líneas de diálogo que forman parte de la cultura popular y todo lo que siempre ha definido a una saga maravillosa que permanecerá en los corazones de muchos de nosotros para siempre. Pero el lado oscuro puede corromper a muchos y Lucas no tuvo la suficiente fuerza para resistirse. Creó una trilogía de precuelas que anteponían el CGI a la magia de las originales. La música de Williams y algunas escenas puntuales se salvaban pero no había por donde coger aquellas ofensas a la saga. La tercera entrega, “La vengaza de los Sith”, levantó un poco el vuelo y dejó momentos a revisionar pero no limpió el nombre de Lucas, que había vendido de nuevo su alma por dinero (y no sería la última vez). Por si fuera poco, decidió volver a remasterizar las primeras con deleznables insertos digitales, eliminación de escenas, diálogos/acciones mal añadidas y un montón de basura espacial que empañó todo lo que puedo aquellas tres obras maestras. Ahora, tras comprar Disney (por 4000 millones aprox) los derechos de Lucasfilm, le encargó al renacedor de sagas por excelencia, J.J. Abrams, traer de vuelta a nuestros héroes favoritos para una nueva generación. Una taréa herculea que ha desembocado en la película más esperada del año. La pregunta es...¿Ha recuperado Abrams lo que hizo grandes a las primeras o será todo una hábil trampa?

domingo, 6 de diciembre de 2015

Crítica de “El puente de los espías”

-Un excelente estudio de personajes que se divide entre el thriller de espionaje y el drama judicial. Tom Hanks y Mark Rylance están fantásticos.

-Spielberg da una lección de narración clásica, de dominio de cualquier género. “Bridge of Spies” es cine maduro, inteligente, profundo, complejo y realizado con precisión milimétrica.

Hace años que el genio Steven Spielberg no deja huella como antaño con sus películas. A pesar de que sus trabajos tras las cámaras siguen denotando la habilidad de un maestro, a muchos no les gustaron sus divertidas comedias ligeras (“La terminal”), tampoco sus fascinantes cintas políticas (“Munich”, “Lincoln”) y mucho menos sus infravalorados remakes y secuelas (“La guerra de los mundos”, “Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal”). Pareció tocar fondo al intentar volver a sus orígenes con “War Horse”, un melodrama empalagoso para toda la familia que a pesar de trazos de gran cine, su irregularidad y muchos otros problemas la colocaban entre las peores películas de la carrera de este personal cineasta. “Lincoln” fue una película muy arriesgada, porque en ese retrato tan político de una parte de la historia y de uno de los presidentes estadounidenses más importantes, no había lugar para su público habitual. No seré yo quien diga que es una película sin problemas, pero personalmente me parece un increíble drama histórico que prestó más atención a los detalles políticos que casi ninguna otra película en la historia del cine. Volviendo al tema en cuestión, aunque Spielberg no marque generaciones como antes, continúa haciendo el cine que a él le interesa y es innegable que tiene ojo para esas historias no tan conocidas que están repletas de grandeza. En esta ocasión vuelve a dejarse llevar por su amor por la historia, y nos trae “Bridge of Spies”, una historia real sucedida durante la Guerra Fría en pleno Telón de Acero. El guión corre a cargo de Matt Charman (“Suite Francesa”) y los hermanos Coen. Es una nueva apuesta arriesgada -de cara a la taquilla- pero para cierto segmento del público, se postulaba como una de las mejores películas del año. Vamos a descubrir si ha vuelto el mejor Spielberg.

domingo, 29 de noviembre de 2015

Crítica de "Cop Car"

-Una de las sorpresas independientes del año. Intrigante y sombrío thriller rural que acaba convertido en un seco western de carretera. Escalofriante -de bueno- Kevin Bacon.

-Watts maneja los tiempos con suma maestría pero al guión le falla el rendimiento, podía haber exprimido mucho mejor su premisa inicial.

Jon Watts es un nombre que casi nadie conocía en la industria hasta hace unos meses. Este guionista y director nacido en Colorado fue elegido por Marvel Disney y Sony para dirigir el nuevo reboot del hombre araña, alias Spiderman. Asimismo fue con el estreno del filme que vengo analizar cuando su nombre empezó a sonar un poco más. El año pasado dirigió una cinta de terror con el título “Clown”, y si bien cumplió bastante bien en el ámbito de la dirección, el filme susodicho era bastante grotesco en varios malos sentidos de la palabra. Pero este año estrena “Cop Car”, un thriller-road movie que llama bastante la atención por su estética, su estilo y porque además cuenta con Kevin Bacon como protagonista. Si sóis lectores habituales de mis reseñas sabréis de sobra que soy un ávido amante de los thrillers rurales y y en especial de los thriller independientes que hacen los americanos. Si a eso le sumamos mi interés por ver la evolución de Jon Watts como cineasta y que por razones que no voy a pararme a explicar aquí, Kevin Bacon me parece un actor muy capacitado; pues llegaréis a la conclusión de que me apetecía mucho ver “Cop Car”. La nueva duda que se plantea es si ha conseguido cumplir mis expectativas.

viernes, 20 de noviembre de 2015

Crítica de “El Clan”

-Un thriller que debería dar miedo, que debería reflexionar y que debería demoler pero sólo entretiene. Es una propuesta atractiva pero totalmente desaprovechada.

-El ritmo funciona y los actores están realmente bien. Lo mejor es su lectura política, sus paralelismos sobre una época de grandes cambios en una sociedad arraigada en los valores del pasado.

Hace tres años desde que Pablo Trapero estrenara “Elefante Blanco” con Ricardo Darín. Aquel drama también centrado en variedad de dilemas morales obtuvo críticas muy dispares y en esta ocasión el director ha regresado al género thriller que tan buen resultado le dió en 2010 con “Carancho”. En esta ocasión Trapero cuenta una historia basada en hechos reales que transcurrió justo en ese paso de “La Argentina” a la “democracia” con todo lo que ello conllevó. La trama se centra en el caso policial del Clan Puccio, que conmocionó a la sociedad argentina a principios de los 80. Tras la aparente normalidad de los Puccio se oculta un siniestro clan dedicado al secuestro y al asesinato. El protagonismo de la cinta lo tienen Arquímedes (Guillermo Francela), el patriarca, que lidera y planifica las operaciones, y Alejandro (Peter Lanzani), el hijo mayor, estrella de un club de rugby, el cual se sirve de su popularidad para no levantar sospechas y para encontrar víctimas de clase alta. El resto del reparto lo completan entre otros: Inés Popovich, Gastón Cocchiarale, Giselle Motta y Franco Masini. Del guión también se encarga el propio director. Dicho esto sólo queda analizar brevemente las razones por las que esta co-producción Argentina-España ha batido todos los records de taquilla durante su estreno en su país.

miércoles, 18 de noviembre de 2015

Crítica de “Sicario”

-Un thriller sobre el narcotráfico de muy alto nivel. Falta brillantez en el primer tramo pero la curva de intensidad aumenta paulatinamente. Técnicamente es irreprochable.

-Música, fotografía, dirección, reparto e incluso un guión con recursos. Dan igual las pegas, “Sicario” te mantiene pegado a la butaca, juega contigo y en el último asalto te golpea durisimo.

“Prisioneros” fue algo fascinante. Aunque el director sorprendió mucho con “Incendies” y obtuvo muchísimas atenciones (tanto buenas como malas, si es que existen de las segundas) por la somnífera “Enemy”, fue con ese tenebroso thriller Fincherniano mencionado al príncipio con el que se ganó por completo a la crítica y al público. Era una película compleja, oscura, escalofriante, hermosa a su manera, con un excelente guión, una dirección soberbia y unos actores muy buenos en estado de gracia. Por tanto, todos esperábamos ansiosos su nueva obra, “Sicario”. Un emocionante thriller sobre el mundo de la droga con un reparto de ese calibre no es algo que se pase por alto y mucho menos si lo dirige un señor con un futuro tan brillante en el horizonte. El guión lo escribe el debutante y actor Taylor Sherindan (“Sons of Anarchy”) y el increíble reparto del que hablaba lo encabeza un trío de ases: Emily Blunt, Josh Brolin y Benicio del Toro. Seguidos de una larga lista de secundarios entre los que encontramos a: Victor Garber, Jon Bernthal, Daniel Kaluuya, Maximiliano Hernández y Dylan Kenin. Estos son sólo algunos de los excelentes profesionales que trabajan en una película que muchos ya incluyen en sus listas de mejores del año. Dicho ésto no queda sino entrar a debatir si lo nuevo de Denis Villeneuve está destinado a perdurar o quedará en la memoria hasta tan solo unas horas después de su visionado.

sábado, 7 de noviembre de 2015

Crítica de “Spectre”

-Pura acción, pura emoción, pura tensión, pura diversión, puro Bond. “Spectre” es un regalo para los fans de 007 y Sam Mendes se despide por la puerta grande haciendo que cada escena sea mejor de lo que se espera de ella.

-Comenzando con una magistral escena inicial que da lugar a un intermedio tan intenso como absurdamente entretenido y nostálgico para concluir en un inteligente desenlace. Gracias a Craig y a Mendes por firmar la mejor etapa Bond.

