Crítica de “Big Eyes”

-La película más humana de Burton en más de una década. Sin embargo este drama biográfico no tiene la fuerza esperada, es normal y corriente aunque está bien hecho.

-Algunas ideas visuales y del guión, junto con dos geniales interpretaciones de ambos protagonistas avalan la película de Burton. Si no te sabes la historia deberías verla.

Que Tim Burton hace casi una década que no levanta cabeza es algo que pensamos muchos y que seguir trabajando con Johnny Depp lo único que hace además de aburrir es empeorarlo, también. Así pues cuando me enteré del nuevo proyecto del excéntrico director pensé que era el cambio de registro que necesitaba para volver a crear el cine tan estupendo de su época dorada. Burton y sus guionistas, Scott Alexander y Larry Karaszewski (Ed Wood), narran la historia real de Margaret y Walter Keane. Que en los años 50 y 60, tuvieron un éxito enorme gracias a los cuadros que representaban niños de grandes ojos. Margaret era la artista pero Walter se atribuía el mérito porque era muy hábil para el marketing y opinaba que los cuadros de mujeres no se vendían. Así pues Tim lleva a la pantalla esta necesaria historia aunque tal vez no de la mejor manera. Le falta vida y le sobra maniqueísmo y simplicidad. De cualquier manera el director de “Big Fish” cuenta con un buen equipo. El oscarizado director de fotografía Bruno Delbonnel (Amelie), su habitual compositor y amigo Danny Elfman (que trabajó con él en todas sus películas salvo “Ed Wood”) y un reparto de auténtica joya, encabezado por Christoph Waltz y Amy Adams. Continuan la lista varios secundarios de renombre: Danny Huston, Jason Schwartzman, Krysten Ritter, Terence Stamp, Heather Doerksen, Emily Fonda y Jon Polito -entre otros-.

Crítica de “Redada Asesina 2”

-Pocas veces una película tan terrible y gratuitamente violenta ha estado tan bien realizada; “Berandal” es el triunfo del estilo por encima del resto, y Evans se lleva los aplausos.

-Golpea más fuerte que ninguna otra en el género y si eres capaz de soportarlo seguramente serás recompensado. Pero habría que preguntarse si de verdad es ésto lo que estamos buscando.

El director galés Gareth Evans presentó hace ya tres años, un extremadamente violento thriller de acción repleto de artes marciales que para muchos cambió el género, del mismo modo que fue el renacer de ese género que durante años no había aportado nada nuevo o interesante. Y fuimos muy pocos los que renegamos de su película, sin miramientos, desde luego. En su momento dije que “The Raid” era una película terrible, por lo que representaba y también por cómo lo hacía, pues si bien las escenas de acción estaban bien coreografiadas y el ritmo no frenaba ni media milésima de segundo, era tal el grado de violencia gratuita que infligía que sería indecente calificarla de buen cine. Q uedé consternado al saber que tantos compañeros de profesión consideraban aquella una de las mejores películas de acción de los últimos años cuando lo único que se mostraba en la pantalla era sangre, tripas y cadáveres en masa durante algo más de hora y media. Y no es sólo el nivel de violencia y la horrible manera de rodarla, sino lo innecesaria que era la mayoría del tiempo. Eso sin tener en cuenta que no tenía ni un buen guión, ni trama, ni nada especial que abalara esa salvajada. Por esa razón a pesar de algunos detalles potentes y una fotografía interesante, para mí se convirtió en una de las peores películas del 2011y una que espero no volver a ver jamás.

Crítica de “The Interview”

-No es demasiado gamberra ni mordaz pero en contra de lo esperado resulta amablemente divertida. Además Franco y Rogen tienen una química estupenda.

-Con todo el hype provocado por su estreno uno esperaba algo más escandaloso, sin embargo la sátira es mínima, predomina la comedia ligera de rápida digestión.

Evan Goldberg y Seth Rogen (Juerga hasta el fin) son los directores de la película más controvertida de la temporada, una de esas que casi se une a la lista de películas que jamás llegaríamos a ver. Debido a esta supuesta sátira sobre el lider norcoreano Kim Jong-Un, Sony Pictures ha sido víctima de un hackeo y posterior difusión de la información obtenida por un supuesto grupo de piratas informáticos provenientes de Corea del Norte, asimismo este misterioso grupo amenazó con atentar contra cualquier cine que estrenara dicha película. Si bien en principio se cedió ante sus demandas finalmente la libertad de expresión ha ganado la batalla y “The Interview” se ha estrenado con éxito en 300 salas estadounidenses en lugar de las 3000 que serían en un principio. También se llevará a cabo un estreno en VOD y esperemos que llegue a las pantallas españolas aunque sea con retraso. Aunque un servidor por suerte ya ha tenido la oportunidad de analizar la última juerga de los amigos Franco, Goldberg y Rogen.

Crítica de “Invencible” (Unbroken)

-Una historia increíble contada con ampulosidad y sorpresiva habilidad narrativa de su directora Angelina Jolie. Un eficaz entretenimiento de fórmula testada.

-A pesar de todas las aventuras impresionantes que vive Zamperini la película casi nunca llega a emocionar, quizás porque está demasiado ensimismada en su propia grandiosidad para resultar sincera.

Ya habíamos visto la faceta como directora de Angelina Jolie en 2011, cuando estrenaba el drama bélico “En tierra de sangre y miel”, su potencial se hacía evidente pero todavía fallaba en demasiadas cosas y estaba claro que lo de guionizar no era lo suyo. Ahora el día de navidad nos trae su nueva película, un drama biográfico que cuenta las sobrecogedoras hazañas reales de Louis Zamperini, con un guión co-escrito nada menos que por los hermanos Coen. No son esos los únicos puntos atractivos de la cinta a priori, en primer lugar el tercer y último guionista con el que comparten méritos los Coen es Richard LaGravenese, nominado al Oscar por su guión de “El Rey Pescador” de Terry Gilliam. También tenemos al 13 veces nominado al Oscar y habitual director de fotografía de Sam Mendes y los propios Coen, Roger Deakins, y al famoso compositor parisiono seis veces nominado al Oscar, Alexandre Desplat. Por último el brillante reparto que se ha agenciado Jolie, encabezado por una de las sorpresas de la temporada, Jack O´Donnell y continuado por una larga lista de nombres de gran interés, como pueden ser: Domhnall Gleeson, Garrett Hedlund, Jai Courtney, Takamasa Ishihara o Alex Russell -entre otros-. No hay duda de que Jolie no ha reparado en gastos a la hora de realizar su película y sin duda es una de esas películas que huelen a Oscar a kilómetros, aunque en este caso no siempre es para bien.

Crítica de “Mr. Turner”

-Un biopic extraordinario, rebosante de sutil intensidad, de imágenes hermosas, de sentimientos y emociones contenidas. Pero más extraordinaria es su actuación principal, Spall se convierte en William Turner casi literalmente y borda un personaje inolvidable.

-El guión es suntuoso y el trabajo visual de Leigh y Pope hipnotiza con cada bello plano y cada hermosa pintura. Sin duda una de las mejores película del año.

Estamos en plena temporada de premios, con cantidad de películas interesantes y candidatas a alzarse con algún que otro galardón en los diferentes festivales, a la espera de la gran ceremonia de los Oscar que cerrará como cada año esta temporada que tanto nos gusta. Y como está claro, una película del famoso cineasta británico Mike Leigh es motivo de exaltación para todos, todavía más cuando su nuevo trabajo se trata nada menos que de un drama biográfico sobre el visionario pintor Joseph Mallord William Turner, una figura muy controvertida en su época. Leigh, como nos tiene acostumbrados también escribe el guión del filme, con suma destreza todo sea dicho, y para apoyarle en el trabajo visual elige a su habitual director de fotografía, Dick Pope (El Ilusionista). Aunque lo más importante lo he dejado para el final, el reparto, Timothy Spall le pone cuerpo y alma al renombrado paisajista británico, al que apoya un acertado elenco de secundarios tales que: Jamie Thomas King, Roger Ashton-Griffiths, Robert Portal, Lasco Atkins y John Warman -entre otros-. Otro colaborador habitual del director al que también encontramos en esta ocasión es el compositor Gary Yershon.

Crítica de “Big Hero 6”

-Una montaña rusa de emociones apoyada por una técnica impecable hacen de esta nueva película de Disney una de las mejores de los últimos años. Baymax es la clave.

-Es además de un completo triunfo visual, una estupenda fusión entre el espíritu clásico y el moderno, Disney ha encontrado una nueva fórmula ganadora.

Disney tras estrenar el pasado año una de las mejores películas que ha creado en años, la maravillosa “Frozen”, se niega a entregar este año la pole que logró por entonces, y para conseguirlo recurre a Marvel, la cual -para quien no lo sepa aún- compró hace ya 5 años. Para ello se basa mínimamente en el conocido cómic “Big Hero 6” que da título al filme. Y digo mínimamente porque esto tiene muy poco de adaptación, no guarda el espíritu ni a los personajes de la fuente original sino que utiliza solamente los recursos que le convienen para crear un increíble espectáculo para toda la familia. Los niños quedarán alucinados y los padres incluso más, es difícil explicar la sorpresa que resulta esta película, con un indiscutible dominio de la animación digital, una buena historia y un par de personajes divertidos encabezados por el memorable Baymax se consigue el triunfo anual de la animación, no hace esto menos meritorio el que carezca de competencia pues parece vaya a perdurar en nuestras mentes bastante tiempo.

Crítica de “El Hobbit: La batalla de los cinco ejércitos”

-La peor película posible salida del universo creado por Tolkien, no es sólo el descaro de Jackson colándonos un libro corto en tres películas muy largas, es que esta última es una jodida vergüenza.

-No se salva ni el apartado visual y hasta el reparto falla, no hay por donde coger este insulto a la memoria del novelista británico que abarca todo lo malo de Jackson y nos hace olvidar lo buena que podía ser la trilogía original. Es una de las peores películas del año.

Creo que mi párrafo de apertura del año pasado, cuando analicé la segunda entrega de esta saga, es un comienzo perfecto para esta reseña, a día 13 de diciembre del 2013 mis dedos tecleaban lo siguiente: Y llegó Peter Jackson y logró lo imposible, adaptó al cine una obra gigantesca con todo lujo de detalles, hasta hacer que la novela cobrara vida en la pantalla, hasta lograr que los sueños de muchos se hicieran realidad y así continuó con toda una trilogía que se convirtió en una de las mejores que recordará el cine. Y sí, Jackson también decidió empezarla por el final como antaño lo hizo un tal George Lucas con la suya; y para sorpresa de todos también quiso adaptar el comienzo de todo, la gran aventura de un pequeño hobbit de la comarca que marcaría un antes y un después. Pero no es oro todo lo que reluce, si para las tres novelas de la trilogía del anillo se “forjaron” tres películas, para éste pequeño libro (aunque no menos importante) también se dispusieron tres partes, no hay dudas al respecto de que la riqueza gusta a los hombres igual que a los dragones. Jackson buscó material de todos los recónditos lugares e inventó lo habido y por haber para lograr que un pequeño libro abarcara tres películas, y por supuesto lo consiguió, y fue el año pasado (ahora hace dos) tras casi una década desde el final del anillo único cuando todo volvió a comenzar desde el principio. Y ahora tras tan sabias palabras (no me hagan demasiado caso cuando divago), tan solo queda exclamar...¡La avaricia rompió el saco, Señor Jackson!

