Crítica de "El gran showman"

-Un espectáculo llamativo y con ritmo que no cumple más allá de sus coreografías.

-Sin duda necesitábamos que Hugh Jackman volviera al género.

Es casi poético que este supuesto biopic del polifacético y controvertido showman P. T. Barnum sea una complaciente y marchosa farsa, un artificio hollywoodiense con el que cautivar al gran público. Ni es una película biográfica ni intenta serlo en ningún momento. De hecho reconfigura al famoso personaje reduciendo casi todas sus sombras para dejarlo bastante irreconocible. Ésto le permite a los guionistas Jenny Bicks y Bill Condon escribir una historia delgada, simplista y predecible que no moleste demasiado a lo realmente importante de la propuesta, el apartado formal. Michael Gracey, creativo publicitario y especialista en efectos especiales, debuta en la dirección con este musical dramático que llega dispuesto a encandilar a los académicos con su narrativa clásica, sus pegadizos temas pop, sus estupendas coreografías, su diseño de producción y un atractivo reparto encabezado por Hugh Jackman, Michelle Williams, Zac Efron y Rebecca Ferguson. Que empiece el show.

Crítica de "Jumanji: Welcome to the Jungle"

-Ni es la original ni tampoco intenta parecerse. Las reglas han cambiado.

-Dwayne Johnson, tan carismático como siempre, brinda una interpretación cálida y juguetona. Autoparódica y muy digna.

Hace 22 años que se estrenó una de las mejores películas de Joe Johnston. Un filme familiar que ahora es considerado “de culto” por muchos que lo descubrieron cuando aún eran críos; pues quedaron extasiados por sus maravillas visuales (ahora envejecidas) y su intacto sentido de la aventura. El título era Jumanji (suenan los tambores) y se trataba de una aventura fantástica y oscura que daba comienzo cuando un chaval llamado Alan Parris quedaba atrapado dentro de un juego de mesa mágico durante 25 años. Dos décadas después del estreno de aquella entrañable cinta y tras tres años del trágico fallecimiento de nuestro querido Robin Williams, es el director Jake Kasdan (Sex Tape) quien decide desenterrar aquel juego para introducirnos de lleno en sus verdes entrañas. Tiramos los dados, empieza el primer turno y comenzamos a recordar: “De noche vuelan. Es mejor huir. Estos seres con alas no hacen reír”.

Crítica de "Una vida a lo grande"

-Payne tiene un sinfín de buenos ingredientes y grandes ideas, pero no parece capaz de unirlos en la historia ni para la orientación del discurso.

-Hay un número sorprendente de virtudes insólitas aquí. Y por cada una, un par de problemas.

Era difícil no estar ansioso ante la nueva propuesta de Alexander Payne, un cineasta que lleva encadenando grandes películas desde hace más de una década y que incluso superó las expectativas con la hermosa y magnífica Nebraska. Otro motivo de peso para tener la fecha apuntada en rojo en nuestro calendario es la fantástica premisa que nos presenta el filme; cuyo título original es Downsizing. Unos científicos noruegos han encontrado la solución a la sobrepoblación, el exceso de residuos, la contaminación y básicamente a nuestro estilo de vida moderno, que está acabando con la vida del planeta. La idea es convertirnos en seres de 12 centímetros. Y aunque pueda sonar un poco peligroso y nada apetecible, económicamente resulta de lo más fructífero, permitiéndonos vivir en increíbles mansiones y tener los mejores cuidados a precios de juguetería. El problema de esa revolucionaria idea es que los errores de nuestra sociedad grande se van a repetir en esa falsamente utópica sociedad pequeña. Payne nos cuenta ésto y muchas otras cosas en este revoltijo semi-satírico que resulta ser su peor película. Si es que se puede decir así.

Crítica de "Star Wars: The Last Jedi"

-Tiene espectaculares batallas espaciales, poderosas coreografías, auténtico espíritu aventurero, encantador humor familiar, extraños bichejos alienígenas y una palpitante dimensión emocional. Ésto es Star Wars.

-Quédense hasta el final, nuestra princesa se lo merece.

Hoy es el día, tras dos años de espera llega a la cartelera el episodio VIII de Star Wars. A partir de ahora podremos observar a variadas legiones de supuestos fans que acribillarán la película de Rian Johnson arguyendo la "infantilización" del producto por parte de Disney. Lo hicieron también con The Force Awakens, esa polémica fotocopia (solo en su estructura) del episodio IV con la que Abrams entreabrió caminos muy apetecibles mientras nos llevaba hacia delante con un ritmo digno de los mejores maestros. El mismo público que pedía riesgos entonces, quedó hechizado un año después por la convencional Rogue One, una solvente precuela de acertado tono bélico que estaba más atada si cabe a la trilogía original que el episodio VII. Bien, ahora es el turno de Rian Johnson, y ha cometido un error muy grave, se le ha ocurrido arriesgar. El motivo de mi ironía está en la reacción de los fans, que ahora se llevan las manos a la cabeza por lo que decían querer hace dos años. Sea como fuere, la realidad es que Johnson ha cogido el testigo de Abrams quitando con determinación todo aquello que no le gustaba y rellenando el lienzo en blanco con ideas propias y elementos que le apetecía ver en una película de Star Wars. El director ha jugado magistralmente con la mitología y con el fandom para hacer feliz a su niño interior, que décadas atrás soñaba con surcar las estrellas a la velocidad de la luz. Ya dijo Luke en el trailer que ésto no iría de la forma que esperábamos.