El agente secreto más famoso del mundo lleva con nosotros mucho tiempo, ha cambiado de cara muchas veces y con él todos los entrañables personajes que le acompañan en sus misiones. Para algunos -entre los que me encuentro- Pierce Brosnan protagonizó un periodo infame de 007 (1995-2002), el peor con diferencia y es que apenas podría salvar “Goldeneye” de la guillotina. Pero después del estirado Brosnan llegó el inefable Daniel Craig, un señor rubio de ojos claros (para que se pudieran quejar los más puristas) que a priori sólo cumplía unos pocos requisitos pero que fue tras verle en “Casino Royale” cuando defintivamente hizo renacer aquel icono que muchos añorábamos haciéndolo incluso mejor a sus antecesores. Seamos claros, aunque fue gracias al infravalorado Timothy Dalton (el Bond más fiel a Fleming hasta Craig) que se llegara a los filmes de Craig, con la llegada de este último se llevo al espía a unas cotas de seriedad y fidelidad con las escrituras que no era ni creíble tras reformulaciones como la de la etapa Roger Moore. Muchos decidieron opinar que ese no era Bond, buena parte de ellos porque el inolvidable Sean Connery marcó época con su estilo y carisma inigualables, pero si han leído un poco a Fleming sabrán que Craig es Bond, tal y como lo concibió el novelista inglés. Ahora bien, tras la cinta de Martin Campbell, tuvimos que dar radical marcha atrás con “Quantum of Solace”, que convertía a nuestro de nuevo querido Bond en un Charles Bronson que reventaba todo lo que encontraba a su paso a ritmo de Michael Bay, algo que no se asemejaba ni de cerca a 007, ni siquiera al más vengativo. Así pues fue Sam Mendes (“Camino a la perdición”) el encargado de hacer renacer de nuevo al personaje con un clásico instantaneo que reformuló las reglas de la franquicia al tiempo que marcó el límite máximo en el estandar de calidad que podría dar esta saga. “Skyfall” aunaba lo moderno y lo clásico con excelencia y se convertía por méritos propios en la mejor película Bond hasta la fecha. Han pasado tres años desde aquello, pero con Sam Mendes de nuevo a los mandos y Craig repitiendo por cuarta vez consecutiva el rol, esperábamos grandes cosas de “Spectre”, sobre todo porque su título ya adelantaba que MGM había podido recuperar los derechos de la malvada asociación de villanos que tras años poniéndole las cosas difíciles a Bond, había estado otros muchos en poder de Danjaq, la empresa matriz de Eon Productions. Ahora que he puesto los cimientos para hablar de esta 24ª aventura oficial del famoso agente con licencia para matar, sólo queda citar a los que acompañarán a Craig en esta palpitante secuela de la extraordinaria “Skyfall”. Repiten -entre otros- Ralph Fiennes, Naomie Harris o Ben Whishaw a la vez que se suman no pocas caras conocidas como: Christoph Waltz, Monica Bellucci, Léa Seydoux y Dave Bautista. Sólo queda preguntar...¿Está a la altura este Bond?

viernes, 6 de noviembre de 2015

Crítica de “La verdad”

-Una película muy interesante y muy bien hecha. Un trabajo de dirección depurado, un guión inteligente y un reparto en excelente estado de forma conforman la propuesta.

-Se le puede acusar cierto maniqueísmo e incluso que la intensidad del filme proviene de la potencia de sus interpretaciones, pero no por ello dejamos de tener delante un thriller periodístico de primera categoría.

Debuta en la dirección un guionista tan dispare en sus trabajos como lo es James Vanderbilt. A sus espaldas encontramos trabajos tan diferentes como la magnífica “Zodiac” de David Fincher, el remake del hombre araña de Marc Webb o el explosivo y divertido disparate ochentero de Roland Emmerich, con nombre “Asalto al poder”. En anteriores trabajos se podía presuponer que era un gran amante del buen periodismo, ese honesto, limpio y necesario que a día de hoy ya parece una leyenda urbana. Y queda más puesto de manifiesto en este nuevo proyecto que nunca en su carrera. La historia se centra en el llamado caso “Rathergate” sobre los documentos encontrados por la CBS que creían demostrar que el presidente Bush habría utilizado sus influencias para librarse de cumplir su servicio militar; y también en como este supuesto descubrimiento y su emisión desembocó en graves consecuencias para sus responsables. Una de las facetas más interesantes sobre este thriller dramático basado en una historia real es su increíble reparto, protagonizado por la fabulosa Cate Blanchett además de otros fantásticos interpretes entre los que se encuentran: Robert Redford, Topher Grace, Elisabeth Moss, Dennis Quaid y Bruce Greenwood.

miércoles, 4 de noviembre de 2015

Crítica de “Truman”

-”Truman” es como la vida misma, un drama con variedad de emociones complejas y puntos de vista. Háganse un favor y no se la pierdan, es magnífica.

-Los diálogos son fascinantes y la película concentra todo su peso en dos actores mayúsculos que dan lo mejor de si mismos. Darín y Cámara están sublimes.

Cesc Gay regresa tras tres años de su última película, “Una pistola en cada mano”, y lo hace con una obra dispuesta a perdurar. Una inteligente y conmovedora "dramedia", bastante más accesible para el público que otras de sus cintas, pero que en ningún momento deja de ser una película de su director, con las virtudes y los problemas que eso conlleva. La premisa es la siguiente: Dos amigos de la infancia ahora ya en la mediana edad se reúnen después de muchos años para pasar unos días juntos, debido a que uno de ellos padece una enfermedad terminal. Una premisa que habitualmente habría ido por el camino del melodrama lacrimógeno de turno. Sin embargo en esta ocasión estamos ante un drama honesto, sutil, agudo y muy eficaz que juega con la tragicomedia de una forma -como mínimo- brillante. El guión corre a cargo del propio Cesc Gay y su habitual colaborador Tomás Aragay y en el reparto además de Ricardo Darín y Javier Cámara, encontramos secundarios de la talla de: Dolores Fonzi, Àlex Brendemühl, Javier Gutiérrez y Eduard Fernández -entre otros-. Bueno, ya va siendo hora de explicar los múltiples motivos por los que no deben ustedes perderse esta coproducción España-Argentina, en especial aprovechando que estamos en plena fiesta del cine.

jueves, 22 de octubre de 2015

Crítica de “The Martian”

-Una aventura espacial de las de antaño. Ridley Scott vuelve a su género con una película inteligente, emocionante, positiva y muy divertida.

-Visualmente fantástica, con un guión sólido y una gran interpretación de Matt Damon. “The Martian” es un blockbuster de los buenos.

Nunca he dejado de defender el trabajo de Ridley Scott, ni en estos últimos años cuando se ha llevado más palos que elogios. Cierto es que no siempre elige bien donde se mete o la gente con la que trabaja, pero como director siempre cumple con creces. Vale que no gusten sus batallas digitales, sus Robin Hood que no tienen nada que ver con Robin Hood o esa “Exodus” tan mediocre como larga. Pero el que una vez fuera rey de la ciencia ficción no ha dejado de entregar filmes a reivindicar entre sus llamados fracasos. Y no hablo sólo de magistrales piezas infravaloradas como “Los impostores”, magníficos dramas mafiosos como “American Gangster” o thrillers de alto voltaje como “Red de Mentiras”. ¿Qué pasó con ese “Consejero” tan brillante, que por alguna razón aparente todo el mundo dio de lado?...Pero bueno, la verdad y el tema que vamos a tratar en esta reseña es que la ciencia ficción le debe mucho al señor Scott y a sus dos obras maestras: “Alien” y “Blade Runner”. Y tras esa -para muchos- horrible traición que supuso “Prometheus”, su vuelta al género es con “The Martian”, la adaptación de la estupenda novela homónima de Andy Weir. Nuestro protagonista es Mark Watney (Matt Damon), un astronauta-botánico al que dan por muerto en el planeta rojo, un hermoso y peligroso paraje en el que tendrá que sobrevivir si quiere volver a casa. Para narrar esta historia, Scott cuenta con uno de los mejores elencos del año. Entre los participantes para rescatar a Matt Damon encontramos a: Jessica Chastain, Kate Mara, Chiwetel Ejiofor, Kristen Wiig, Jeff Daniels y Michael Peña. Y por si fuera poco el guión corre a cargo de Drew Goddard, guionista y director de “Cavin in the Woods” y creador de la fabulosa serie “Marvel's Daredevil”. La pregunta se hace clara a partir de aquí: ¿Habrá conseguido Scott volver a conectar con el espectador como antaño?

miércoles, 21 de octubre de 2015

Crítica de “Beasts of No Nation”

-Una historia desgarradora que ahonda en un cruel infierno terrenal y huye de cualquier manipulación. La película más aterradora del año.

-Cita obligada con el filme de Fukunaga. Una película que debe ser vista y que te devorará desde dentro, aunque la recompensa de tan agotadora experiencia se vea recompensada.

La mayoría conocerán el nombre de Cary Joji Fukunaga debido a la primera temporada de la serie “True Detective”, que se convirtió instantáneamente en una de las mejores obras que ha dado la televisión. Sin embargo el cineasta -y guionista- estadounidense tiene en su filmografía dos largometrajes bastante reconocidos. En primer lugar el drama social “Sin Nombre” con el que obtuvo en 2009 el premio de mejor dirección en el Festival de Sundance. Dos años después estrenó la adaptación de “Jane Eyre”, un excelente drama de época protagonizado por Mia Wasikowska y Michael Fassbender. En esta ocasión su nuevo proyecto es un drama bélico sobre los niños soldado. Esta película es la primera apuesta de “Netflix” en materia de largometrajes de ficción y se estrena en nuestro país junto con la llegada de la plataforma a tierras españolas. Fukunaga dirige, escribe el guión y se encarga de la fotografía mientras que en el elogiado reparto encontramos al joven debutante Abraham Attah como protagonista (nombrado mejor joven actor en “Venecia 72”) y a un temible lider guerrillero interpretado a la perfección por Idris Elba. Las excelentes críticas no han hecho más que alargar la espera, pero ayer con la llegada de Netflix por fin hemos podido “disfrutar” de este nuevo y necesario filme de Fukunaga.

martes, 20 de octubre de 2015

Crítica de “La cumbre escarlata”

-Al mismo tiempo decepcionante, evocadora y deslumbrante. Del Toro firma un filme que en sus mejores momentos hipnotiza, lástima que no tenga muchos de esos -momentos-.

-El guión es corriente y moliente, pero en pantalla la historia cobra vida gracias una puesta en escena extraordinaria y a un alma inquietante y romántica que recuerda a muchos buenos literatos. Más trabajo en el libreto podría haber supuesto una película realmente magnífica.