Crítica de “St. Vincent”

-El increíble reparto y un par de ideas muy divertidas hacen de esta leve tragicomedia un estupendo plan para estas vacaciones. Luego está Bill Murray, un sempiterno genio.

-La historia es tan típica que sin estos actores probablemente se desinflaría en un par de minutos, sin embargo ellos están ahí y la película en no pocas ocasiones resulta conmovedora.

Theodore Melfi, podemos decir prácticamente que debuta en la dirección de largometrajes, ya que su anterior filme -o tele-filme-, “Winding Roads”, lo han visto muy pocos ojos. A parte ha sido guionista y director de un buen puñado de cortos como “Roshambo” o “I Want Candy”. Pero digamos que este es su primer trabajo largo verdaderamente representativo, en el cual escribe el guión además de ponerse tras las cámaras. El reparto es estupendo, el primer nombre, el de un extraordinario Bill Murray completando una de las mejores interpretaciones del año y de su carrera, y le siguen otro par de nombres y apellidos muy solventes: Melissa McCarthy, Naomi Watts, Jaeden Lieberher, Chris O'Dowd o Terrence Howard son algunos de esos nombres que completan el excelente plantel de secundarios. Después de todo la historia es la típica que hemos visto mil y una veces, repleta de clichés y de poco interés, sin embargo encuentra un buen equilibrio entre el drama y la comedia y tiene a ese reparto ya mencionado en plena forma, que dota a la película de credibilidad, irresistible energía cómica y cuando es necesario incluso emociona.

Crítica de “Need for Speed”

-Un entretenimiento excesivo y esteroidizado sin pretensiones y que resulta ser mucho mejor de lo que debiera, puede estar plagado de estereotipos o tener una trama tontísima pero la sencilla verdad es que resulta un delicioso placer culpable, no me arrepiento de decir que me ha gustado.

-El reparto es demasiado bueno para esta película, no importa, aquí prima la velocidad, el frenetismo. Nos encontramos con el rival directo de la franquicia “F&F” y a su manera hay que reconocer que funciona.

La saga “Fast and Furious” domina el género de carreras en el cine, sin ningún rival directo al que plantar cara su fórmula era y es a día de hoy sinónimo de éxito, otras películas recientes como la magnífica “Rush” de Ron Howard o “Combustión” del español Daniel Calparsoro se han atrevido a a tocar el género, la primera alejándose completamente de la fórmula y la segunda copiándola infamemente, sin embargo ninguna se adecuaba al arquetipo de franquicia duradera, cosa que sí hace esta adaptación de la famosa y longeva saga de videojuegos de “NFS”. Puede que a priori suene mal pero la verdad es que personalmente me llamó la atención, quizás fue el reparto o la oportunidad de ver a Aaron Paul en el rol protagonista luchando en el asfalto por justicia, venganza o lo que sea, no importa demasiado el motivo, tan solo la velocidad. Parece mentira que se hayan necesitado tres guionistas para el libreto de esta película pero así ha sido, lo esperado, trama previsible y trillada, personajes planos y estereotipados y las típicas situaciones alocadas para añadirle grandiosidad y un punto cómico con el que completar su fórmula, una fórmula, por otro lado, muy distinta a la de su rival directa, la saga de Vin Diesel. Esta tiene un tono más clásico, sus escenas están rodadas desde los coches sin exceso de arreglos digitales e irónicamente está más lejos de parecer un videojuego que las entregas de “F&F”. Así pues el reparto elegido para competir en esta carrera está encabezado por Aaron Paul en el rol de tipo duro, la lista continua con nombres tales que: Dominic Cooper, Imogen Poots, Michael Keaton, Scott Mescudi o Dakota Johnson -entre otros-; aunque ya os adelanto que el trabajo de los intérpretes deja muchísimo que desear.

Crítica de “Exodus: Dioses y Reyes”

-Técnicamente intachable; el diseño de producción, la puesta en escena y todo lo que rodea al apartado formal es sencillamente soberbio. La trama sin embargo, es muy irregular.

-A la película le falta emoción e intensidad, no encuentra su sitio, acaba siendo un raro -y menor- híbrido entre Gladiator y Noé. Bale realiza un trabajo imponente.

Creo que todos estamos de acuerdo en que Ridley Scott jamás regresará a su gloria pasada, sin embargo no soy de esos que piensan que debió parar de hacer cine tras “Blade Runner”, soy más bien uno de esos que piensan que el señor Scott aún mantiene su habilidad para hacer relativamente interesante todo lo que toca, por supuesto hay excepciones. Hablando tan solo de sus últimas películas puedo decir que “Prometheus” no me pareció ni de lejos tan mala como dice la gente, vale que el guión no vale ni como papel de liar y que tiene fallos para hacer un vídeo-análisis chorras en youtube de por lo menos diez minutos, pero ahí está el temor a lo desconocido, las preguntas sin respuesta que lo hacen todavía más intrigante, ese brillante apartado visual cuyas escenas iniciales son de antología y por último ese androide Fassbender que nos pone los pelos de punta; para un servidor la falsa precuela de Alien es un filme a reivindicar, imperfecto sin duda, pero también infravalorado. El año pasado la película fue “El Consejero”, primer guión cinematográfico del novelista Cormac McCarthy ("La carretera", "No es país para viejos"); y aún me pregunto como puede la gente decir que es una mala película, entiendo que el espectador medio se pierda pues el guión puede ser complicado para personas que no leen habitualmente pero de ahí a que incluso la crítica internacional la catalogue de absurda, vacua y/o aburrida media un abismo, tios...que escribe Cormac McCarthy. Volviendo al tema, Mr. Scott aún nos sorprende cada cierto tiempo con una película realmente interesante y en esta ocasión siendo sincero no me esperaba gran cosa, mucho reparto, mucho efecto especial y mucho olor a Gladiator pero no creía que el británico fuera a sorprenderme demasiado, en ciertos aspectos me equivoqué. El reparto lo encabeza Christian Bale como Moisés y le acompaña una extensa lista de caras conocidas como Joel Edgerton, Aaron Paul, Sigourney Weaver, Ben Kingsley, John Turturro y María Valverde -entre otros-. Steve Zaillian (Moneyball, American Gangster) escribe el guión para la historia de Adam Cooper y Bill Collage, mientras que el español Alberto Iglesias (El Topo) se encarga de la banda sonora.

Crítica de “Calvary”

-McDonagh nos regala una película extraordinaria, tragicómica, hermosa, con momentos de culto; su dirección sigue teniendo muchas trazas del maestro John Ford.

-Brendan Gleeson brinda otra interpretación colosal, le pone la guinda a “Calvary” para que se convierta en una de las películas más fascinantes del año.

John Michael McDonagh vuelve a formar equipo con Brendan Gleeson para su segunda película tras la excelente, “El Irlandés”, aquella primera colaboración ya les convirtió en un dúo al que no quitar el ojo de encima, y esta vez se confirman nuestras sospechas. Aquel parecido razonable al equipo Ford-Wayne (si tenéis que preguntaros donde está, replanteároslo); ambos enamorados de Irlanda y descendientes de Irlandeses, buenos para el humor incluso en situaciones límite, tendentes al toque western y si todo eso no acaba de convenceros sólo debéis fijaros en la dirección de McDonagh. Para todos los que adoráis a Brendan Gleeson y a ambos hermanos McDonagh os diré que la película os va a encantar, es más profunda que “The Guard”, el humor negro es más afilado y el guión -del propio director- es más robusto, además el final de ésta no hace desmerecer al resto. Puede que para muchos el personaje principal no sea tan memorable como aquel pero es un personaje muy bien escrito y reforzadísimo por el trabajo del actorazo que le pone cuerpo y alma. Para apoyar a nuestro actor protagonista encontramos un reparto de auténtico lujo, se cuentan entre sus filas por ejemplo: Kelly Reilly, Chris O'Dowd, Aidan Gillen, Domhnall Gleeson, David Wilmot, Dylan Moran. Por último toca hablar de la fotografía y la música, a la cabeza de estos apartados el compositor Patrick Cassidy (Matar al irlandés) y el director de fotografía Larry Smith (The Guard, Bronson, Sólo dios perdona).

Crítica de “The Zero Theorem”

-La mala racha de Terry Gilliam continúa, esta nueva Sci-fi Cyberpunk es tan reiterativa y falta de ideas que por momentos el tedio adquiere una nueva definición.

-El reparto y ciertos elementos de la propuesta visual gustan, los primeros minutos llaman la atención, el resto son muchas drogas y una interminable verborrea trivial.

El antaño genio Terry Gilliam que siempre nos sorprendía con cine provocativo, excéntrico y fascinante lleva unos cuantos años ofreciendo cine de muy baja calidad, lleno de ideas insustanciales y mal desarrolladas, con apartados visuales que han mudado de los fabuloso a lo pretencioso y con historias terriblemente aburridas y planas que no llaman nada la atención. Sin embargo esta nueva apuesta pintaba bien, con un buen reparto encabezado por el genial Christoph Waltz y una aparentemente interesante historia de ciencia ficción sobre un científico que busca la solución a un extraño teorema con el que se podría averiguar el significado de la existencia, todo esto transcurre en una distópica sociedad corporativa controlada por la “Dirección”. Con esta premisa como bien he apuntado la cosa resultaba interesante, pero no ha acabado por serlo, aunque eso lo trataremos más adelante. El reparto que acompaña a Waltz tiene un par de nombres muy llamativos y la verdad es que el casting es excelente, los actores son los siguientes: Matt Damon, Tilda Swinton, Mélanie Thierry, David Thewlis, Ben Whishaw y Peter Stormare -entre otros-. Como último nombre que comentar antes de entrar en materia está el director de fotografía Nicola Pecorini que ya colaboró con Gilliam en cintas como “Miedo y asco en las Vegas” o “Tideland”.

Crítica de “Los Juegos del Hambre: Sinsajo. Parte 1”

-Sinsajo Parte 1 es simplemente un puente entre el impactante final de “En Llamas” y el comienzo del climax, habla mucho, dice poco e interesa todavía menos.

-La producción, los actores y un par de momentos emocionantes son las virtudes de esta tercera entrega que da excesivas muestras de agotamiento, ha perdido el espíritu por así decirlo.