Crítica de "Suburbicon"

-Irregular mezcla de géneros vacilante entre la escasa crítica social de Clooney y su condición de modelo mediocre de una comedia de los Coen.

-Bien narrada e interpretada. Tiene un par de deliciosos gags visuales.

Para un servidor George Clooney se hizo un nombre como cineasta cuando dirigió Good Night, and Good Luck, una de las mejores películas jamás hechas sobre el periodismo. Después de eso sorprendió de nuevo, aunque no al mismo nivel, con The Ides of March. Ahora, tres años más tarde de su condescendiente e insustancial The Monuments Men, Clooney regresa para dirigir un guion escrito por los Coen en la segunda mitad de los 80 (entre Bloode Simple y Arizona Baby) que ha fusionado convenientemente con una historia racial escrita entre él y su amigo Grant Heslov. Estamos en los años 50, brilla el sol en el tranquilo Suburbicon, un típico pueblo familiar norteamericano donde conviven felizmente americanos de todos los rincones de USA. Todo parece perfecto, hasta que una familia afroamericana se muda al barrio y desata el caos en la pacífica comunidad. Normal, nadie quiere que su parcela se devalúe.

Crítica de "Coco"

-Respetuosa y divertida oda a México y su cultura. Desbordante en lo visual pero lánguida en lo narrativo.

-Un entretenido trabajo de Pixar que se queda a las puertas de ser algo grande.

Pixar vuelve a encender sus motores para traernos su enésima obra maestra tras la impresionante Inside Out y la muy decepcionante Finding Dory. En esta ocasión la tarea es de Lee Unkrich (Toy Story 3) y es sin duda un trabajo complicado. Coco es la primera película de Pixar protagonizada por un personaje no anglosajón. Pero además la historia se aleja de sus ambientes populares para llevarnos hacia el México tradicional, y homenajear, bajo un manto de música y color, toda su cultura, su folclore y sus creencias sobre la vida, la muerte, la familia y el poder de las canciones. Pese al riesgo que puede suponer una propuesta de estas cualidades y con temas semejantes, la maquinaria de Pixar no falla cuando se trata de emocionar y divertir al espectador, especialmente al más pequeño; y de nuevo da forma a un mundo vivo y de un cromatismo alucinante que estimule el viaje hasta llegar a otra conmovedora conclusión. El inconveniente se halla entre la estupenda premisa y el emotivo final, en el entramado narrativo.

Crítica de "Wonder"

-Para los que prefieran ser manipulados con la felicidad en lugar de con la pena. Ni necesitan cambiar de marca de pañuelos.

-Jacob Tremblay vuelve a conquistar los corazones del público con una interpretación carismática y conmovedora. Excelente Julia Robert.

Todo parecía apuntar a que esta adaptación de la novela homónima de R. J. Palacio sería uno de esos insoportables melodramas sentimentaloides de superación de anomalías físicas que tanto gustan en USA. Sin embargo he de reconocer que ha dado la sorpresa, porque el director Stephen Chbosky (Las ventajas de ser un marginado) ha optado por enfocar desde una perspectiva más liviana la historia de Auggie, un niño de 10 años con Síndrome de Treacher Collins que después de varios años aprendiendo en casa se dispone a empezar al colegio. El guion está escrito a dos manos, por Steve Conrad (En busca de la felicidad) y Jack Thorne (Mejor otro día); mientras que el reparto, encabezado por el adorable Jacob Tremblay (La habitación), lo completan Julia Roberts, Owen Wilson, Mandy Patinkin e Izabela Vidovic -entre otros-. Pónganse sus trajes de astronauta, entramos al mundo de Auggie Pullman.

Crítica de "Paddington 2"

-Este oso mantiene la increíble habilidad de alegrar el día de cualquiera que se acerque a él. Deje usted que alegre su día.

-Paddington es el superhéroe que la cartelera necesita.

Paul King regresa con la secuela de Paddington (2014), aquella divertida y enternecedora sorpresa navideña que adaptaba las aventuras del famoso oso de gorro rojo y trenca azul creado por Michael Bond (que nos dejó en Junio de este mismo año). Un símbolo de la literatura infantil británica que llegaba al cine manteniendo intacta su energía, su ternura, su entrañable torpeza y sus refinados modales. En esta ocasión no hemos tenido que esperar a la navidad para disfrutar de una de las mejores propuestas familiares del año. Porque eso es precisamente está ingeniosa, amable y encantadora película.