Pocos realizadores actuales son conocidos por cuidar de forma tan meticulosa y con tanto cariño a sus criaturas (sus producciones) como Guillermo Del Toro. El guionista y director de origen mexicano ha conquistado a muchos televidentes con su serie sobre vampiros, “The Strain”, y obtuvo muy buena acogida hace dos años cuando estreno “Pacific Rim”. Aún no he tenido el placer de visionar la serie mencionada y no soy fan particularmente de “Pacific Rim”, que bien podría describirse como “Transformers” sólo que hecha por un cineasta que ama cada engranaje de sus películas, que tiene un estilo visual fascinante y que consigue conectar con el público a un nivel muy particular. De hecho su película de robots gigantes (está a la espera de confirmarse una secuela) le encantó tanto a la crítica como al público, porque se respiraba amor por el género y porque convertía a quien la veía en un niño extasiado de alegría durante algo más de dos horas. Una ruidosa poesía cinematográfica que supone lo que se conoce más concretamente como placer culpable. Pero volviendo al tema, muchos esperábamos ansiosos lo que nos deparaba este nuevo viaje al género por excelencia del director, sobre todo cuando está acompañado de un elenco de actores/actrices tan dotado. Mia Wasikowska, Jessica Chastain, Tom Hiddleston y Charlie Hunnam se unen a un largo y llamativo listado de secundarios en un thriller sobrenatural que se aleja del manufacturado modelo comercial, porque está en manos de un devoto del cine fantástico.

jueves, 8 de octubre de 2015

Crítica de “Regresión”

-Un thriller oscuro tan sumamente bien narrado como falto de emoción. No se le puede negar a Amenábar su extrema corrección, pero por aquí hay poca brillantez.

-Hay buenos actores y están bien dirigidos, destaca -por supuesto- el preciso y sobrio trabajo del infravalorado Ethan Hawke.

Después de que un proyecto tan personal como “Agora” no funcionara de la forma esperada y de ese inexplicable cortometraje-anuncio de Estrella Damm en tono de comedia romántica que estrenó este mismo año, Amenábar ha decidido volver a sus orígenes, a un terreno conocido que domina a la perfección. “Regresión” bien podría ser lo más alejado de “Agora” que podíamos esperar, la artesanía muy por encima de la autoría. No es un proyecto personal, no es arriesgado, no se diferencia la firma del autor con la misma firmeza que pudiera hacerse en cualquier otro filme de su filmografía. Es una película mucho más “normal” que ninguna que haya dirigido el hispano-chileno, con las connotaciones negativas y positivas que pueda tener esta afirmación para los diferentes públicos. También es -después de “Mar Adentro”- su película con más lectura social y sobre todo política, algo que en esta ocasión resulta ser un gran acierto. Es por tanto una cinta que provocará diferencias de opiniones según su visión propia del cine de este incontestable cineasta. El guión corre a cargo del propio Amenábar y el reparto lo encabezan un par de excelentes intérpretes, entre los que se encuentra: Ethan Hawke, Emma Watson, Devon Bostick, David Thewlis y Dale Dickey. La duda que puede surgirles de cara a pasar por taquilla es si este es el Amenábar que ustedes buscan.

martes, 6 de octubre de 2015

Crítica de “Irrational Man”

-Ni obra menor ni obra maestra, sencillamente una buena película de Woody Allen. Lo que quiere decir que es inteligente, interesante, reflexiva, divertida y muy ácida.

-El increíble dúo protagonista dota al filme de una fascinante humanidad. Allen logra un par de momentos que nos recuerdan lo bueno que puede llegar a ser.

Muchos llevan años diciendo que el genio de Nueva York ha perdido toda su esencia y potencial para contar historias brillantes como las de antaño. Cierto es que hace mucho que no entrega un “Annie Hall” pero eso no es algo de lo que avergonzarse ni minimamente. Mr. Allen continúa entregando películas repletas de ingenio, negrura, ironía y personajes desequilibrados, que si bien no le llegan a la suela a sus grandes obras, ni tampoco a sus películas de antes, le aportan mucho más al espectador por el precio de una entrada que casi cualquier otra película que se estrena en cartelera semana tras semana. Entre tantas obras menores, “Blue Jasmine” sobresalió como si de un diamante se tratase y nos fascinó a todos. Era una película magnífica, de lo mejorcito de Allen en más de una década y mucho de ello se lo debemos a Cate Blanchett, que se sabía que iba a ganar el Oscar meses antes de que salieran las nominaciones. Después vino “Magia a la luz de la luna”, una comedia romántica ambientada en los años 20 que definía a la perfección el término antes mencionado de “obra menor”. Entretenida, inofensiva y en especial olvidable, acababa con las esperanzas de que tras “Blue Jasmine”, el genio Allen volviera a sus mejores momentos. Su nueva película es un perspicaz juego de géneros con un reparto que la hace completamente irresistible. Joaquin Phoenix y Emma Stone, dos de los mejores rostros que nos podemos encontrar en el panorama actual, protagonizan esta nueva comedia dramática que sin ser una de las mejores cintas del cineasta les aseguro que no olvidarán al día siguiente.

sábado, 3 de octubre de 2015

Crítica de “El desconocido”

-Una cinta de acción adrenalítica y de excelente factura. Fabuloso Luis Tosar.

-El guión es -se mire por donde se mire- endeble y vulgar, sin embargo cuando la película no busca ser más que un torrencial thriller de acción, el espectador se queda clavado en la butaca.

El cine español cada vez le coge más el truco al cine de acción y demuestra que no tenemos nada que envidiar a Hollywood. Tenemos los medios, sabemos utilizarlos y disponemos de fantásticos actores que manejen las riendas de una buena película del género. Tal vez hayamos absorbido la falta de imaginación de Hollywood para las historias, los personajes y los previsibles giros de guión pero no significa que no sepamos entregar productos de calidad certificada. El pasado año se estrenaban -entre otras- “El Niño” (más cercana a la acción) y “La isla mínima” (más cercana al thriller), dos títulos que acababan con esos prejuicios que el público español le tiene al cine patrio. El filme de Daniel Monzón (“Celda 211”) era emocionante, muy entretenido y técnicamente irreprochable; además tenía en su haber un par de las mejores escenas de acción de la historia del cine español. Por otro lado la película de Alberto Rodríguez (“Grupo 7”) era fascinante, cruda, magníficamente escrita, dirigida e interpretada y poseedora de un brillante apartado visual. La apuesta de este año por el género es “El desconocido”, una intensa intriga a contrarreloj dirigida por el debutante gallego Dani de la Torre y con guión de Alberto Marini (“Extinction”). En el reparto encontramos a Luis Tosar, Javier Gutierrez, Goya Toledo, Elvira Mínguez y Fernando Cayo -entre otros-.

domingo, 27 de septiembre de 2015

Crítica de “Southpaw”

-Jake Gyllehaal te destroza con una zurda demoledora, su interpretación es salvaje y arrolladora.

-Típico drama sobre el boxeo con trama de redención y exceso de sensiblería. Fuqua sabe como hacer que algunas escenas funcionen mejor de lo esperado.

El boxeo (pudiendo extenderse la referencia a otros deportes de combate) siempre ha sido un tema frecuente en el cine y durante los últimos años han llegado a la cartelera películas excelentes que radiografiaban este controvertido deporte así como la vida y la filosofía (entre otras cosas) de sus boxeadores. No sólo eso, el género ha sabido complementarse perfectamente con el drama desde muy atrás, brindando historias fascinantes, humanistas, redentoras, vengativas y también tratando infinidad de temas o retratando variedad de épocas y ambientes. Todo el mundo recuerda “Rocky” o “Raging Bull” (una de las películas favoritas de este crítico) pero no sólo de esos clásicos vive este género. Sería imposible no acordarse, por ejemplo, de uno de los mejores papeles del inigualable Paul Newman, que allá por 1956 interpretaba al púgil Rocky Graziano en el fascinante drama biográfico dirigido por Robert Wise, y con un fugaz cameo que supondría el debut de Steve McQueen. Y si lo que quieren son ejemplos actuales, hay a puñados. Desde las más infravaloradas como “Cinderella Man” de Ron Howard y a principios del nuevo siglo el “Ali” de Michael Mann, hasta algunas de las más reconocidas como “Million Dollar Baby”, “The Fighter” o “The Wrestler” de Darren Aronofsky. En esta ocasión ha sido Antoine Fuqua quien se decide a probar suerte en este deporte y para ello cuenta con Jake Gyllenhaal, que se sube al ring dispuesto a darlo todo en una interpretación comprometida e inflamable, una de las mejores de su sólida carrera. En su esquina encontramos también a algunos secundarios de lujo, entre los que destacan: Rachel McAdams, Naomie Harris y Forest Whitaker, que hacen un trabajo fantástico. Deben ustedes preguntarse: ¿Es esta una película ganadora?

sábado, 26 de septiembre de 2015

Crítica de “The D Train”

-Película extraña, sombría, amarga, ciertamente arriesgada y en ocasiones hilarante. Es un debut plausible y a la vez decepcionante, se atraganta en ocasiones y en otras se vuelve fascinante. No falta interés en la propuesta.

-Jack Black da un recital interpretativo con su bizarro estudio del personaje y se convierte en lo mejor de esta radiografía social y psicológica.

Jarrad Paul y Andrew Mogel se deciden a debutar en la dirección con esta comedia independiente sobre las reuniones de compañeros de la escuela, un tema recurrente en el género que los guionistas de “Di que sí” utilizan para llevar a cabo su análisis de la sociedad americana al tiempo que tratan otros temas como el inconformismo, la búsqueda de la popularidad que prosigue después del instituto, las apariencias, las mentiras que contamos a los demás y a nosotros mismos y un largo etcétera. Así pues la primera mentira de la película es considerarse una comedia cuando realmente es un drama. Aunque el humor negro esté presente de forma permanente su género principal no es otro que el drama. Los directores escriben -como era de esperar- el guión y el reparto está protagonizado por Jack Black y James Marsden, a los que secundan otros actores como Kathryn Hahn y Jeffrey Tambor.

martes, 15 de septiembre de 2015

Crítica de “Anacleto: Agente secreto”

-Película veraniega como debe ser, repleta de hilarantes gags casados con talento innato. No es una gran película, pero te lo pasas en grande.

-Un par de escenas geniales, mucho ritmo y un reparto bien escogido y dirigido conforman los atractivos principales de esta adaptación de las historietas de Vázquez.