Francis Lawrence (Soy Leyenda) repite trabajo en esta tercera adaptación de la afamada saga literaria de Suzanne Collins. Hace ya dos años que llego a las pantallas el comienzo de esta exitosa saga de la mano de Gary Ross (Seabiscuit, más allá de la leyenda), personalmente no me gustó en absoluto la primera parte de esta saga, no le encontraba pasión ni innovación por ningún lado y los fallos le sobraban. Fue el año pasado cuando precisamente Francis Lawrence cogió el testigo y logró aumentar mucho el nivel tras la decepcionante primera entrega, “En Llamas” era mejor adaptación y como película era superior en todo, aún quedaba mucho para llegar al nivel esperado pero se estaba en el camino indicado. Sin embargo este año la saga ha ido hacia atrás como los cangrejos al entregar un filme soso y falto de coraje, la típica película puente pero más larga e innecesaria de lo acostumbrado, pero bueno dejaré mis observaciones para dentro de un par de líneas. El actor y guionista Danny Strong (El Mayordom) se encarga del guión de la cinta con menos energía e inteligencia de lo esperado, en la banda sonora la partitura de James Newton Howard, épica y muy dramática como debe ser. Por último hablar de una de las virtudes que han acompañado a la saga desde el comienzo, un elenco repleto de nombres importantes que siempre realizan un trabajo impecable, en primer lugar la estrella Jennifer Lawrence que desde hace dos años ha evolucionado de una manera casi imposible de creer, aunque ella esté capacitada para cargar con el peso de la película para quitarle algo de encima tenemos a un plantel de secundarios que quita el hipo, entre ellos: Josh Hutcherson, Natalie Dormer, Sam Claflin, Liam Hemsworth, Julianne Moore, Gwendoline Christie, Philip Seymour Hoffman y Woody Harrelson.

Crítica de “Escobar: Paraíso Perdido”

-Una irregular mezcla de drama romántico y thriller de acción que funciona gracias a una dirección con pulso y a un Del Toro sencillamente brillante.

-Entretiene y poco más, la historia está desaprovechada y tan sólo cuando Escobar aparece en pantalla la película realmente interesa.

El debutante Andrea Di Stefano nos presenta -ejerciendo de guionista y director- esta historia sobre el famoso narcotraficante. No se trata de un biopic al uso sino más bien una intriga en la que el personaje funciona como secundario, una especie de villano al que Del Toro le da una relevancia incalculable robando plano tras plano al verdadero y poco carismático protagonista, Josh Hutcherson, al que veremos esta semana en la nueva entrega de “Los Juegos del Hambre”. A parte de esas dos caras más representativas esta co-producción entre Francia, España y Bélgica cuenta con un par de nombres más, tales que: Brady Corbet, Claudia Traisac, Carlos Bardem, Ana Girardot y Laura Londoño. Teniendo en cuenta que este no es el biopic sobre Pablo Escobar que estabais esperando estamos ante un entretenimiento digno y con una soberbia interpretación de Benicio Del Toro, que se mete en la piel del famoso narco resultando inquietante y carismático a partes iguales, ahí está el motivo de visionar esta película, el hipnótico trabajo de un gran actor, poco importa el resto de lo que ocurre en la película, pues mientras él está en pantalla el placer está servido.

Crítica de “Matar al mensajero”

-Un sólido y meticuloso trabajo de Michael Cuesta, fascinante thriller cospiranoico y mediocre drama personal sobre una historia que merecía ser llevada al cine.

-Jeremy Renner como el periodista Gary Webb completa uno de sus mejores trabajos hasta la fecha, su interpretación es la clave del filme.

Michael Cuesta tras tratar con las conspiraciones gubernamentales en “Homeland” se decide a ir un paso más allá contando en la gran pantalla la historia real del periodista estadounidense Gary Webb, que puso en evidencia las conexiones de la CIA con el mundo de la droga, y demostró que los barrios negros del país fueron inundados de crack mediante un narcotráfico destinado a abastecer de dinero y armas a la CIA. El material proviene del libro homónimo "Kill he Messenger: How The CIA’s Crack-Cocaine Controversy Destroyed Journalist Gary Webb", el cual fue escrito por el propio Webb junto con Nick Schou, el guión está escrito por Peter Landesman (Parkland). Para narrar esta historia de interés político y humano se escoge en primer lugar al nominado al Oscar -en dos ocasiones- Jeremy Renner para convertirse en Gary Webb, y apoyándole un lujoso reparto de secundarios que por desgracia sólo intervienen en pequeños cameos, algunos de ellos son: Mary Elizabeth Winstead, Ray Liotta, Michael Sheen, Andy Garcia, Tim Blake Nelson, Oliver Platt y Paz Vega -entre otros-. Por último el director de fotografía es el tres veces nominado al BAFTA, Sean Bobbitt (Shame, 12 años de esclavitud).

Crítica de “Interstellar”

-Asombrosa, majestuosa y fascinante, lo que debió haber sido Gravity. Christopher Nolan da un paso hacia la aventura espacial definitiva y por momentos toca las estrellas.

-El reparto, la banda sonora, la dirección, el guión, la fotografía, los efectos especiales...”Interstellar” es una de las mejores películas de ciencia ficción de los últimos años: valiente, inquietante, hermosa.

La vuelta del visionario cineasta Christopher Nolan a los cines no ha pasado para nada desapercibido, tanto para los innumerables Nolanistas como los no pocos detractores de su obra. Para este cronista estamos ante uno de los pocos directores de trayectoria perfecta, y de nuevo ha creado una película magnífica y de visión obligatoria, aunque en esta ocasión las expectativas no hayan sido alcanzadas. Han sido los dos hermanos Nolan los encargados de escribir el guión para la historia de Kip Thorne y la verdad es que a pesar de los problemas obvios que encontramos en el libreto, sigue siendo una historia alucinante que va desde lo minimalista hasta lo épico, que nos explica el universo a través de la emoción y del detalle aparentemente más pequeño, casi tres horas hipnotizado por lo que Nolan me quería contar y cada minuto me ha parecido deslumbrante. Después está el reparto, no hay palabras sobre el número de grandes nombres que el director ha reunido para su audaz aventura espacial, Matthew McConaughey protagoniza el filme con otra interpretación sensacional y le siguen: Anne Hathaway, Jessica Chastain, Bill Irwin, John Lithgow, Casey Affleck y Michael Caine -entre muchos otros-. Para acabar esta pequeña introducción queda mencionar a dos personajes muy representativos, el primero es el director de fotografía Hoyte Van Hoytema (Her, El Topo), el segundo es Hans Zimmer, y es que a pesar de que ha tocado fondo con sus últimos trabajos, Nolan ha decidido volver a colaborar con el compositor por quinta vez, y he de decir que su trabajo ha sido realmente excelente. Tras 169 emocionantes minutos mi impresión fluye por distintas sendas, por un lado creo que Nolan ha logrado un trabajo imponente, admirable y ejemplar, una película que fácilmente se verá convertida en un clásico con el paso del tiempo, por otro lado están los fallos que le impiden alcanzar la perfección, veo claramente una película mejor lastrada por problemas modestos pero también demasiado importantes para tomarlos a la ligera, no importa demasiado a estas alturas, “Interstellar” es una película imperfecta y apasionante que nos lleva a lugares que tan sólo podemos soñar; arte, ciencia y entretenimiento se funden en perfecto equilibrio en esta aventura espacial sobre el amor, la energía más poderosa de todas.

Crítica de “Caminando entre las tumbas”

-Este inquietante thriller de acción se siente poco frecuente, tiene muchos de los elementos de cualquier otro filme del género, pero es indudable e inusualmente mejor que el resto.

-Liam Neeson sigue mejorando ese tipo de papel que le viene como anillo al dedo, en esta ocasión está casi hipnótico como el detective Matt Scudder.

El guionista y director Scott Frank (The Lookout), nominado al Oscar a mejor guión adaptado por “Out of Sight” de Steven Soderbergh, ha sido el encargado de adaptar a la gran pantalla el best-seller del afamado novelista estadounidense Lawrence Block. Block era reconocido por sus novelas negras, a las que añadía grandes dosis de humor. El personaje del detective Matthew Scudder protagonizó casi una veintena de novelas y en esta ocasión la novela elegida para ser llevada al cine ha sido “A Walk Among the Tombstones”. Para dar vida al tortuoso y duro detective se ha elegido a Liam Neeson y la verdad es que no hay otro actor en activo actualmente al que este tipo de papeles le vayan tan a la medida. El elenco queda completado por caras más o menos conocidas como pueden ser: Dan Stevens, Marina Squerciati, Sebastian Roché, Boyd Holbrook, Stephanie Andujar y David Harbour. Por último mencionar el excelente trabajo del director de fotografía, Mihai Malaimare Jr. (The Master), y del compositor Carlos Rafel Riviera, que pese a su poca experiencia ha hecho un trabajo más que correcto. Finalmente la nueva película de Liam Neeson resulta ser una de las mejores que ha hecho de este tipo: una hábil dirección, un guión sólido, esa sombría atmósfera de neo-noir y en especial esa gran actuación que nos hace desear otra aventura del detective Matt Scudder.

Crítica de “El juez”

-Esta difusa y fallida mezcla de géneros a medio camino entre “El Inocente” y “Agosto” contiene dos actuaciones mayúsculas que no te deberías perder, el resto no importa demasiado.

-El guión se cree mucho más de lo que es, la dirección deja mucho que desear y el filme con su muy excesivo metraje acaba por volverse pesado.

David Dobkin (El Cambiazo) dirige esta irregular mezcla de melodrama familiar y thriller judicial que no acaba de conjuntar correctamente. Son tres los guionistas encargados de crear esta oscarizable historia, que después de todo no logra ni de lejos cumplir sus grandilocuentes objetivos. Bill Dubuque, Nick Schenk y David Seidler escriben un largo melodrama repleto de trabas, elementos erróneos y poco convincentes, personajes típicos, tramas usuales y diálogos trillados sin ingenio; algo que cambia totalmente cuando ambos protagonistas entran en acción, insuflándole una energía fantástica que hace de la película un espectáculo muy entretenido e intenso. Esa es la primera y casi única razón para levantarte del sofá y pagar una entrada de cine para “The Judge”, en realidad son dos razones, se llaman Robert Duvall y Robert Downey Jr. El resto del reparto lo componen otro buen número de grandes actores como: Vera Farmiga, Billy Bob Thornton, Vincent D'Onofrio, Dax Shepard, Leighton Meester y Melissa Leo -entre otros-.

Crítica de “Coherence”

-Una de las mejores películas de ciencia ficción de los últimos años, toma ocho actores y una genial idea y la desarrolla con suprema agudeza, genio y minuciosa atención al detalle.

-Cine Sci-fi sin aliens ni fuegos artificiales, sólo cuenta con excelentes interpretaciones y un guión tan potente que inquieta.