Tras “Spanish Movie” y “Promoción fantasma” (que no acabaron de gustar a todo el mundo) el director Javier Ruiz Caldera estrenaba en 2013 el filme “3 bodas de más”. Una comedia romántica sobre bodas que recordaba a algunos clásicos y contaba con un divertido guión con un par de golpes brillantes. No obstante le hacía falta consumar el título de cineasta efectivo para la comedia y eso pretende lograr con su última película, en la que adapta las famosas y descacharrantes historietas del espía más famoso de España, Anacleto. Aquel célebre personaje creado por Manuel Vázquez Gallego en 1964 y que se dejaba caer por las revistas de la Editorial Bruguera. De aquella estaban muy de moda los James Bond, los Napoleón Solo, los Maxwell Smart e incluso algún que otro Harry Palmer. Y claro está que las historietas de Vázquez eran una parodia estupenda de aquel boom del microfilme. Cincuenta años después parece que la moda de los espías ha vuelto de una forma moderada, y algunos han decidido hacer lo que ya hizo Anacleto y burlarse de los espías de la mejor forma posible, con una película de espías. Para ello los guionistas Fernando Navarro, Pablo Alén y Breixo Corral han traído de vuelta al famoso espía, aunque en el mundo actual y un poco más mayor; y ya lo dice el propio Anacleto al comenzar el filme: “Soy demasiado viejo para esto”. El encargado de darle rostro y voz es Imanol Arias que co-protagoniza la película junto con Quim Gutiérrez, que interpreta a Adolfo, el apático hijo de Anacleto. Les secundan actores tan conocidos como: Alexandra Jiménez, Carlos Areces, Berto Romero y Rossy de Palma -entre otros-.

lunes, 14 de septiembre de 2015

Crítica de “La visita”

-Terroríficamente divertida, Shyamalan vuelve a su género con esta pequeña y divertida cinta. No es él en su mejor forma, pero en los regresos conviene ir poco a poco.

-¿Puede una película hacerte reir y gritar de terror al mismo tiempo? Parece ser que sí, “La visita” es una inquietante chuchería repleta de humor negro.

Muchos veíamos en M. Night Shyamalan uno de los mejores directores de nuestro tiempo hasta después de “El Bosque”, una de las joyas más infravaloradas del cine reciente. Desde aquella obra maestra el nominado al Oscar ha ido estrenando películas cada vez más infames. “La joven del agua” ya daba muestras de un Shyamalan menor que incluso fallaba en la narración, después llegó “El incidente” que tras un buen comienzo se convertía en una película absurda, aburrida y sin alma, que hacía sospechar que lo anterior no había sido un fallo único y pasajero. En 2010 estrenaba “Airbender”, una aventura infantil (basada en la serie animada “Avatar) tan somnífera como falta de talento o arte. Sin embargo fue hace 2 años cuando su carrera parecía haber sido condenada. Estrenaba “After Earth”, aquella basura de ciencia ficción para el lucimiento del insustancial Jaden Smith que se ganó una merecida dosis de críticas negativas por una interpretación (si es que se le puede llamar así) como poco infumable. También teníamos a Will Smith, que se había escrito a si mismo el papel menos carismático de su carrera, el de un padre odioso carente de expresión alguna. “After Earth” es el paradigma de los fracasos estrepitosos, es la película que nadie querría hacer, no demasiado lejos de “Campo de Batalla: La tierra”. Este año parece ser el del cineasta indio, que tras triunfar en la televisión con “Wayward Pines” (esa especie de “Twin Peaks” que resultó tener no poca sorpresas) regresa a la gran pantalla con un filme de poco presupuesto y en el género que le dio la fama, el terror. La pregunta que todos nos hacíamos es...¿Ha regresado el genio Shyamalan o este sólo es otro clavo para su ataúd?

Crítica de “American Ultra”

-Esta desfasada comedia de acción tiene algunos momentos disfrutables, pero en su conjunto tenemos otro fracaso veraniego.

-Demasiada violencia para tan poca diversión. La mezcla de géneros no podría encajar peor y sólo el dúo protagonista se salva del desastre.

Para muchos Josh Trank (que antaño tenía una carrera brillante por delante) se ha convertido en el mayor fracaso de cineasta prometedor de los últimos años. Pero nadie parece hablar del guionista de “Chronicle”, Max Landis, otro nombre que se ganó a pulso que crítica y público siguieran su trabajo con suma atención. Pues bien, Landis ha ido por su camino y se ha encargado de escribir el guión de “American Ultra”, una salvajada de acción con toques de humor y mucha sangre en uno de los géneros más manidos que haya, el del espionaje. El encargado de plasmar esta idea “comiquera” en la pantalla es el director inglés, Nima Nourizadeh (Project X). Y una de las cosas que más sorprenden de la propuesta es el casting, Jesse Eisenberg y Kristen Stewart co-protagonizan esta alocada historia, dos actores que a priori no nos imaginariamos en sus respectivos roles pero que finalmente hacen un buen trabajo. Para secundarles tenemos a un interesante reparto de secundarios como: Connie Britton, Topher Grace, John Leguizamo, Walton Goggins y Bill Pullman -entre otros-.

viernes, 11 de septiembre de 2015

Crítica de “Dark Places”

-Indolente adaptación que no capta el espíritu de Flynn. Al menos cuenta con un excelente reparto y no aburre excesivamente.

-Charlize Theron es lo mejor de este confuso, incoherente y literalmente oscuro thriller.

La ex-periodista en Entertainment Weekly y ahora novelista de éxito, Gillian Flynn, con tan sólo tres libros se ha convertido en la autora de moda para llevar a cabo adaptaciones. La primera fue este pasado 2014, cuando David Fincher dirigió “Perdida”, la tercera novela de la escritora. De esa unión surgió algo tan escalofriante como milagroso, una película casi perfecta y repleta de capas que se quedaba en la cabeza del espectador semanas después de que las luces de la sala se hubieran encendido. Para la persona que escribe estas líneas “Perdida” fue una de las mejores películas del año pasado (además de una de las mejores de su director), pero también hay que tener en cuenta que el guión estaba escrito por la propia autora. En esta ocasión Gilles Paquet-Brenner se encarga de dirigir y escribir el guión, y queda muy claro que el cineasta parisino no es Fincher ni es Flynn. No obstante el reparto de la propuesta vuelve a ser excelente, con una fabulosa Charlize Theron a la cabeza. La secundan intérpretes de primera fila entre los que encontramos a: Nicholas Hoult, Chloë Grace Moretz, Christina Hendricks, Tye Sheridan y Corey Stoll.

sábado, 5 de septiembre de 2015

Crítica de “Mientras seamos jóvenes”

-Una película fabulosa, absolutamente divertida, inteligente y reflexiva. No se la pierdan.

-Compleja en su sencillez y viceversa. Baumbach camina en la línea entre lo pretencioso y lo extraordinario, entre lo espontaneo y lo minuciosamente calculado. Los actores están fantásticos.

Para quienes lo desconozcan, Noah Baumbach es un director y guionista estadounidense famoso por sus comedias dramáticas independientes, las cuales se caracterizan por una sencilla espontaneidad que acaba tornándose en compleja relevancia y ciertos rasgos en común con el cine de Woody Allen. Su última obra fue “Frances Ha”, una delicia tan indie como ligeramente pretenciosa que sin embargo mostraba muchas de las virtudes del cineasta, como por ejemplo su habilidad para retratar las emociones de sus personajes. Ahora con 46 años cuenta lo que aparenta ser una historia sobre la crisis de los 40 pero que acaba siendo algo de mucha mayor importancia. Aunque el choque generacional y la convivencia -cuanto menos extraña- entre los diferentes estilos de vida se conforme como el tema principal, surgen incontables temas y capas que Baumbach afrontar a través de la comedia, su mayor aliada. El director recurre a su amigo Ben Stiller (con el que ya trabajó en el filme “Greenberg”) para protagonizar esta historia, y hay que decir que Stiller es un actor que ha madurado de forma sorprendente con los años. También encontramos a una maravillosa Naomi Watts y a secundarios de la talla de Adam Driver, Amanda Seyfried y un titán como Charles Grodin, que regresa para la ocasión con un estupendo papel.

jueves, 3 de septiembre de 2015

Crítica de “Un día perfecto”

-Un filme peculiar en el mejor sentido de la palabra. Aranoa entrega veracidad y cuenta una aterradora historia sirviéndose de los mecanismos de la comedia en lugar de tirar por el melodrama. Una decisión arriesgada de la que sale triunfante.

-Los diálogos son excelentes, los personajes están bien descritos y el reparto hace el resto. Es una película repleta de capas y reflexiones.

Hace cinco años de la última película de Fernando León de Aranoa, “Amador”. Una de sus obras peor recibidas por la crítica y el público, sin embargo muchos nos moríamos de ganas de volver a ver al cineasta en acción. Director y guionista ganador de cinco premios Goya entre muchos otros galardones y nominaciones. Magníficos sus dramas sociales, capaces de retratar a la perfección un lugar, un momento y a unos personajes llenos de emociones reales, en busca de una mejor situación, y que a pesar de muchas desgracias también encuentran algún que otro momento para la alegría y el humor. En esta ocasión nos introduce en el conflicto Yugoslavo a mediados de la década de los 90. A través de la mirada de un grupo de cooperantes que trata de sacar un cadáver de un pozo para que no se contamine el agua. Así pues se une el conflicto histórico que quiere retratar Aranoa con los conflictos de cada uno de los personajes. El elenco lo encabeza un sosegado Benicio del Toro junto con Tim Robbins, Olga Kurylenko, Mélanie Thierry y Fedja Stukan. A pesar de estar ambientado en los Balcanes, el filme ha sido rodado íntegramente en Granada, Cuenca y Málaga.

viernes, 28 de agosto de 2015

Crítica de “La vida en llamas”

-Un documental admirable y bien hecho que llama la atención sobre una labor poco conocida y reconocida.

-Manuel H. Martín aborda su quinto trabajo con valentía, carácter y sentimiento.

Tras cortos de interés como “El árbol seco” o “El defensor”, Manuel H. Martín dirigió el excelente documental animado “30 años de oscuridad”, un duro drama ambientado durante la posguerra española. Con este optó -sin premio- al Goya a mejor largometraje documental. Ahora, tras cuatro años (tres de ellos inmerso en este proyecto) se dispone a estrenar este nuevo e interesante documental. El director y su equipo llevan dos años siguiendo día a día a los miembros del BRICA (Brigada de Refuerzo contra Incendios de la Comunidad Autónoma de Andalucía) y a sus respectivas familias. Martín nos cuenta su historia, la de esos 12 hombres que se juegan la vida cada día mientras el resto disfrutamos del calor del verano refugiados bajo una sombrilla. Profesionales muy preparados que conocen a su enemigo y lo vencen gracias a la cooperación- y la coordinación-, la paciencia y mucha valentía; el término héroe no es a menudo utilizado de forma tan apropiada como en esta ocasión. Sin embargo la mayoría de personas no le dan importancia a esta labor, o incluso la desacreditan diciendo cosas como “esos sólo van a jugar a las cartas”. Esa es una de las razones para llevar a cabo este documento de interés humano cuya recaudación irá destinada a los bomberos forestales. El filme llegará a los cines el próximo 4 de septiembre mediante un sistema de distribución bajo demanda; después, también se emitirá a través de Discovery Max una versión ampliada convertida en serie de televisión y presentada por el periodista David Beriain.

jueves, 27 de agosto de 2015

Crítica de “Mr. Holmes”

-Sir Ian McKellen entrega en “Mr. Holmes” una interpretación brillante y majestuosa. Lo malo es que la película no pasa del melodrama sensiblero.

-Muy floja, tiene un par de momentos interesantes e incluso algo de misterio, pero siendo sinceros, el filme de Condon no está a la altura del personaje ni de la historia, es corriente y olvidable.

Desde que Sir Arthur Conan Doyle publicara la primera novela del detective Sherlock Holmes allá por 1887, con el título “Estudio en escarlata”, el cine ha sido un hogar permanente para el detective más inteligente del mundo. Más de una decena de actores han dado vida al famoso y fascinante personaje a lo largo de un siglo y ahora ha sido nada menos que Sir Ian McKellen el elegido para interpretarle en sus últimos años. La historia está basada en la novela homónima del escritor Mitch Cullin y ha sido adaptada por el guionista Jeffrey Hatcher (“La duquesa”). Esta última aventura de Holmes está dirigida por Bill Condon (“El quinto poder”), que ya trabajó con McKellen en “Dioses y Monstruos”, una estupenda película que trataba el mismo tema con mejores resultados. Desde entonces ambos compañeros han seguido caminos muy distintos, Condon dirigiendo las últimas entregas de “Crepúsculo” y McKellen convirtiéndose en una de las estrellas de cine más respetadas del panorama actual. Por último antes de empezar queda nombrar al elenco de secundarios que acompaña a McKellen en el filme, estos son: Laura Linney, Hiroyuki Sanada, Frances de la Tour, Roger Allam y Philip Davis -entre otros-.

martes, 25 de agosto de 2015

Critica de “Los cuatro fantásticos” (2015)

-El experimento de Trank no es del todo fallido. Hay dos películas opuestas dentro de este, y una de ellas es bastante interesante.

-Quizás con otro título o dejando claro que esto no es cine de superhéroes al uso, habría acabado mejor parada. Trank entrega un drama dialogado, pausado y centrado en sus personajes. La 20th una patochada de acción aburrida y mala.

Josh Trank estrenó en 2012 una “película de superhéroes” diferente y excelente. Un oscuro drama sobre la amistad, la adolescencia, los problemas de esta etapa, etc. Cuando se le eligió para dirigir el reboot de la primera familia de Marvel había dos cosas que parecían claras, iba a hacer algo totalmente alejado de los cómics y seguramente iba a ser algo que no deberíamos perdernos. Estaba claro que la gente se quejaría, pero fue más que eso, esta película parecía tener un futuro aciago desde su pre-producción. La gente ya odiaba el filme de Trank cuando aún no había siquiera título oficial, y es algo cada vez más extendido. Ahora el público detesta películas por un actor cuando ni siquiera se ha visto su trabajo (véase a Heath Ledger, Christian Bale, Ben Affleck, Jesse Eisenberg, Gal Gadot, Jason Momoa...), o tal vez porque va a ir enfocada de una manera diferente. Toda esa gente sin vida social con nombres como foreros, trolls, haters, que entran en cada publicación sobre una película para ponerla a parir cuando faltan meses -e incluso un año- para que se estrene, pero da igual, ellos ya saben que la película será mala, aplaudo su omnipotencia. Y otra mucha gente sin personalidad se empacha durante días con miles de comentarios negativos hacia un filme que sigue sin haberse estrenado. La crítica americana en un consenso incomprensible le da a la cinta la peor puntuación de la década y estas gentes que se enorgullecen habitualmente de no fiarse de los críticos, se apoyan en las reseñas de estos para argumentar sin ningún peso que la película es infame, pero atención, siguen sin haberla visto. Esto es lo que está de moda actualmente, boicotear películas antes de su visionado. Y si encima surgen problemas en el rodaje y luego llega la productora y obliga al director a rodar de nuevo algunas escenas y más tarde mancilla a tijeretazos el montaje, tenemos la receta perfecta para una de las películas más odiadas de todos los tiempos. Aunque tengo la duda de donde se esconden los defensores de la propuesta...si los hay.

sábado, 22 de agosto de 2015

Crítica de “Cut Bank”

-Tiene innumerables problemas, empezando por una trama insostenible. No obstante, su potente reparto, el toque social y el humor negro la hacen más admisible.

-Shakman no es los Coen y eso se nota. Clichés, giros absurdos, diálogos innecesarios y una narración por momentos plúmbea.

El director de series Matt Shakman (“Fargo”, “Revenge”, “Betty”) debuta en la dirección de largometrajes con un thriller rural repleto de violencia y humor negro, que radiografía satíricamente a la sociedad de la llamada América profunda. En el guión encontramos a Roberto Patino (“Sons of Anarchy”), otro habitual de las series que se embarca en su primer trabajo para cine. También nos topamos con nombres más habituales del séptimo arte como el director de fotografía Ben Richardson (“Bestias del Sur Salvaje”) y un grande como James Newton Howard en la partitura musical. Sin embargo lo que más llama la atención a priori, es el increíble reparto. Liam Hemsworth (no vayáis a confundirle...) protagoniza el filme acompañado de unos secundarios de auténtico lujo, tales que: Teresa Palmer, Billy Bob Thornton, John Malkovich, Bruce Dern y Michael Stuhlbarg -entre otros-.

miércoles, 19 de agosto de 2015

Crítica de “Aloha”

-Seguramente lo mejor que se puede decir de ella es que resulta inofensiva. Tan vacía como previsible y auto-indulgente, sin una pizca de inteligencia ni buen hacer.

-¿El reparto más desaprovechado del año? El filme de Crowe no acierta ni con la solución delante, parece que el desastre esté hecho a propósito.

La carrera de Cameron Crowe ha estado llena de irregularidades. Desde que debutará en la dirección con “Un gran amor” tras abandonar su puesto de columnista en la revista Rolling Stone, ha dirigido media docena de películas, tanto éxitos como fracasos. Nominado al Oscar por “Jerry Maguire” en 1996 y ganador del mismo por el guión de su siguiente filme, “Casi famosos” (2000). A esta racha de triunfos le siguieron el infame remake de la famosa cinta de Amenábar, “Abre los ojos” (que llevaba en esta ocasión por título “Vanilla Sky”), y un par de empalagosas comedias dramáticas-románticas rurales. Su nueva película permanece en el género de las comedias románticas aunque parece añadir a la fórmula un tono satírico a través de temas de interés como la defensa militar, la corrupción, etc. De paso se aprovecha de la localización de su película, Hawái, para jugar con algunas supersticiones y darle un toque espiritual a la propuesta. Pero lo que más llamaba la atención de este nuevo trabajo era el increíble reparto protagonista, con actores de la talla de : Bradley Cooper, Emma Stone, Rachel McAdams, Bill Murray y John Krasinski -entre otros-.

sábado, 15 de agosto de 2015

Crítica de “Operación U.N.C.L.E.”

-Un decepcionante blockbuster para un decepcionante verano. El pulso de Ritchie se tambalea en una película falta de sustancia y de carácter.

-Se ve bastante bien y luce genial, pero no provoca las irrefrenables sensaciones de entusiasmo de la casa Ritchie. La historia carece de importancia y sólo funcionan un par de gags.

Han pasado cuatro años desde que Guy Ritchie estrenara su última película, la secuela de su versión de Sherlock Holmes. Ahora, con la temporada veraniega llegando a su fin, el director de “Snatch” pretende darnos una alegría con un blockbuster aparentemente elegante, inteligente y muy divertido (dos de tres adjetivos muy propios de su cine) que homenajee a los filmes de espías de las décadas de los 60-70. Y sinceramente, si las expectativas se hubieran cumplido la alegría habría sido de aupa, porque este verano ha sido -siendo bueno- bastante flojo, la mayoría de “éxitos” han resultado ser fiascos, fotocopias sin alma en busca de un pedazo del pastel. Sin embargo este Buddy Movie parecía tener un refinado estilo propio y aparte llevar la firma del señor Ritchie le condecía un lugar de reserva en los calendarios de cualquier cinéfilo. Se trata de una versión moderna de la mítica serie de los 60, “El agente de CIPOL” (su título original era “The Man form U.N.C.L.E.”). El guión corre a cargo de Scott Z. Burns (Efectos Secundarios) y David C. Wilson, mientras que el atractivo reparto lo lideran Henry Cavill, Armie Hammer y Alicia Vikander; con secundarios de la talla de Elizabeth Debicki, Hugh Grant y Jared Harris -entre otros-.

jueves, 13 de agosto de 2015

Crítica de “Ciudades de papel”

-Una película entretenida que tiene más bien poco que ofrecer salvo por algunos momentos honestos. El reparto funciona bastante bien.

-Es previsible, tonta, está repleta de tópicos y el tipo de amor que se representa es falso y superficial. Pero cuando habla de la amistad, el filme funciona.

Tras el éxito de la adaptación de “Bajo la misma estrella”, del best seller homónimo de John Green, Hollywood busca un nuevo triunfo en el género adaptando otra novela del escritor, “Ciudades de papel”. En esta ocasión el encargado de ponerse tras las cámaras es Jake Schreier, que debutó con la divertida y conmovedora “Frank and Robot”. El dúo de guionistas Scott Neustadter y Michael H. Weber repite tras un acertado trabajo en el filme de Josh Boone. Por último el reparto, encabezado por Nat Wolff y Cara Delevingne como Quentin y Margo respectivamente. Seguidos de cerca por algunos secundarios jóvenes de poco recorrido como: Halston Sage, Austin Abrams, Jaz Sinclair o Meg Crosbie. En esta ocasión puesto que no hay enfermedades propias de una adaptación de Nicholas Sparks ni adolescentes aliens o vampiros del tipo Stephenie Meyer, lo que llama la atención del proyecto es en primer lugar la mezcla de géneros. Aparte de la trama romántica al uso, la historia juega con un toque detectivesco, y su mensaje sobre la amistad, aprovechar la juventud y arriesgarse, llama la atención. ¿Habrá conseguido superar esta segunda adaptación de Green a la cinta de Josh Boone?

miércoles, 12 de agosto de 2015

Crítica de “Good Kill”

-A priori el tema es fascinante, otro asunto es como lo maneja Niccol. Ethan Hawke lo hace bien interpretando a un hombre jodido y apático que no puede volar.