Todos los años nos encontramos con sorpresas y muchas de ellas llegan en los festivales de cine, este año la ciencia ficción nos ha traído “Coherence”, un thriller psicológico de muy bajo presupuesto pero lleno de buenas ideas bien desarrolladas. Esta película representa la ópera prima de su director, James Ward Byrkit, que también ejerce de co-guionista junto con Alex Manugian, el cual además es uno de los ocho protagonistas de este magnífico filme sobre paradojas. Junto con él tenemos otros siete nombres, algunos de ellos bastante reconocibles dentro del género, estos son: Nicholas Brendon, Emily Foxler, Maury Sterling, Lorene Scafaria, Hugo Armstrong, Lauren Maher, Elizabeth Gracen. Tenía muchas ganas de poder visionar esta cinta que tanto ha gustado entre los medios internacionales y tras verla no me extraña lo más mínimo, es ciencia ficción clásica, apoyada en ideas y teorías, es una intriga inquietante y fascinante a partir del experimento (o concepto) del gato de Schrödinger. El diálogo es la base de toda la cinta, los personajes dialogan y la intriga se desarrolla, toda ella hilada a la perfección durante 90 minutos, una hora y media que no permite al espectador ni pestañear, a este debutante no hay que quitarle la mirada de encima, no creo que muchos otros pudieran lograr algo tan sólido e insólito menos aún con tal dominio de los -escasos- medios.

Crítica de “The Prince”

-Una película terriblemente mala; no se salva ni el reparto y en 93 minutos no hay absolutamente nada que merezca la pena ver. Al menos el cartel está chulo.

-Una de esas copias formato serie B con cameos para engañar en taquilla, carente de ritmo y calidad. Hasta las escenas de acción son una desfachatez.

En una semana con tal número de estrenos y en la que además volvemos a tener la magnífica “fiesta del cine” para poder visionar películas atrasadas, es evidente que nuestro trabajo se ha complicado mucho, por esa razón mis críticas semanales verán reducida su extensión para poder tener más tiempo con el que analizar el máximo número de estrenos posibles. No sé si conocéis el trabajo de Brian A. Miller, un director que se caracteriza por entregar películas de poco presupuesto y aún menos calidad que nos llaman la atención por los interesantes “cameos” que aparecen en ellas, ese tipo de cine que ya prácticamente es un género en si mismo, que con un trailer minimamente decente e intentando hacer creer a los espectadores que el Bruce Willis de turno va a salir más de 3 minutos se las arregla para subsistir, si es que se puede usar ese adjetivo pues cada año salen cientos de películas con estas propiedades, se hacen rápido y de cualquier manera, no necesitan grandes sumas monetarias y si consiguen estrenarse en el cine en lugar de salir directas a dvd pues mejor que mejor para los responsables. En esta ocasión la cosa pintaba mejor de lo habitual aunque los que ya llevamos un tiempo en ésto estamos completamente desengañados, de todas maneras había ciertos detalles que podían hacer interesante esta típica y trillada historia de venganza. Saltémonos nombres irrelevantes que ni le van ni le vienen a nadie y hablemos del supuesto reparto, encabezado por un inexpresivo Jason Patrick, al que acompañan Bruce Willis, John Cusack, Jessica Lowdes y Curtis “50 Cent” Jackson.

Crítica de “Relatos Salvajes”

-Más salvaje que Stone, Tarantino y cualquier otro director actual, Szifrón narra con suma habilidad estas seis historias de venganza, y también con toda la violencia, el surrealismo y el humor negro que puedas llegar a soportar y algo más.

-El trabajo artístico es brillante, los actores son muy buenos y en general todo resulta alocadamente genial, es una locura de película, insólita y vibrante. Al igual que sus personajes, se atreve a hacer lo que los demás tan sólo cavilamos.

Ya teníamos ganas de que llegara a los cines españoles una de las sorpresas del año, inspirada en los “Cuentos Asombrosos”, serie de televisión creada y producida por Steven Spielberg allá por lo años 80. Además de haber triunfado entre la crítica y en variedad de festivales de cine, la cinta se ha convertido en la película de habla hispana más taquillera de la historia de Argentina y ya la han seleccionado para representar al país en la próxima ceremonia de los Oscar. Damián Szifrón (Tiempo de Valientes) escribe y dirige este conjunto de alocadas y alucinantes historias musicadas por el ganador del Oscar en dos ocasiones, Gustavo Santaolalla (Babel, Brokeback Mountain) y con Javier Juliá (El último Elvis) como director de fotografía. El reparto está repleto de estrellas argentinas de cine y televisión, algunos son: Ricardo Darín, Darío Grandinetti, Leonardo Sbaraglia o Julieta Zylberberg. La espera mereció la pena, me encontré con una película realmente salvaje, desde lo más hondo de su ser, la tragedia y la comedia absurda unidas en perfecta armonía, la sátira social, la reflexión humanista y en última instancia la locura en toda su esencia. No creerás lo que ven tus ojos, un filme que proporciona el mismo placer liberador que golpear algo cuando estás de cabreado, pero multiplicado por cien, es una explosión de cine que desearás volver a experimentar.

Crítica de “Perdida”

-Turbadora, matemática, magnética y perversamente magistral; Fincher ha creado un filme poderoso y casi perfecto que no te dejará ni pestañear.

-El guión, el casting, los precisos acordes musicales, todo resulta brillante y desconcertante, por ello esta es una de las más potentes películas del año.

Todos echábamos de menos al genio David Fincher, por mucho que nos pueda gustar “House of Cards” le queríamos dirigiendo su nuevo proyecto cinematográfico, en este caso vuelve a su género por excelencia, nos trae un sorprendente thriller basado en la famosa y exitosa novela de Gillian Flynn. El guión corre a cargo de la propia novelista, un dato que atraerá sin duda a los que en su momentos quedaron fascinados por la novela, no es para menos. El reparto aunque más controvertido (muchos siguen odiando a Ben Affleck), os adelanto que es impecable, ni un actor está mal en su papel; Ben Affleck, Rosamund Pike, Neil Patrick Harris, Tyler Perry, Kim Dickens y Scoot McNairy son sólo algunos de los nombres que forman el susodicho elenco. Son 145 minutos lo que dura “Gone Girl”, y no le sobra ni medio, es una película compleja, profunda, reflexiva, llena de puntos de vista; te hipnotiza de principio a fin mientras juega contigo, pero si entras en el juego serás recompensado, olvídate de las pocas nimiedades en las que falla el calculado guión, pues esta es una de las mejores películas que haya dirigido David Fincher.

Crítica de “La isla mínima”

-Prepárese usted para ser sorprendido por esta arrolladora película, magnífica en todos los sentidos, desde su increíble reparto hasta el último de todos sus extraordinarios fotogramas.

-Alberto Rodriguez ha creado uno de los mejores thrillers del año y del cine español en general, no hay palabras para expresarlo, hay que vivirlo.

El cineasta andaluz Alberto Rodriguez es un hombre cuya evolución como director es cuanto menos ejemplar, madura con cada película acercándose más y más a la perfección, su último gran proyecto fue el thriller policiaco “Grupo 7”, todo un éxito de crítica y público en el 2012 y una película española para la lista de aciertos, que nunca viene mal decirlo. Ahora tras dos años vuelve al mismo género, pero hay que dejar claro que eso es lo único que comparten ambos filmes, pues este nuevo proyecto está totalmente alejado de aquel. Más oscuro, más atmosférico, dándole una mayor importancia al tiempo y en especial al espacio en los que transcurre la historia, perdonen el parecido razonable que como muchos saco a relucir pero es una especie de “True Detective” español y post-franquista. Y antes de que me acuséis de falaz os diré que ambas producciones comparten muchos aspectos comunes, aunque su núcleo sea lo suficientemente distinto como para eliminar por completo cualquier argumento de plagio. Alberto Rodriguez dirige y co-escribe el guión (junto con su habitual colaborador Rafael Cobos) de esta cinta que va a revolucionar nuestra comprensión del cine español por completo, hay muy pocas pegas que sacarle a esta intriga ochentera sobre asesinos en serie y sus virtudes son todas excelsas. El reparto es excelente, Raúl Arévalo y Javier Gutierrez encabezan la cinta seguidos por otros nombres tan significativos como Antonio de la Torre, Jesús Castro o Jesús Cazorra. Unos fugaces y fascinantes 105 minutos, el tiempo mejor invertido que me ha dado el cine español -junto con un par más de producciones- en los últimos años, el mejor thriller de lo que llevamos de año y una de las mejores películas también, un trabajo completamente sólido y magistral que no deja nada al azar y no trampea nunca, es desde luego el mejor cine español que os vais a encontrar este 2014 y puede que también en un par de años más, lo que ha logrado Alberto Rodriguez no es sólo un filme de calidad desbordante, es historia del cine, es un logro memorable, es arte.

Crítica de “La Entrega” (The Drop)

-Un thriller criminal tan intenso y sorprendente como su titánico reparto; sólido, con una buena fotografía y un par de momentos absolutamente brillantes.

-El guión de Lehane es excelente pero las verdaderas joyas aquí son Gandolfini y Hardy, la película se sale del gráfico gracias a sus sensacionales interpretaciones.

El director Belga y nominado a los premios César-Oscar, Michaël R. Roskam (Bullhead), debuta en USA con una historia original del famoso novelista Dennis Lehane (Mystic River, Shutter Island), todo un punto a favor para interesarse por esté dramático thriller criminal, aunque desde luego no es la única virtud que posee el filme. El novelista se encarga además de adaptar el guión para la pantalla, aunque lo que más llama la atención el mayúsculo reparto de la cinta, que con un poco bien dirigido que esté ya puede lograr virguerías. Tom Hardy es el primer nombre de la lista, el actor del momento, al que acabamos de ver hace un par de meses realizar una contenida y extraordinaria actuación en “Locke” de Steven Knight y que tiene una lista de proyectos venideros casi inabarcable; la otra cara de la moneda es la de James Gandolfini, un legendario actor que no tendrá más proyectos debido a su repentino fallecimiento el pasado año, “The Drop” es su último papel y por tanto la despedida del actor de la pantalla. El tercer nombre más conocido es el de Noomi Rapace (Prometheus), que será la protagonista femenina de esta moderna historia mafiosa que tanto ha gustado en el Festival de San Sebastián. Roskam cuenta con sus habituales colaboradores para la música y la fotografía, Raf Keunen y Nicolas Karakatsanis respectivamente; sin embargo en el apartado musical tenemos a un grande de la talla de Marco Beltrami (Snowpiercer), y os adelanto que el trabajo es bastante bueno. Después de estas dos breves horas de película os la recomiendo totalmente, es cine sólido y muy bien escrito, que se beneficia de tres actuaciones a cada cual mejor que la anterior, tiene momentos de una intensidad y una emoción fascinantes pero seguramente sin esos tres actores la película no sería tanto como es finalmente.

Crítica de “El corredor del laberinto”

-Entretenida adaptación con espíritu de aventura clásica; con el paso de los minutos los cánones del género le pasan factura y pasa de ser un ejemplo a seguir a la típica película de inicio de franquicia.

-Es divertida, enérgica, con buenas ideas, algunas decisiones arriesgadas y unos actores sorprendentemente sólidos, su problema es su núcleo, por mucho que intente cambiar a mejor está restringida por las convenciones de las grandes franquicias juveniles.

Wes Ball debuta como director de largometrajes con esta cinta, la adaptación de la primera novela de la famosa trilogía homónima de James Dashner. Ya estamos asfixiados por los cientos de adaptaciones de novelas juveniles que nos llevamos a la boca cuando a penas el 20% tienen algo interesante que contar, la misma historia con las debidas variaciones consigue que los poco exigentes adolescentes se vuelvan locos cada vez que su novela favorita cruce a las dos -o tres- dimensiones de la pantalla del cine. El director, que cuenta con el nombre de un controvertido genio y el apellido de uno de los peores directores de los últimos años ha sido cámara, encargado de efectos especiales, diseñador, guionista y después de muchos otros apartados como podéis adivinar, director; en este apartado ha dirigido dos cortos animados de 8 minutos, unos de ellos también de ciencia ficción en un futuro postapocalíptico (Ruin). Pero ésta es la primera vez que va a dirigir un largometraje y le encargan la difícil tarea de dar comienzo a la que será una nueva franquicia juvenil. Para ello cuenta con el propio novelista y Noah Oppenheim como co-guionistas y un joven reparto que resulta ser uno de los mayores aciertos del filme, Dylan O'Brien (Teen Wolf) encabeza este reparto salido casi enteramente de producciones juveniles, le siguen: Thomas Brodie-Sangster (Juego de Tronos), Kaya Scodelario (Furia de Titanes), Will Poulter (Narnia), Ki Hong Lee, Blake Cooper y Aml Ameen -entre otros-. Después de visionar esta larga adaptación puedo decir que podía haber sido mucho mejor, tenía todo lo necesario, muchas cosas que no tienen todas esas otras adaptaciones juveniles que aparecen en la cartelera sin el más mínimo sello personal ni demasiada calidad, pero con todas sus virtudes ha terminado por rezagarse en los clichés y en el camino marcado por la productora para asegurarse una franquicia en lugar de centrarse en hacer una buena película individual, que lo podía haber sido de sobra. Aún así es muy entretenida, gustará a los chavales y deja con ganas de ver que ocurre a continuación; para ser claro, es un rato mejor que la primera entrega de “Los Juegos del Hambre”...pero le queda mucho para alcanzar a “En Llamas”.

Crítica de “El hombre más buscado”

-Una de espías a fuego lento y a la antigua; Corbijn tiene oficio y el reparto está impecable, lástima que la película sólo sea correcta y no brillante.

-Seymour Hoffman deslumbra en su último papel protagonista, construye un personaje fascinante en una película tan solo interesante, mientras él está en pantalla nada más importa.

El último papel protagonista de Philip Seymour Hoffman, esa es una razón completamente racional para interesarse por esta nueva película del director Anton Corbijn (El Americano), si ya habéis visto algún trabajo del director más que seguro que tenéis otra razón para acudir al cine, aunque un servidor está más interesado en su drama de época sobre la amistad entre James Dean y el fotógrafo Dennis Stock que estrenará el año que viene. Que el guión de Andrew Bovell (Al límite) esté basado en una novela del famoso autor británico John le Carré (El topo, El jardinero fiel) es todo un aliciente aunque el guionista no sea de vuestros preferidos, a mi no me gusta especialmente su trabajo. Por último está el reparto, muy potente: Willem Dafoe, Rachel McAdams, Robin Wright o Daniel Brühl son algunos de los nombres que rodean a nuestro protagonista. Un meticuloso y dramático thriller de espionaje post-11/9 de la mente del novelista John le Carré coproducido entre Reino Unido-USA-Alemania y protagonizado por un enorme Seymour Hoffman...es todo lo que debéis saber para decidiros.

Crítica de “Boyhood”

-Linklater lo ha vuelto a hacer: una película tan sincera como hermosa, un álbum de fotos lleno de momentos fascinantes y una de las mejores películas de la última década.

-Cine sin precedentes, un logro apasionante que desde la más pura de las sencilleces se convierte en una obra única y realmente especial; Boyhood renueva tus creencias en el poder del cine.

Richard Linklater es uno de los mejores cineastas del momento, tras finalizar el pasado año su magistral trilogía con una de las mejores películas románticas que he se han hecho jamás regresa a los cines con un proyecto muy personal, insólito y desde luego fascinante. 12 años de duro trabajo le han traído hasta aquí, tan solo 39 días de rodaje y una conmovedora historia que empieza en la niñez para llevarnos a través de primeras veces, descubrimientos, desilusiones, controversias y todo tipo de momentos aparentemente normales pero que conforman una obra de dimensiones catedralicias. Al mismo tiempo una película sencilla y un logro colosal, que pasa casi por un documental a nivel narrativo y que en 166 minutos logra nuestra total atención, sin ningún tipo de trampa ni truco efectista, es ingeniosa, dramática, franca, trascendental, revive muchos de nuestros recuerdos en un viaje como no hay otro, es sin duda una película sin imperfecciones, una obra maestra destinada a perdurar.

Crítica de “Hércules”

-Una aventura tan entretenida como olímpicamente mala, todo es tan tópico y previsible como irrisorio, una mala parodia con un par de momentos tolerables.

-Johnson es un Hércules tan convincente físicamente como sobreactuado en lo actoral, lo bueno de esta nueva versión de Brett Ratner es que es de esas películas malas que te hacen reír y no de esas tediosas.

A estas alturas todo el mundo conoce a Brett Ratner, el director que hundió la saga X-Men, que entregó la peor película de la saga Hannibal y también el director de la trilogía “Hora Punta”, esos son sus logros más representativos. Ahora, tras ganar un Razzie el año pasado por dirigir parte del infame filme “Movie 43”, vuelve a los cines con una nueva versión de “Hércules”, relativamente basada en la conocida novela gráfica de Steve Moore y Admira Wijaya, “Hercules: The Thracian Wars”. El principal punto a favor de esta nueva aventura del famoso semidiós es la presencia de un Dwayne Johnson literalmente enorme y esas decisiones a estilo Nolan que intentan hacer la historia más realista, Moore ya se había encargado en su momento de convertirle en un anti-héroe mercenario. Tenemos también un potente elenco de secundarios entre lo que se encuentran nombres como Joseph Fiennes, John Hurt, Rufus Sweel e Ian McShane, tranquilos que en esta ocasión sí que aparece de verdad; como anotación interesante la banda sonora corre a cargo del español Fernando Velázquez (El Orfanato, Lo Imposible). La película de Ratner es un desastre de grandes proporciones, tiene mucho más dinero que cerebro o algún tipo de sentido o carácter visual, claro que todo debe ser grande y épico pero en esta ocasión resulta vulgar, feo y risible, la misma aventura típica de siempre pero más aburrida y peor, y cuidado con el trailer que es un engaño de mucho cuidado.

Crítica de “Jersey Boys”

-El famoso musical llega a los cines con todo su vigor y la destreza de un grande detrás de las cámaras aunque acaba siendo un trabajo menor del director, aún así su diseño es brillante y su ejecución intensa.

-Eastwood le da al filme un dinamismo y un corazón que salen de la pantalla, el problema principal es que para eso ya estaba el musical de Broadway, y aquí no hay demasiado material extra que incentive a los no neófitos.

Uno de mis directores favoritos vuelve este año con trabajo doble, el ídolo Clint Eastwood a sus 84 años de edad nos trae este 2014 nada menos que dos películas, dentro de un par de meses y con el protagonismo de Bradley Cooper llega “American Sniper”, un proyecto que era inicialmente de Steven Spielberg pero que acabó llegando a manos de Eastwood. Esta semana se atreve a convertir el famoso éxito musical de Broadway en una película -eso sí- con su espíritu y sus señas de identidad intactas, para de este modo reafirmarse como uno de los directores clásicos más en forma del momento. Para ello los guionistas John Logan (Gladiator) y Rick Elice se encargan de escribir el libreto basado en el libro de Marshall Brickman, mientras que el nominado al Oscar, Tom Stern (Robocop 2014), ejercerá de director de fotografía; la música corre a cargo del propio Bob Gaudio. Para contar este drama musical sobre el aclamado grupo el cineasta sólo cuenta con un par de caras conocidas entre ellas el veterano Christopher Walken, el resto de actores si bien no son los más famosos sí que hacen su trabajo con mucha eficiencia y cantan prácticamente igual que los originales. Teniendo en cuenta que el material original ya era de por si excelente el trabajo no empezaba desde cero, sin embargo todos lamentamos que un maestro como lo es el señor Eastwood haya tomado la decisión de seguir la senda marcada, sin nuevos desafíos, es ni más ni menos que el mismo musical en la gran pantalla, muy recomendable para los que no lo hayan disfrutado pero quizás algo frustrante para el resto. Eso sí, del bueno de Clint por aquí hay poco.

Crítica de “Los Mercenarios 3”

-Una saga que ha perdido su carácter, todo lo que hacía de ambas partes anteriores un placer culpable se ha esfumado, queda la acción por la acción y peor ejecutada que nunca.

-Snipes, Banderas y Gibson son los tres amos y señores de esta mediocre función, sus minutos en pantalla son una auténtica delicia.

Hace cuatro años que Stallone reunió a este particular grupo de leyendas de los 80 para hacer regresar un género que muchos echaban de menos, la primera parte de aquellos mercenarios fue un placer culpable en toda regla, todas aquellas viejas glorias reunidas para patear el culo de cualquier enemigo por un buen puñado de billetes, no era buena ni mucho menos pero le daba al público lo que quería, un gamberro estallido de testosterona y violencia entre frases lapidarias y explosiones por doquier, dos años después llegó una secuela en la que Stallone le pasaba el testigo de la dirección a Simon West (Con Air), que decidió jugar sus cartas con la autoparodia y el tiro le salió pero que muy bien, no os engañaré, “Los Mercenarios 2” es uno de los placeres culpables más divertidos que he visto en los últimos años, por Van Damme, por el cameo de Norris, por las pullitas entre Schwarzenegger y Willis y por todo lo que se me pueda ocurrir, por esa razón esperaba grandes cosas de esta tercera parte, una pena pues esta entrega pone de manifiesto que las ideas se han acabado cuando ni siquiera habían dado comienzo, elimina lo que hizo a la segunda tan salvajemente divertida y deja sólo las cosas negativas de la primera (añadiendo varias más) para lograr un plomazo que sobrevive sólo gracias a un par de momentos, Patrick Hughes ha hecho un trabajo mecánico y aburrido, lo primordial de un placer culpable es que haya placer en él, pero “The Expendables 3” no es más que un refrito barato que deja más claro que nunca el hecho de que estos tíos ya deben retirarse al asilo, por el amor de Chuck Norris si es que incluso Arnold está regordete...¿que diría John McClane?

Crítica de “Amigos de más”

-Ingeniosa y encantadora, aún con sus múltiples problemas y siguiendo la fórmula típica del género la química entre Radcliffe y Kazan hace magia, el guión es bueno.