-Un drama tenso, bien dirigido y demasiado superficial en el tratamiento de sus ideas. El ritmo pausado es perfecto pero el guión desaprovecha lo importante y cae en el aburrido melodrama.

Andrew Niccol es un director con buenas ideas, pero últimamente no han cuajado demasiado bien sus proyectos. Desde que estrenara en 2005 “The Lord of War” (una película soberbia con un excelente Nicolas Cage), no ha vuelto a entregar una película en condiciones. “In Time” era una idea interesante que no acabó nada bien y la adaptación de la “novela” de Stephenie Meyer fue -como era de esperar- espantosa, de hecho si obviabas la dirección de Niccol podrían hasta prohibirla por asesinato masivo de neuronas. Así que el año pasado estrenó “Good Kill”, un thriller dramático con tintes morales sobre el uso de drones en un nuevo concepto de guerra que no entiende de países, leyes, justicia ni ética. El guión lo escribe el propio Niccol y el reparto lo encabeza Ethan Hawke, al que acompañan con gran destreza secundarios como: Jake Abel, January Jones, Zoë Kravitz y Bruce Greenwood -entre otros-. El filme aún no tiene fecha de estreno en nuestro país.

Crítica de "Conducta"

Que fantástica película, Cuba demuestra una vez mas que es uno de los gigantes del cine Latinoamericano. El país que hace 50 años enseñaba a Hollywood lo que era un plano secuencia de verdad, en la afamada "Soy Cuba", nos trae esta historia de superación, tan magníficamente dirigida como interpretada.El filme nos cuenta la historia de Chala, un niño cubano cuya difícil vida transcurre junto a su madre alcohólica en la casa que Chala paga gracias al dinero que gana cuidando los perros de pelea de su amigo Ignacio, quien Chala sospecha desde siempre que es su hijo. Nuestro protagonista solo se aleja de la marginalidad y la violencia cuando esta con Carmela, su profesora, a la que tiene un profundo afecto.

domingo, 9 de agosto de 2015

Crítica de “Misión Imposible: Nación Secreta”

-Una película de acción veraniega tan divertida e intensa como mecánica. McQuarrie aporta oficio pero al conjunto de -geniales- escenas le falta un elemento de cohesión, le falta alma.

-Cruise vuelve a demostrar que es el mejor en lo que hace y su personaje madura en esta entrega, ahora Ethan piensa antes y golpea después.

Desde que los personajes de Bruce Geller fueran llevados a la gran pantalla por primera vez en 1996 (el director fue Brian de Palma), la saga “Misión Imposible” se ha mantenido ofreciendo entregas regulares cada 5-6 años. Y con ellas torrenciales escenas de acción, decenas de giros inesperados, traiciones, agentes dobles y triples, etc. Cada nueva entrega con un director diferente que buscaba dejar su firma. No ha cambiado el protagonismo de Cruise como agente secreto Ethan Hunt (que ha sabido evolucionar con los años) ni tampoco el del magnífico tema compuesto por Lalo Schifrin. Cuando la primera secuela se estrenaba en el año 2000 dirigida por John Woo, todo el mundo pensaba que la saga ya no daba más de si. A pesar de los muchos fans que tiene la segunda entrega, también hay muchos otros que tenemos claro que el director hongkonés se paso con coreografías y volteretas estrafalarias a cámara lenta. La inteligencia brillaba por su ausencia, y el vehículo de acción vacua sólo se recuerda por la melenaza de Cruise, la mítica paloma blanca insistente firma de Woo y los execrables minutos en Sevilla. Fue 6 años más tarde cuando J.J. Abrams hizo renacer su primera saga (le siguió “Star Trek” y ahora le toca hacer resurgir a “Star Wars”). La tercera entrega no era perfecta, pero cumplía renovando la franquicia para una nueva era. Tenía mucha acción, algo de humor y uno de los mejores -sino el mejor- villanos de la saga, interpretado de forma soberbia por nuestro añorado Philip Seymour Hoffman. Sin embargo fue “Protocolo Fantasma”, la cuarta entrega de la que se encargó Brad Bird (“Ratatouille”, “Los Increíbles”), la que realmente consolidó la saga. La película funcionaba como un reloj, desde sus casi poéticas escenas de acción hasta sus muy eficaces secundarios. Esta nueva entrega continuista con respecto a la anterior, está escrita y dirigida por Christopher McQuarrie (“Jack Reacher”) con algo de ayuda de Drew Pearce en la historia. La música corre a cargo de Joe Kraemer, colaborador habitual del director (en sustitución de Michael Giacchino) y repite como director de fotografía el ganador de un Oscar, Robert Elswit (“Puro Vicio”). En el reparto repiten Tom Cruise, Simon Pegg, Jeremy Renner y Ving Rhames mientras que hay un buen par de fichajes tales que: Rebecca Ferguson, Sean Harris y Alec Baldwin.

sábado, 8 de agosto de 2015

Crítica de “The Death of "Superman Lives": What Happened?”

-Es entretenido, sorprendente y muy interesante. Un documental de visionado obligatorio para cualquier cinéfilo y/o amante de los cómics.

-Aunque no es redondo, tiene una gran cantidad de material atractivo. Cualquier persona con dos dedos de frente acabará disgustado por no poder visionar nunca el filme singular que habría hecho Burton.

El productor, director, actor de voz, editor, escritor, dibujante, animador y director de fotografía estadoundense, Jon Schnepp, estrena este año -con muy buenas críticas- este documental sobre el proyecto fallido de Tim Burton y Nicolas Cage (junto con un sinnúmero de fabulosos artistas en sus diferentes especialidades) para llevar a la pantalla un Superman diferente y único en su especie. Así pues Schnepp logró que los principales nombres del proyecto le concedieran extensas entrevistas (a excepción de Nicolas Cage) para de esta forma crear un completo e interesante documento sobre esta cautivadora historia. Y supongo también, que para aparecer asintiendo de forma efusiva e ininterrumpida junto a famosos, porque si no lo hace a propósito debe ir al médico. A día de hoy muchos chavales (y no tan chavales) encienden sus ordenadores o sus móviles y se dedican a incendiar los foros en contra de la elección Ben Affleck como Batman, de Jesse Eisenberg como Lex Luthor, de Gal Gadot como Wonder Woman, Michael B. Jordan como Antorcha Humana, Tom Holland como Spiderman, etc. Los mismos que sentenciaban a actores como Heath Ledger porque era imposible que lograrán superar los roles de sus predecesores. Esto pasa siempre en el género, ni siquiera el señor Keaton fue bienvenido cuando se desveló su elección como Batman. Y son esos mismos “chavales” los que se ríen de este proyecto en base a un par de fotos de una sesión amigable, sin importancia y muy inicial en la que Cage parpadea. Desde luego en todos los comentarios habrá todo tipo de insultos y gracias con respecto a Nicolas Cage, cuando tal vez las únicas películas que hayan visto del actor sean “Ghost Rider”, “La Búsqueda” y “Bajo Amenaza”. Con toda la información que hay actualmente al alcance de todos sorprende que la ignorancia sea mayor que nunca. Y por muchas razones este es un documental que un servidor recibe con los brazos abiertos. Un largometraje que nos permitirá descubrir algunas de las maravillosas ideas de Burton y su formidable equipo, así como infinidad de diseños increíbles (que por desgracia nunca llegaremos a ver) y por último, nos dará a conocer el porqué se canceló este prometedor proyecto. También está genial que cierre las bocas de algunos haters idiotas sin vida social. ¡Ups! Se me debe haber pegado algo de la mala leche de Kevin Smith.

lunes, 3 de agosto de 2015

Crítica de “Ghadi”

-Una sátira divertida, a veces ingeniosa y siempre encantadora que se ve placenteramente. Es quizás un poco ingenua, lo que la hace más admirable si cabe.

-El guión de Khabbaz tiene excelentes virtudes, el reparto funciona y el trabajo de Amin Dora resulta amable e inofensivo. Quizás echen en falta un poco de mala leche.

Amin Dora debuta en la dirección con esta comedia dramática que transcurre en un pequeño barrio de una ciudad costera del Líbano. Nuestro protagonista es Leba, un profesor de música casado, con dos hijas y con un hijo varón en camino. Los problemas llegan cuando el niño, nacido con necesidades especiales, no es bien recibido en el pueblo. Ya ven ustedes, una sinopsis de lo más dramática que guionista y director deciden abarcar como una especie de comedia costumbrista. Una decisión más que acertada para además de quitarle importancia y seriedad al asunto, hacer esta historia más accesible para el público. El prolífico Georges Khabbaz escribe el guión y protagoniza el filme, que llega a nuestro país con dos años de retraso.

sábado, 1 de agosto de 2015

Crítica de “Ted 2”

-Una decepcionante secuela que no ofrece las suficientes risas. Tampoco tiene los elementos caracterizadores del cine, es más bien un capítulo largo e irregular.

-La química entre Wahlberg y MacFarlane es estupenda. Hay algunos gags escandalosamente groseros y divertidos.