-Los diálogos son frescos y divertidos y la película pasa en un suspiro hasta los minutos finales, donde se hunde estrepitosamente.

Michael Dowse, director de películas como “Fubar” o “Llévame a casa nena” y guionista de la inminente, “La Gran seducción”, donde volveremos a disfrutar de la presencia del inimitable Brendan Gleeson, nos trae una comedia romántica que ha gustado mucho entre la crítica internacional, casi tanto como la contagiosa química que ha surgido entre sus protagonistas, Zoe Kazan (Revolutionary Road) y Daniel Radcliffe (Killing your Darlings) co-protagonizan este romance típico pero inusualmente encantador, con guión de Elan Mastai (Alone in the Dark), un guionista bastante malo que en esta ocasión ha hecho un trabajo meritorio, los diálogos destilan ingenio, encanto e ironía y todo el libreto se nota que está escrito con competencia a pesar de los evidentes fallos, es bueno que una película no tenga miedo a decir lo que piensa lo único malo es que en algunas ocasiones lo que piensa es bastante tonto; en la lista de secundarios del reparto encontramos a Adam Driver, Megan Park, Rafe Spall y Mackenzie Davis entre otros. Es la prueba definitiva de que una película no necesita cambiar las reglas para gustar, “What if” no toma el camino fácil ni tampoco descubre otros nuevos, es una comedia romántica corriente que sobresale gracias a su irresistible personalidad y a dos actores en su mejor forma y también es la primera vez que el señor Radcliffe no me parece Harry Potter sino un simple chico del montón, enhorabuena.

Crítica de “Lifi, una gallina tocada del ala”

-Esta fábula animada de excelente factura toma sus influencias tanto de cuentos como “El Patito Feo” como de otras producciones animadas entre las que se encuentran “Chicken Run” o “Happy Feet”, por desgracia aunque quiere volar cual pato guardián está claro que es sólo una gallina ponedora.

-Los niños sin duda pueden pasárselo en grande con esta aventura manida y repleta de clichés, sin embargo los adultos no encontrarán demasiado en que apoyarse y probablemente sucumban al sueño.

Con mucho retraso llega a nuestro país esta aventura infantil que fue allá por el 2011 una de las películas más taquilleras en Corea del Sur, comprensible es desde luego que muchas familias acudieran a las salas para disfrutar de la excelente animación que nos presenta el debutante Oh Seong-yoon, una propuesta visual impecable para una peculiar historia con moraleja al más puro estilo del Disney clásico, la historia de una gallina que sueña con escapar al corral sin ignorar que le espera un viaje lleno de obstáculos y nuevos retos; he tenido el privilegio de visionar un pase privado facilitado por la distribudiro ISAAN pues la película no llegará a los cines españoles hasta el próximo viernes 5 de Septiembre; aún teniendo en cuenta que es cine para niños hay que decir que tanto el argumento como el guión dejan mucho que desear en todos los sentidos, la trama aunque varía en ciertos detalles es la suma de fragmentos de muchas fuentes conocidas, todo unido de mala manera y con muy poca imaginación, el guión de Kim Eun-jeong-II y Nah Hyeon está plagado de tópicos y giros previsibles. Aún con un par de buenas ideas y una factura visual sin nada que envidiar a las grandes superproducciones animadas esta es una película simplona, aburrida, endeble y poco creativa, que los pequeños de la casa podrán disfrutar gracias a los típicos elementos de cualquier otro filme del género, pero ojo al dato señores progenitores, no es recomendada a mayores de 7 años.

Crítica de “El Niño”

-Un thriller con nervio, de impecable factura técnica, ritmo vibrante y excelente dirección; Monzón tiene oficio y su película es un paso adelante en la evolución -para bien- del cine español.

-Sin llegar al nivel de “Celda 211” este thriller demuestra que Hollywood no es el único sitio donde crear emocionantes historias policíacas con mayúsculas escenas de acción, la persecución nocturna del helicóptero es sensacional.

El realizador Daniel Monzón, conocido por su drama carcelario en tiempo real, “Celda 211”, regresa a la gran pantalla tras un largo paréntesis con otro penetrante thriller hecho en España, de nuevo encontramos al propio Daniel Monzón y a Jorge Guerricaechevarría al timón del guión y al mismo -aunque definitivamente cambiado- Luis Tosar como protagonista de la cinta, como co-protagonista el debutante Jesús Castro, que pudiera parecer lo que pareciera en un principio finalmente -y sin brillar especialmente- cumple su cometido, y gracias a esos fulminantes ojos azules termina más cerca de un inexperto Paul Newman que de los inicios de Mario Casas, para secundarlos tenemos actores noveles, intérpretes premiados como Sergi López o Jesús Carroza y la presencia -casi en espíritu- de Ian McShane. Sin duda estamos ante una de las apuestas más interesantes y sólidas de la temporada, mucho ha tardado Monzón en llevar a buen puerto este dramático thriller de acción que no dejará indiferente a nadie, claro que se le puede acusar de excesivo espíritu comercial pero amigos míos a día de hoy está más que claro que es la apuesta necesaria en nuestro país, o mejor dicho la única apuesta válida, por supuesto que el filme está perfectamente pensado para atraer a la mayor cantidad de público posible y para ello debe introducir elementos que lo desfavorecen, pero aún así este es cine español de la más alta calidad: inteligente, moderno, vigoroso y repleto de escenas de acción que ya forman parte del género y del cine patrio...¿Cuantas películas españolas pueden decir eso?

Crítica de “Infiltrados en la Universidad”

-Una de las películas más divertidas de los últimos meses y para colmo muy buena, es sorprendentemente inteligente y la química entre Tatum y Hill es chispeante.

-Parodiando del primero al último de los tópicos de las buddy movies las dos horas pasan como si fuese media, demuestra que una segunda parte no sólo no tiene por qué ser mala sino que puede ser mejor.

Los señores Philip Lord y Chris Miller que nos trajeron este mismo año la creativa y muy divertida “La LEGO Película”, vuelven con la secuela de “Infiltrados en Clase”, aquella sorprendente comedia de acción de compañeros policías que no era lo que ninguno se podía esperar, entre tiroteos, gags ingeniosos, parodia de la buena y aquel irreverente cameo de Johnny Depp era difícil resistirse a semejante gamberrada, pues bien esta secuela apuntaba a ser una simple repetición de lo anterior y aunque en parte sí lo es, también es mucho más, más divertida, más inspirada, más caricaturesca y con mucho más ritmo, Tatum y Hill vuelven a formar un equipo inseparable y memorable apoyados por un par de caras nuevas (Peter Stormare, Amber Stevens, Wyatt Russell...) y otras de la primera entrega (Dave Franco, Ice Cube) que en su mayor parte quedan colapsados por la química entre ambos protagonistas; repite Jonah Hill como guionista pero esta vez respaldado por otros tres nombres, Michael Bacall (Scott Pilgrim contra el mundo), Rodney Rothman (La Gran Revancha) y Oren Uziel, también repiten Mark Mothersbaugh y Barry Peterson como compositor y director de fotografía respectivamente. Aunque es cierto que muchas de las bromas provienen de la primera el filme lo utiliza a su favor convirtiendo el hecho de ser una secuela directa en algo provechoso para el humor, los que tengan reciente la primera parte disfrutarán mucho más con esta y si alguna vez habéis disfrutado con películas como “Arma Letal”, “Bad Boys” u “Hora Punta” ésta es sin duda una película para vosotros.

Crítica de “Lucy”

-Una película insultantemente tonta, que cree o más bien intenta hacernos creer que dice muchas cosas interesantes e inteligentes, es la típica película de acción de Besson bajo un manto más presuntuoso.

-Visualmente mola bastante y a pesar del personaje Johansson se las arregla para convertirse en una fuerte y creíble heroína de acción, no hay mucho más a lo que agarrarse en este festival pop más cercano a una película de superhéroes que a cualquiera de los géneros a los que intenta copiar.

A estas alturas quien no conozca mi opinión sobre Luc Besson como director y sobre todo como guionista significa que es la primera vez que me lee, pero los prejuicios no son una opción ni siquiera cuando hablamos de unos de los guionistas europeos más inútiles de los últimos años, aún así y tras tragarme dos infames trabajos del señor Besson hace a penas unos meses (Brick Mansions y 3 Days to Kill se encuentran en mi top 3 de peores películas del año) vuelvo a caer en la trampa (seré masoca...) sacando una entrada para su nuevo trabajo como director, “Lucy”, una chica llorona a la que le entra droga en el organismo y se convierte en un híbrido entre superheroina y semi-diosa debido a que esa droga le permite utilizar un mayor porcentaje del cerebro, una premisa que más allá de pecar de idiota proviene de una falacia científica, por mucho que lo pueda parecer esta no es ni de lejos la película más tonta del señor Besson, sin embargo si tiene el honor de ser la película que mejor lo intenta disimular gracias a toda esa verborrea pseudocientífica que vomita para darse una trascendencia que no tiene ni en clave de parodia; coge de “Sin Limites”, de “Trascendence” y de muchas otras películas Sci-fi de la última década y lo revuelve en un cóctel de géneros en el que ninguno obtiene una mayor importancia, es en última instancia la misma película de acción de siempre, con uno de esos incoherentes guiones tan propios del director Francés, la típica (no por ello menos eficaz) composición de su habitual colaborador Eric Serra (Adèle y el misterio de la momia) y esos detalles risibles que el cineasta considera de culto, todos los elementos que podríais esperar de una película de Luc Besson pero con Morgan Freeman en uno de sus ignominiosos papeles de dos minutos y para mi sorpresa con otras dos inesperadas novedades, la primera una Scarlett Johansson que realiza un trabajo muy bueno y la segunda el entretenimiento, por una vez entre todas las estupideces y absurdos que se suceden no me lo he pasado mal, incluso me he reído en un par de ocasiones y por esa razón aunque bien es cierto que el nuevo filme del director es terriblemente tonto y sinceramente malo también es verdad que resulta muy entretenido dentro de su ridículo universo, dejo a vuestro criterio que eso sea -o no- suficiente.

Crítica de "Locke"

-Steven Knight muestra sus dotes para la dirección en este asombroso experimento a medio camino entre el thriller psicológico y el drama existencial.

-Un sólo hombre en su coche, esta aparentemente simple premisa da para mucho, más aún si ese hombre es una bestia como Tom Hardy, su interpretación roza la perfección.

El guionista y director británico Steven Knight, al que prácticamente todo el mundo conoce por escribir el guión de “Promesas del Este” de David Cronenberg, tiene sin embargo una variopinta lista de trabajos en ambos apartados, desde el guión de un drama de época biográfico sobre la esclavitud (Amazing Grace), hasta su debut en la dirección con un oscuro thriller protagonizado por Jason Statham (Redención), pasando por ser el creador de la magnífica serie de la BBC, “Peaky Blinders”, estos dos últimos proyectos y la película por la que hago esta reseña son del 2013, así que podemos decir que el nominado al Oscar no ha tenido demasiado tiempo para descansar durante el pasado año. Cuando se estrenó “Redemption” muchos estuvimos de acuerdo en un puñado de cosas, por ejemplo la sorpresa de que lo que más descuidaba era precisamente el punto fuerte de Knight, el guión, sin embargo tampoco mostraba grandes dotes en la dirección y la película se quedaba a media en sus diferentes facetas, por esa razón esta segunda película es una oportunidad para ver en acción al Steven Knight que todos conocemos, con una dirección más firme, arriesgada y personal, un guión más trabajado y un protagonista a la altura de las circunstancias, Tom Hardy, ese actor tan prolífico al que vemos últimamente en todos los proyectos importantes es aquí amo y señor de la función, como que él y su coche son lo único que vamos a ver en hora y media, eso sí antes de empezar quiero dejar clara mi postura, si bien claustrofóbico, intrigante y emocionante estamos más cerca del drama psicológico que del thriller, teniendo esto en cuenta os digo que este es uno de los viajes más intensos y penetrantes que vais a vivir este año.

Crítica de “Guardianes de la Galaxia”

-Un clásico instantáneo, una aventura sin límites que te lleva donde no te ha llevado ninguna otra película del género y que deja muy claro que la Casa de las Ideas no sólo vive de Iron Man y Thor; este es el grupo de “héroes” más memorable que he visto en una pantalla en mucho tiempo.

-Sin miedo al rechazo, James Gunn ha firmado el Star Wars del siglo XXI y hacía tiempo que una aventura espacial no me dejaba tan complacido, eufórico y disgustado por tener que esperar tres años para volver a ver a esta nueva e inolvidable panda -de pringados- que sin duda se ha ganado mi respeto y mi cariño.

El prolífico guionista y director James Gunn fue la decisión de Marvel-Disney para llevar a la gran pantalla su apuesta más arriesgada hasta la fecha, el cine del director, divertido, irregular e insólito nos ha traído propuestas muy variadas, desde su homenaje a la Troma con “Slither: La Plaga”, pasando por la miniserie “PG Porn” para personas a las que les gusta todo del cine porno excepto el sexo y la demencial “hermana” de Kick Ass, “Super”, en la que un hombre normal se convierte en un violento héroe al recibir la llamada divina, hasta llegar a ganar un Razzie muy compartido por tomar parte en la dirección de la infame “Movie 43” el año pasado; no son esos todos los trabajos de Gunn pero os haréis una idea de lo variopinta que es su trayectoria; en esta ocasión el director ha escrito el guión junto con Nicole Perlman (Thor) y ha conseguido un reparto increíble, tanto los más visibles como el casi infinito número de cameos, en la composición musical tenemos a Tyler Bates, colaborador habitual de Zack Snyder y que ya trabajó con Gunn en “El Amanecer de los Muertos”. Marvel ha encontrado una mina de oro en este peculiar grupo de inadaptados, cada uno imprescindible e inolvidable a su manera, todos juntos logran la mejor película de la casa hasta la fecha, un cacho por encima de “Los Vengadores”, y es que “Guardianes de la Galaxia” es una explosión de cine llena de color y buen rollo, un marchoso viaje a lo más profundo del hiperespacio con la mejor compañía, es todas las aventuras de vuestra infancia unidas bajo un manto totalmente nuevo, es todo lo que podría pedir tanto el fan de Marvel como el neófito preparado para descubrir nuevas fronteras, es lo que se llamaría un clásico moderno.

Crítica de “Chef”

-Cine sin pretensiones, sabroso y nutritivo, Favreau escribe bien, dirige mejor y actúa con una naturalidad y una sensibilidad pegadizas; es una película irresistible.

-Encantadora y divertida, aún con la superposición de clichés no pararás de sonreír, es como la buena comida que cuando te das cuenta ya no queda nada en el plato.

Hace tres años que no veíamos al bueno de Jon Favreau -como director- en el terreno cinematográfico, para ser exactos desde “Cowboys & Aliens”, un western de ciencia ficción que no fue demasiado bien acogido por parte de la crítica, personalmente creo que fue una aventura divertida, bien interpretada y con trazas de gran cine, a lo que iba, el nuevo proyecto de Favreau era cuanto menos inesperado, el director de las dos primeras entregas de “Iron Man” se disponía a entrar en el terreno gastronómico con un drama cómico para toda la familia, quizás cansado de tanto blockbuster o simplemente con ganas de experimentar el cine tradicional y sin aditivos ha llevado a cabo su película más personal hasta la fecha, tal es el nivel de compromiso que además de dirigirla, se ha encargado del guión y la ha protagonizado, algo que no hacía desde su ópera prima, “Crimen Desorganizado”. Tras degustar el plato del señor Favreau he de decir que me ha encantado, quizás lo peor ha sido el postre definitivamente auto-indulgente, pero de todos modos me ha entusiasmado; el fabuloso reparto, los divertidos diálogos y la cautivadora dirección todo al ritmo de la música conforman una película agradable y muy entretenida que te mantendrá animado hasta el final, eso sí, id con el estomago lleno porque aún así os dará hambre.

Crítica de “Transformers: La Era de la Extinción”

-Michael Bay cruza la línea de lo infame para entregar la que es con diferencia la peor película de la saga robótica, ni siquiera el apartado visual resulta alucinante o la acción entretenida; ni pizca de cine, sólo chatarra.

-No se salva nada (ni la música de Jablonsky) de ésta mamarrachada ultraruidosa y visualmente fea, sumando todo lo “bueno” que he encontrado a lo largo del filme saldrían 3 o 4 minutos, el resto es doloroso para todos los sentidos.

Tras hacer el año pasado una de sus mejores películas con a penas 26 millones de dolares el señor Michael Bay ha vuelto a la exitosa saga que recauda cantidades desorbitadas en taquilla, la nueva entrega de los robots de Hasbro cambia de protagonistas y prácticamente de todo, dejando intacto el estilo Bay pero en la peor de sus versiones, algo más de 200 millones de dolares ha costado este nuevo capítulo de los Autobots (la más cara de las cuatro), nada comparado con lo que recaudará en taquilla en todo el mundo. A lo que iba, Mr. Bay y el guionista Ehren Kruger crean una nueva “historia” que transcurre cuatro años después del incidente de Chicago, una trama que puede parecer interesante los 3 primeros minutos hasta que nos damos cuenta de por donde van los tiros, para que la aberrante excusa argumental (las otras entregas parecen oro al lado de ésta) siga atrayendo a las masas a ver como todo vuela por los aires Bay “renueva” otros aspectos de la cinta tales que su reparto, Shia LaBeouf (al que no veremos ni en un cameo) pierde el rol protagonista de anteriores entregas para pasarle el relevo a Mark Wahlberg, un cambio a priori muy acertado, Nicolas Peltz y Jack Reynor harán las veces de LaBeouf-Fox o LaBeouf-Whiteley formando un triángulo sospechosamente parecido al de “Armageddon”, uno de los primeros trabajos del director, por último perdemos a todos los secundarios, Josh Duhamel, Tyrese Gibson e incluso el divertido John Turturro dejan paso a un sobreactuado Stanley Tucci (tiene que ser difícil que este hombre actúe mal) y a un anodino Kelsey Grammer al que veremos esta semana en “Los Mercenarios 3”. Lo que yo quería explicar con esta introducción además de que ésta es una película innecesaria, hueca, estúpida y para colmo aburrida es mostraros la ironía del asunto, en 2013 y con un presupuesto sorprendentemente pequeño Michael Bay dirigió una divertida sátira repleta de fabuloso humor negro, ácida, inteligente -a su manera- y con un reparto excelente, la que es para muchos la mejor película de este director, un año más tarde y con diez meces más presupuesto vuelve a su saga por defecto para crear su peor película, exacto, “Transformers: Age of Extinction” no sólo es una de las peores películas del año, es la peor película que jamás haya hecho o hará Michael Bay, es el blockbuster más soporífero, lacerante y deplorable que he visto en años.

Crítica de "Begin Again"

-John Carney hace un remix de “Once” con actores de Hollywood extraviando en el trayecto parte de la sencillez y la magia pero sin olvidar como la música puede mover una película.

-Aún habiendo perdido mucha de la frescura original resulta amable y encantadora, Ruffalo y Knightley tienen química y el filme pasa volando ante tus ojos sin que a penas te percates; pondrá una permanente sonrisa en tu rostro.

El cineasta irlandés John Carney se metió en el mapa gracias al sleeper “Once”, una película sencilla pero que poco a poco te llegaba al alma, que vivía y amaba a través de la música, sin grandes nombres en el reparto pero que en el momento que les veías en pantalla no te imaginabas a otros que pudieran interpretar así aquellos papeles, cautivadora es la palabra; ahora 8 años después el señor Carney se decide a enseñarnos la misma idea pero con más presupuesto, con caras conocidas y con canciones más comerciales, eliminando por completo el espíritu “indie” de la propuesta para darle paso a la química entre Ruffalo y Knightley. Si bien la idea no me gustaba demasiado la verdad es que el guionista-director se las ha arreglado para convencerme, ha hecho una película igualmente satisfactoria, con una esencia admirable y viva que perdura cuando la película hace tiempo que ha finalizado, poseedora de una energía positiva que es pegadiza y para ser honrados hay que decir que la dirección es mejor que en los anteriores trabajos del director.

Crítica de “Cómo entrenar a tu dragón 2”

-Más grande, más adulta y digamos oscura pero moderadamente inferior a su predecesora, debido casi enteramente a la cojera de su trama y también a lo desaprovechado su guión.

-La factura técnica es asombrosa, la belleza de sus escenarios, el diseño de los nuevos dragones, o sin ir más lejos los excelentes personajes humanos; a través de su apartado visual la película logra volar.

Dreamworks no se lo piensa dos veces y nos trae la secuela del éxito infantil del 2010, la diferencia de años es alentadora, en especial cuando la mayoría de secuelas de todo tipo (destacando las de animación) salen con a penas un año de diferencia para sacarles más partido -económicamente hablando-, Dean DeBlois vuelve como director pero pierde la colaboración de su compañero Chris Sanders con el que también dirigió “Lilo & Stich”, mientras Sanders se encargó de convertir en uno de los mayores éxitos del pasado año la película “Los Croods”, a DeBlois le toca llevar a buen puerto esta secuela de altos vuelos. Muchos fuimos los que sin ningún tipo de expectativas acabamos hechizados por los dragones, por el furia nocturna -en particular-, por el milagroso apartado visual y en general por lo entretenida que fue aquella primera parte, una aventura para toda la familia que fue tachada de infantil a pesar de que en ella ocurrían cosas insólitas en el género, eso sin contar su guión nada desdeñable con enormes posibilidades emocionales y muy buen humor; por supuesto cuando se hace oficial una segunda parte para aquella imprevista maravilla, ahora más madura, más épica y con más dragones pues las expectativas suben como la espuma, algo que le afectará negativamente por la desgana que demuestran muchos aspectos de esta irregular secuela, que pese a sus problemas ha vuelto a hacerme sentir como un niño, a hacerme sentir -en ocasiones- que puedo volar, a recordar como se hace una buena película de animación (aunque esta sólo lo sea en parte), “Como entrenar a tu dragón 2” es más grande, más adulta y tiene más que decir que su antecesora y sin embargo es peor, aún así sigue teniendo esa irresistible magia que me devuelve lo mejor de la infancia...y además el alfa es una auténtica pasada.