Seth MacFarlane debutó en el cine con una película gamberra, ingeniosa y muy divertida, que lograba algo de lo que pocas comedias pueden presumir. Su película provocaba risas con regularidad desde el principio hasta el final, aunque en los últimos minutos se desviaba hacía vertientes más tiernas que cómicas. Así es como tuvimos oportunidad de conocer al osito Ted, uno de los personajes más digitalmente vulgares, incorrectos y cachondos del panorama cinematográfico actual. El año pasado MacFarlane estrenaba su segundo filme, “A Million Ways to Die in the West”, un western cómico que si bien ofrecía algunos cameos hilarantes y un par de gags a la altura, resultaba poco inspirado, demasiado vulgar y por momentos aburrido. También dejaba claras dos cosas, en primer lugar que MacFarlane delante de la cámara no hace ni pizca de gracia y tiene unas dotes interpretativas a la altura de M. Night Shyamalan. La otra evidencia que nos presentaba era, que sin un personaje como Stewie o el propio Ted el director y guionista andaba más perdido que un estepicursor. Ahora bien, no hay mejor remedio que volver a los orígenes, y con esta secuela del osito -de peluche- más malhablado, porreta y carismático de la pantalla grande, prometía darle a su público lo que este pedía. El trío de guionistas continúa igual (MacFarlane, Alec Sulkin y Wellesley Wild) pero el reparto sufre algunos cambios. En primer lugar Mila Kunis abandona su rol y deja paso a una refrescante Amanda Seyfried como protagonista femenina, y para acabar tenemos un buen número de cameos de los que os hablaré en el siguiente párrafo. ¿Demostrará MacFarlane su capacidad cómica a gran escala o quedará confirmado que lo que ocurrió en “Ted” (2012) fue la suerte del principiante?

viernes, 31 de julio de 2015

Crítica de “El secreto de Adaline”

-El estupendo reparto de actores eleva el filme muy por encima de sus posibilidades. Porque lamentablemente los guionistas no ahondan en sus posibilidades.

-Un drama romántico elegante y entretenido, más preocupado por la estética que por el fondo. Así es que la propuesta se queda en una olvidable golosina de muy buen ver.

El guionsta y director angelino Lee Toland Krieger (Celeste and Jesse Forever) estrena su tercer largomentraje. Un melodrama romántico con argumento fantástico protagonizado por la encantadora Blake Lively. Los guionistas Salvador Paskowitz y J. Mills Goodloe (cuyos trabajos anteriores será mejor no mencionar) nos cuentan la historia de Adaline Bowman, nacida a comienzos del siglo XX y que adquiere a los 29 años la eterna juventud tras un accidente. Al ver como todas las personas a las que quiere envejecen mientras ella permanece igual y sintiéndose incesantemente perseguida, decide pasar su vida mudándose y cambiando de identidad cada década para proteger su secreto. Aparte de Lively como Adaline, tenemos a un competente grupo de intérpretes entre los que se encuentran: Michiel Huisman, Harrison Ford, Ellen Burstyn y Kathy Baker. La premisa es totalmente absurda, no obstante si se piensa puede suponerse prometedora. La inmortalidad es un tema con muchas caras y que se ha sabido explotar bien en el cine en unas cuantas producciones. Y un tema que dé tanto para hablar, que formule preguntas existenciales, cuestiones emocionales, éticas, morales (dos términos complementarios no idénticos) y otras muchas derivaciones fascinantes sobre las que discutir, no puede provenir de una historia completamente irracional. Así pues aunque a priori su historia sea de lo más disparatada, podría desembocar en un filme hondo, inteligente y repleto de controversias humanistas. Una expectativa demasiado alta para el tipo de película del que hablaré en las siguientes líneas.

martes, 28 de julio de 2015

Crítica de “Ant-Man”

-Una bienvenida incorporación para el universo Marvel. Ant-Man deja a un lado la grandilocuencia y a cambio es fresca, encantadora y muy divertida.

-A veces muchas pequeñas cosas buenas pueden hacer una grande y definitivamente esta aguda e ingeniosa película es una comedia de aventuras monumental.

No es la primera vez que el cine decide reducirse hasta tamaño cuasi-molecular para ver el mundo desde otra perspectiva. Una de las ocasiones más reconocidas fue en 1957 cuando se estrenó una inquietante joya del cine fantástico que a día de hoy no ha envejecido, “El increíble hombre menguante” de Jack Arnold. Más tarde llegarían otras como “Viaje Alucinante” (1966), “El Chip Prodigioso” (1987), “Cariño he encogido a los niños” (1989), “Antbully” (2006) o “Arthur y los Minimoys” (2006) -entre otras-. Y ciertamente siempre ha sido todo un misterio para el hombre el reflexionar sobre como sería volverse del tamaño de un insecto, multiplicar el ya de por si inmenso universo que nos rodea e incluso reducir nuestro tamaño hasta entrar en una dimensión subatómica donde el tiempo y el espacio no significarían lo mismo. Fue en 1962 cuando Jack Kirby y Stan Lee crearon a “Ant-Man”. De hecho, su primera aventura titulada “El hombre en el hormiguero” (publicada en la antología de “Tales to Astonish”) era más bien una escalofriante historia fantástica con no pocos puntos en común con la antes citada película de Jack Arnold. No obstante estos dos señores de mente privilegiada, se olieron poco después que un personaje con esas habilidades cuadraba a la perfección en su galería de tipos superheroicos. Y así fue como Henry “Hank” Pim se convirtió en el primer Hombre Hormiga, que un año más tarde se contaría como uno de los miembros fundadores de los Vengadores. Está claro que el universo cinematográfico de Marvel no es demasiado fiel a los comics, porque además éste nada ejemplar caballero fue también el padre y creador del villano Ultrón. Así pues y ateniéndonos a los cambios que se han producido con respecto a las viñetas, aquí tenemos al primer Ant-Man ya retirado y pasándole el relevo a su sucesor, Scott Lang, ese entrañable perdedor al que encarna Paul Rudd en el filme. Pues bien, Marvel ha decidido acabar la fase 2 con este nuevo héroe y después del despido de Edgar Wright (si tienen la posibilidad háganse un favor y lean el magnífico guión que había sobre la mesa) y el fichaje de nuevos guionistas y un director de comedias románticas, al fin podemos ver el resultado. Peyton Reed firma la primera aventura de uno de los héroes más veteranos de la Marvel y en el reparto tenemos a Paul Rudd, Michael Douglas, Evangeline Lilly, Corey Stoll y Bobby Cannavale -entre otros-. ¿Será este nuevo héroe lo suficiente grande para entrar a formar parte de este universo?

domingo, 26 de julio de 2015

Crítica de “True Story”

-Aunque las intenciones del debut de Goold son admirables, el filme no alcanza su objetivo. No se trata de si se lo creen o no, sino de que resulta mucho menos interesante de lo que debería.

-A pesar de moverse entre elementos de telefilme, el estilo visual de Goold y el potente trabajo de su reparto logran hacer más llamativa la propuesta.

El nominado al Bafta por el telefilme “The Hollow Crown”, Rupert Goold, debuta en la dirección de largometrajes cinematográficos con una historia real basada en las memorias del periodista Michael Finkel, en las que se nos cuenta -entre otras cosas- la relación de Finkel con el asesino convito Christian Longo tras conocerse como entrevistador y entrevistado respectivamente. El guión lo escribe David Kajganich (Invasión, Blood Creek) y en el reparto tenemos a un fantástico grupo de actores encabezado por el triángulo protagonista de la propuesta, compuesto por Jonah Hill, James Franco y Felicity Jones.

jueves, 23 de julio de 2015

Crítica de “Inside Out” (Del revés)

-Una de las mejores película animadas de los últimos tiempos. No es sólo su apabullante creatividad, su prodigiosa imaginería visual, su inteligencia desbordante y su irresisitible sentido del humor; es su corazón lo que la convierte en una joya única destinada a ser revisionada no pocas veces a lo largo de nuestra vida.

-Todo en “Inside Out” es pura nostalgia, ternura y vida. Ambas historias son fascinantes, ambos mundos increíbles. Si no te emocionas con esta película, no me interesa seguir hablando contigo.

Pete Docter (Up) y Ronaldo Del Carmen (Freakazoid!) son los encargados de llevar a la gran pantalla esta fabulosa idea, tan compleja a priori como sencillamente resuelta para la ocasión. El encargado de escribir el guión para la historia del propio Docter es ni más ni menos que el ganador del Oscar, Michael Arndt (Little Miss Sunshine, Toy Story 3). Y poco a poco el proyecto va tomando forma y postulandose como una de las apuestas animadas más potentes de la temporada. Las críticas positivas empiezan a fluir y lo que quiere saber el público es si Pixar ha logrado superar a sus grandes obras. Mi respuesta es la siguiente. “Inside Out” no sólo es un nuevo clásico de la compañía a la altura de las más grandes (Wall-E, Toy Story 3, Up...) y de la que incluso podriamos arriesgarnos a decir que es más redonda que algunas de ellas; es una fuerte reafirmación de que el cine de animación no está por debajo del resto y de que no hace falta “remakear”, “rebootear” ni hacer tropecientas secuelas con presupuestos desmesurados para tener éxito; tan solo tener imaginación, esforzarse y dejar parte de ti en lo que creas. La originalidad aún existe y Pixar lo demuestra con un filme que no entiende de edades, que de hecho como los buenos vinos mejora con los años, y que tomará nuevos significados para el espectador según este madure y experimente cambios en su vida. “Inside Out” es una atemporal y absoluta obra maestra para toda la familia que todo el mundo debería ver.

Crítica de "Pelo Malo"

Dos años después de que Mariana Rondón rodase "Pelo malo" en Venezuela, llega a nuestro país (de forma casi clandestina) este incómodo cuento de desamor materno, que también de odio. Ganadora de cinco merecidos premios Fénix, dos premios Astor, un premio del festival de la Habana y la Concha de Oro -entre otros-. El filme cuenta, a grandes rasgos, la historia de Junior, un niño Venezolano que quiere alisarse el pelo como sus cantantes pop favoritos para hacerse la foto para el inicio de su curso escolar. La difícil vida en su barriada (una de las mas peligrosas de la ciudad), la compleja situación de su madre soltera (sin trabajo y con una constante amargura) y la latente homosexualidad infantil hacen de esta original historia, un paseo por un barrio imaginario al que el mundo dio la espalda siempre.

martes, 21 de julio de 2015

Crítica de “Entourage” (La película)

-Los fans por fin podrán disfrutar de un final más digno para la serie y también de una hora y media de oda al hedonismo y sátira sobre el Hollywood actual.

-A menudo resulta una revisión edulcorada de la serie y los minutos no están bien distribuidos. Digamos que en 104 minutos pasan demasiadas cosas innecesarias y dejan de pasar otras que realmente queríamos ver.