Crítica de “Sex Tape”

-Una comedia ligera apenas traviesa y realmente sosa, tiene suficientes risas -suaves- para entretenerte un domingo cualquiera y un par de gags geniales, pero la película no llega al aprobado.

-Jake Kasdan desaprovecha un excelente punto de partida para convertir esta comedia en un anuncio largo y muy notorio, una completa decepción pero aún así hay cosas peores en cartelera.

El director de la divertida serie “New Girl”, Jake Kasdan, que nos trajo en 2011 la plomiza “Bad Teacher” regresa al cine repitiendo género y un par de actores de su citado filme anterior, al igual que en aquella ocasión bajo ese supuesto tono gamberro se esconde una molesta auto-complacencia que hace la comedia demasiado suave para lo que podía haber sido, seguimos teniendo a favor un completo reparto encabezado por Cameron Díaz, Jason Segel y su peculiar aunque evidente química en pantalla y un argumento algo picante apoyado por un guión aparentemente lleno de posturas tronchantes, y digo aparentemente debido a que tras ese divertido comienzo que nos pone a tono casi todo se viene a bajo, quedan apenas las risas moderadas pues sobre todo prima una sensación de frivolidad masiva interrumpida únicamente por un par de momentos ciertamente agudos e hilarantes, no hay mucho más que decir antes de entrar en materia salvo que “Sex Tape” no es una comedia, sino un anuncio largo.

Crítica de “Anarchy: La Noche de las Bestias”

-Es como si la primera parte se hubiera quedado sin aquellas estupendas ideas iniciales y las hubiera sustituido por violencia y clichés, toda una hazaña soportar esta película de principio a fin sólo soportable por críticos, perturbados mentales y personas con muy mal gusto.

-Personajes planos y estereotipados, giros de guión tan previsibles que dan nauseas y una trama tan fina como el papel de fumar, todo sostenido por mil y un clichés y un absurdo absoluto.

El director James DeMonaco vuelve tras firmar su exitosa “The Purge” con la secuela de la misma, cuando el año pasado acudí a ver la primera parte mis conclusiones fueron heterogéneas, por un lado los primeros veinte minutos me resultaron de lo más interesantes, cómo se creaba aquella distopía, la manera con la que el guión encontraba inteligentes y retorcidas ideas en relación a la Purga y también la tensión que lograba el filme en esos primeros minutos, sin embargo transcurrido ese tiempo todo iba por el desagüe, el guión se volvía terriblemente idiota y además veías cada giro mucho antes de que ocurriera, los personajes eran incoherentes y lo peor de todo es que aquella excelente premisa no pudo llegar a estar más desaprovechada, así que después de todo la película me pareció un bodrio; imaginad mi sorpresa cuando supe que con tan solo un año de diferencia llegaba a los cines la secuela de aquella que pudo ser y no fue, pocas expectativas quedan tras ver el trailer pero aún así me decido a asistir a esta segunda oportunidad de DeMonaco para redimirse, ya no está el siempre magnífico Ethan Hawke, o la contenida Lena Headey, en su lugar tenemos al duro Frank Grillo con un atormentado personaje en busca de venganza pero que actúa de buen samaritano porque sino no habría película, con esto y un poco de olfato ya adivinas un par o tres supuestas sorpresas del guión que son puros clichés, y es que básicamente todo giro, personaje o cualquier cosa que rodeé a esta película lo has visto cientos de veces en películas “mejores”, y no lo digo sin pensarlo, pues además de ser un rato peor que su antecesora -era difícil- tras perder tanto el efecto sorpresa como todas y cada una de las virtudes de la original, además, es que se sitúa en mi top tres de peores películas del año. Si después de leer lo siguiente aún queréis ir a ver esta horrible secuela está claro que tenéis personalidad, pero os va a costar caro.

Crítica de “El Amanecer del Planeta de los Simios”

-Un blockbuster espectacular, emocionante, inteligente y completamente revolucionario, la película tiene alma, incluso los efectos digitales la tienen.

-Un secuela varios niveles superior a su antecesora, expande las fronteras de la saga e introduce nuevos y brillantes temas para llevarla un paso más allá; el trabajo de Serkis es indescriptible, en términos formales una interpretación extraordinaria.

Cuán longeva es la saga de los Simios, desde que en 1968 Charlton Heston se metiera en la piel del astronauta George Taylor para protagonizar una de las mejores películas que nos ha dado el género de la ciencia ficción, el diseño de producción, la banda sonora, la fotografía y en especial su memorable desenlace que sin duda se encuentra en la mayoría de listas de películas con mejores finales de la historia, una pena que tras aquella joya la saga cayera en la comercialidad con posteriores secuelas que cada vez reducían más su calidad, después de miniseries, series animadas y de años sin actividad, el director Tim Burton decidió realizar un remake en el año 2001, que sin ser una basura o una mera copia (se alejó bastante de lo que hizo Schaffner) no llamó demasiado la atención y a algunos amantes acérrimos de la original les pareció horripilante, una década después el director Rupert Wyatt sería el encargado de hacer resurgir la saga con un precuela que no lo era exactamente en los términos habituales pero que le encantó tanto a la crítica como al público, yo fui algo más duro con ella pues a pesar de sus evidentes virtudes tenía demasiados problemas y sufría de las imposiciones de todo superproducción de Hollywood, tres años después, en este momento llega la nueva entrega de nuestra saga simiesca preferida, con uno de esos títulos largos por los que es reconocida, y lo de amanecer le viene que ni pintado, el verdadero renacer de la saga, una halo de esperanza dirigido por Matt Reeves (Monstruoso) que cambia la fórmula del blockbuster, le da una vuelta de tuerca al uso de la “motion capture” y un futuro que no podía ser más prometedor tanto para la saga como para el propio señor Reeves, y a Andy Serkis ya le pueden empezar a llover la nominaciones a premios que tanto lleva mereciendo porque su interpretación es digna de respeto, menosprecien lo que quieran los de la Academia pero Serkis es un genio y su César es el personaje más humano, creíble y empático de la película y uno de los mejores de los últimos años.

Crítica de “Bajo la misma estrella”

-Un filme de tremenda sensibilidad, tan amable como despiadado y a medio camino entre el más puro cliché y la inteligencia más arrolladora.

-El increíble reparto y la comedia son los factores que convierten a la película en algo más que un simple aparato de lacrimogenia, Woodley incendia la pantalla con su estupenda interpretación.

Una de las citas cinematográficas más esperadas de este verano es la adaptación de la aclamada novela de John Green, el drama romántico entre la encantadora Hazel y el carismático Gus había roto récords y todas las adolescentes estaban ansiosas por ver la historia en la gran pantalla junto con media docena de paquetes de pañuelos, la dirección a cargo de Josh Boone (Un Invierno en la playa) y el dúo Neustadter-Weber el encargado de escribir el guión de la cinta, un par de guionistas bastante apropiados pues se han encargado conjuntamente de los libretos de otros drama románticos como “500 días juntos” o “Aquí y ahora”, esta última está protagonizada también por Shailene Woodley. Una de las cosas más atrayentes de esta propuesta juvenil es su reparto, donde encontramos a la antes mencionada Shailene Woodley seguida de actores jóvenes con poco recorrido como Ansel Elgort (que trabajó con ella en Divergente) o Nat Wolff y otros mucho más veteranos como Laura Dern o Willem Dafoe; aunque la película va dirigida especialmente a fans que busquen la lágrima fácil un espectador más versado o exigente encontrará material interesante, inteligencia, buen humor y excelentes actores, pero mejor aún, no encontrara ningún tipo de criatura sobrenatural adolescente ni esas chorradas varias, no hay ni vampiros ni alienígenas enamorados, aunque la manera de manipular sea en algunos casos realmente rastrera lo que tenemos aquí son dos jóvenes normales, dos potentes personajes y sentimientos muy reales.

Crítica de “Mil maneras de morder el polvo”

-Un western cómico dolorosamente irregular, tiene tantas cosas a favor y tantos momentos brillantes que es una pena que la mitad de la película sea tan tonta y poco graciosa.

-Un reparto increíble, guiños y cameos mires donde mires y muchas risas no proporcionadas, aún así 116 minutos son demasiados para Seth MacFarlane.

Del tío que nos trajo “Ted”, como olvidarse de la ópera prima del señor MacFarlane, tantas carcajadas y su no tan pequeño corazoncito consiguieron que aquel incorregible osito de peluche me conquistara, de hecho su aventura úrsida se convirtió en una de las mejores comedias gamberras que he visto en los últimos años, tras ese excelente debut había que prestarle la debida atención a la nueva película del señor MacFarlane, más aún siendo un western. Sólo hay que mirar el reparto para tener una razón por la que ir al cine a ver “A Million Ways to Die in the West” (el título original es mucho mejor), cierto que uno de los mayores errores de la película es que MacFarlane sea el protagonista, pues aunque entiendo que según sus sueños de la infancia quisiera ser el protagonista de su propio western la verdad es que todos los secundarios se lo meriendan, es un actor bastante flojillo y gesticula demasiado, por otro lado es un personaje que cuadra muy bien con su forma de ser y además como guionista y director poca gente le puede ganar cuando se trata de hacer reír, volviendo al tema, Charlize Theron, Liam Neeson, Sarah Silverman y el resto del conocido elenco realizan unas muy divertidas intervenciones, el guión está escrito por el trío MacFarlane-Sulkin-Wild, los cuales se encargaron de “Ted”.

Crítica de “Open Windows”

-Un provocativo thriller informático brillante en su estética y sus –no pocas- ideas innovadoras pero que no convence igual en su argumento ni su guión.

-Vigalondo hace un trabajo espléndido narrando mediante ventanas esta intriga de ritmo frenético inagotable, lo que empieza recordando a Hitchcock pronto se vuelve convencional para acabar sepultándose bajo una tonelada de giros de guión estúpidos.

La nueva película de Nacho Vigalondo no ha dejado indiferente a nadie, por un lado tenemos a Elijah Wood y a Sasha Grey como protagonistas de la susodicha y por el otro una interesante historia de suspense a través de la cámara de un ordenador, el señor director se beneficia de la interactividad digital para ofrecer cientos de recursos visuales interesantes: streamings, cámaras de vigilancia, webcams, cámaras de móvil, etc. Al mismo tiempo lo que nos transmite es un mensaje muy claro sobre los problemas de nuestra era digital, de la hiperconectividad, la hipervigilancia, de la monomanía por la fama y de todos nosotros como voyeurs informáticos, de una manera perturbadora pero también perversamente cómica.