Doug Ellin se pone tras las cámaras para dirigir la adaptación cinematográfica de la famosa serie de la HBO que él mismo creó. “Entourage” trataba de un grupo de amigos de Queens que seguían juntos a pesar de la fama y la fortuna. También ofrecía una mirada satírica sobre Hollywood, la fama, el materialismo, etc. Tal vez en su momento no fuera una serie tan famosa como “The Walking Dead” o “Game of Thrones” pero logró reunir un notable grupo de fans. Escribe estas líneas uno de esos fans que desde hace tiempo forma parte de ese séquito. A pesar de las mujeres, del dinero y de todos los demás placeres de los que disfrutaban los protagonistas, la amistad siempre prevalecía. Y nadie que apreciara la serie podría olvidar a personajes tan entrañables como Ari Gold, Billy Walsh o Johnny Drama. El problema fue el desenlace de la última temporada, que por precipitado, cursi y ridículo llevó a dejar a todo su público indignado. Ni la serie ni mucho menos sus personajes se merecían una conclusión tan absurda y poco trabajada. Después de eso se habló mucho de cerrar la serie con una película y tras conseguir el dinero (cuatro años han pasado desde el final de la serie) los responsables han cumplido lo que se prometió. Los fans al fin tienen un final más apropiado para aquella serie tan sucia, inteligente y divertida. ¡ARI GOLD HA VUELTO!

miércoles, 15 de julio de 2015

Crítica de “Danny Collins”

-Fogelman debuta con la típica historia de redención familiar y contra todo pronóstico logra hacerla realmente emotiva y entretenida.

-Algunas escenas son estupendas, el humor es añejo -que no rancio- y Al Pacino está absolutamente magnético. Lo demás se lo conocen de memoria.

El productor y guionista Dan Fogelman (Crazy, Stupid, Love.) debuta en la dirección de largomentrajes con esta dramedia sobre un envejecido rockero de los 70 en busca de redención, un cambio que se produce debido al descubrimiento de una carta sin entregar que le envió John Lennon hace más de 40 años. Con esta premisa basada en la historia real del cantante de folk Steve Tilston, empieza una convencional historia guionizada por el propio director. Pero por típica que sea una historia nunca debemos olvidar que hay muchos otros factores a tener en cuenta, siendo uno de los más importantes el reparto. Al Pacino protagoniza el filme con cierta ironía autoparódica, y es que el estadounidense intenta con todas sus fuerzas volver a ser lo que era, y para ello sigue su propio camino redentor. Le apoya un elenco de secundarios de mucho nivel entre los que se incluyen: Annette Bening, Jennifer Garner, Bobby Cannavale y Christopher Plummer.

domingo, 12 de julio de 2015

Crítica de “Terminator Genisys”

-Este Terminator oxidado, recauchutado y farragoso es un ejemplo perfecto de la ineptidud y la falta de ideas del Hollywood actual. No hay nada como el modelo original.

-De las tres innecesarias secuelas esta es la mejor. Está plagada de easter-eggs y toma la acertada decisión de no tomarse nada en serio a si misma. La pregunta es si los fans podrán hacer lo mismo.

Este artículo lo escribe un gran fan de “Terminator”, y me refiero por supuesto a las originales de James Cameron. Aquella película de ciencia ficción repleta de paradojas temporales y con robot asesino enviado desde el futuro que se estrenó en 1984 recaudando sólo 17 millones. No obstante el filme apenas tenía presupuesto por lo que recaudó casi el triple de lo que había costado. Cameron utilizó en aquella sci-fi de serie B todo lo que tenía a su alcance, jugó muy eficazmente con el “stop motion” e hizo un sorprendente trabajo con efectos especiales que a pesar de ser rudimentarios funcionaron a las mil maravillas. Por otro lado hubo muchas ideas que se vió obligado a dejar en el tintero debido al presupuesto. Siete años más tarde pudo estrenar una secuela mucho más cara y más impresionante que además rompió con esa famosa frase que afirma “segundas partes nunca fueron buenas”. “Terminator 2” forma parte de esa reducida lista de secuelas que no sólo son buenas, sino que superan a sus predecesoras. Y sinceramente cuando revisiono esta segunda parte no veo razón para hacer una tercera, ni una cuarta y mucho menos una quinta película. Sin embargo poderoso caballero es don dinero, y así ha sido. “Terminator 3: Rise of the Machines” es una película alejada totalmente del mensaje inherente de las originales, era sencillamente un blockbuster palomitero para aprovechar unos innovadores efectos especiales, no obstante iba tan escasa de buenas ideas que hasta irritaba. “Salvation” se convirtió en el insulto a los fans, no sólo por un guión deleznable, actores mal dirigidos y un chuache irrisoriamente mal hecho por ordenador, es que su mayor virtud, el estilo visual de MCG, se pasaba por el forro la visión de Cameron del mundo postapocalíptico. En vez de aquel yermo oscuro donde las enormes máquinas aplastaban las aglomeraciones de craneos nos encontramos simple y llanamente con un desierto; no hace falta que os diga que no considero “Salvation” parte de la franquicia. Ahora, 24 años después del verdadero final de la saga, llega la única secuela que posee el espíritu de las originales.

domingo, 28 de junio de 2015

Crítica de “Espías”

-Paul Feig entrega de nuevo una comedia estupenda. Hilarante, gamberra, malsonante y paródica.

-McCarthy se corona con una interpretación sensacional, tan tierna como absurdamente divertida.

El dúo Feig-McCarthy entrega su tercera colaboración, de nuevo una comedia pero esta vez en el mundo del espionaje internacional. En esta ocasión es Feig el encargado del guión, y la verdad es que hace un trabajo muy bueno con los momentos cómicos, aunque no tanto cuando intenta jugar con el thriller, y al argumento le falta mucho trabajo. El reparto es de lujo, desde luego es Melissa McCarthy la que da la nota, pero le acompaña un brillante número de secundarios entre los que encontramos a: Jason Statham, Rose Byrne, Jude Law, Morena Baccarin o Bobby Cannavale. Así pues, con una típica historia de espías, un poco de buen ritmo, alguna escena de acción a cámara lenta y cientos de gags absurdos (en ocasiones demasiado reiterativos), se erige esta tercera colaboración del dúo cómico más exitoso de los últimos cuatro años. “Spy” es un entretenimiento veraniego simple y previsible, pero que le granjeará al público una buena dosis de carcajadas.

jueves, 25 de junio de 2015

Crítica de “Maggie”

-Una película de zombis para la gente a la que no le gustan las películas de zombis. Es más concretamente, un reflexivo drama sobre las emociones, la enfermedad y la familia.

-La mayor sorpresa es Schwarzenegger, que completa una actuación impensable. Dramática e introspectiva, sin chascarillos.

Con el género zombi tan saturado de películas, series y videojuegos es difícil pensar que alguien vaya a arriesgarse a darle un lavado de cara cuando no parece que el público vaya a cansarse de la “fórmula” al menos a corto plazo. Sin embargo ha tenido que llegar un debutante para darle una vuelta de tuerca a este manido género que para algunos -ironicamente- empieza a mostrar síntomas de agonía. Henry Hobson convence con un prometedor debut que si bien finalmente no ha resultado del todo satisfactorio, sí que ha logrado un par de objetivos. Darle cierta originalidad al género, plantear algunas cuestiones de forma correcta y descubrirnos una nueva faceta del duro Chuache. Junto a él debuta también el nombre que hace la función de guionista, John Scott 3. Y por último pero no menos importante, está el reparto. Encabezado por Schwarzenegger y Abigail Breslin como padre e hija en la ficción. Con este equipo y un poco de presupuesto se ha buscado ofrecer al espectador un drama humanista con epidemia zombi de fondo que ahondara en la relación de una familia cuando uno de sus integrantes se encuentra afectado por el virus a varias semanas de convertirse en un “infectado”.

miércoles, 24 de junio de 2015

Crítica de “Slow West”

-Tiene todo lo que debe tener un buen western: excelentes diálogos, personajes de dudosa moral, hermosos paisajes, violencia y grandes dosis de aventura.

-Con un reparto en plena forma y una dirección fabulosa. Sin duda posee la melancolía y el humor negro de los Coen.

La primera apuesta del género para este 2015 viene de la mano del músico escocés John Maclean, que se convierte en guionista y director para firmar una ópera prima que ya les gustaría a muchos otros. Con un guión aparentemente sencillo que funciona a las mil maravillas y un potente reparto, se pone en marcha el fabulesco viaje de dos personajes bien distintos, interpretados por Michael Fassbender y el jóven y prometedor-Kodi Smit-McPhee. Les secundan -entre otros-: Ben Mendelsohn, Brooke Williams, Rory McCann, Jeffrey Thomas y Caren Pistorius. A penas hora y media necesita este director novato para crear un western de primera categoría. Bien escrito, rodado, interpretado, montado e incluso musicado por Jed Kurzel (Babadook). Un filme imperfecto desde luego, pero que resulta ser una encantadora sorpresa. El gran público continúa apoyando géneros abocados al desastre y sin embargo rechaza otros que aún tienen mucho que decir. Al western aún le queda munición y con películas como esta no parece querer desperdiciar ninguna bala. A día de hoy aún no hay fecha oficial para su estreno en nuestro país, pero cuando llegue el momento, deberían ustedes acudir a su cine más cercano.

domingo, 21 de junio de 2015

Crítica de “El niño 44”

-Una adaptación con virtudes pero destinada al fracaso. Su reparto y su estilo visual son los únicos apartados que sobreviven al análisis una vez transcurrida la primera hora.

-Tiene momentos emocionantes pero poco a poco se torna hacia el thriller tonto, aburrido y vacío.

El director Daniel Espinosa (“El Invitado”) ha sido el elegido para dirigir la adaptación del famoso best-seller homónimo de Tom Rob Smith, que a su vez está producida por el mismísimo Ridley Scott. No es que me fascine el trabajo del director, sin embargo sí que lo hace la terrible historia que se pretende adaptar. El guionista encargado de adaptarla es el nominado al Oscar por “El color del dinero”, Richard Price. Un buen guionista al que se le pueden pasar por alto trabajos como “Shaft: The Return”. Por último tenemos a un reparto de auténtico lujo. El camaleónico Tom Hardy ejerce de protagonista con un magnífico acento ruso (olvidaos de doblajes). Le acompañan -entre otros-: Gary Oldman, Noomi Rapace, Joel Kinnaman, Jason Clarke y Vincent Cassel. Ahora que ya sabemos quien lleva los mandos de esta adaptación queda preguntarse como le ha ido a este thriller dramático-político de espionaje.