Crítica de "En realidad nunca estuviste aquí"

-Hipnótico e incómodo. Uno de los thrillers con más personalidad e impacto del año.

-Su puesta en escena es vibrante y Phoenix compone otra interpretación memorable.

You Were Never Really Here es el regreso de Lynne Ramsay con su identidad intacta y sus formas mucho más maduras. La cineasta se apoya muy ligeramente en la novela homónima de Jonathan Ames para arrojarnos hacia una profunda pesadilla estilística en la que las imágenes y los sonidos dan forma al contenido. Su herramienta principal, además de centro gravitacional de la propuesta, es Joaquin Phoenix, esa infravalorada bestia interpretativa a la que no se le resiste nada, y que aquí encarna a Joe, uno de esos personajes rotos, solitarios y atormentados propios de las películas de Ramsay. El viaje que les espera desde aquí a los espectadores es sin duda uno de los más directos a la yugular que vayan a vivir esta temporada. Pero no se dejen guiar por las típicas frases de marketing que nos anuncian una de las mejores películas del año. Este no en un thriller que disfrutar, es más bien todo lo contrario, un noir incómodo que nos hace preguntas con respuestas que no nos van a gustar. Están avisados.

Crítica de "Asesinato en el Orient Express" (2017)

-Remake innecesario. Con adornos pueriles, decisiones fallidas e interpretaciones insípidas.

-No hay nada en la propuesta que invite a subirse a bordo si ya se conoce la historia.

No sé ustedes, pero un servidor echa mucho de menos al Kenneth Branagh previo a los proyectos de encargo, a aquel extraordinario adaptador de Shakespeare. En cuanto tuve noticias de su nueva propuesta, un remake de la fallida pero interesante adaptación que Sidney Lumet hizo de la novela homónima de Agatha Christie, ya dilucidé que sería otra película anodina del cineasta. Una conclusión para la que no se hacía necesario ser el mismísimo Poirot. No obstante, para calmar mi conciencia por el cinismo de mis prejuicios, he decidido viajar en el expreso de Branagh. Una excursión con guion de Michael Green (Blade Runner 2049) y en la que Branagh también se coloca delante de las cámaras para encarnar al propio Poirot, que gana mucho protagonismo en esta versión, abandonandose el aspecto coral de la historia. El reparto lo completan -entre otros-: Willem Dafoe, Judi Dench, Johnny Depp, Michelle Pfeiffer, Derek Jacobi, Daisy Ridley, Josh Gad y Penélope Cruz. Ahora toca subirse de nuevo al Orient Express. Los que sean primerizos pásenlo bien, los experimentados disfruten del leve traqueteo de las vías y que les ayude a conciliar el sueño, el tren -lamentablemente- no va a descarrilar.

Crítica de "Justice League"

-Échenle la culpa a Whedon, a Snyder, a los ejecutivos de Warner o a quien deseen. Justice League es, esencialmente, una mala película.

-Un batiburrillo estruendoso, deforme y manufacturado. Ni siquiera Martha podría salvar ésto.

Muchos vieron una chispa de esperanza para Warner en la Wonder Woman de Patty Jenkins, y aunque reconozco que era ligeramente más sólida que sus precedesoras de DC, no me hechizó más allá de lo que su efectiva y manida fórmula permitió. Era ligera, entretenida, políticamente correcta y para todos los públicos. Le daba al público lo que quería sin transmitir en exceso la necesidad de agradar y sin arriesgar ni un ápice. Dejaba atrás las ínfulas de oscura epicidad, densa poesía del caos y existencialismo bíblico de Zack Snyder, para entregar una aventura más luminosa pero mucho menos autoral y arriesgada; más plana y más fácil. Acto seguido tocaba el regreso de Snyder y la llegada de su JLA (Liga de la Justicia de América), un regreso truncado por una tragedia familiar que le obligó a abandonar la producción. Problema que Warner solucionó contratando a Joss Whedon, antaño maestro de ceremonias del UCM, para escribir nuevos diálogos, grabar dichas escenas y dar forma a un montaje propio que poder estrenar en cines. Whedon ha cortado mucho metraje del montaje final, ha contratado al compositor Danny Elfman para sustituir a Junkie XL y ha añadido sus reconocibles escenas engendrando a la criatura que finalmente podemos ver en el cine. Una especie de Frankestein sin alma, moribundo e incapaz de mantener unidos sus deshilachados pedazos.

Crítica de "Musa"

-Decepción mayúscula. Una cinta que no provoca escalofríos ni emoción, solo apatía.

-Vulgar, manufacturada, sin pizca de genio o inspiración. Una sucesión de escenas trilladas narradas de forma farragosa y carente de alma.

Reconozco que tenía muchas ganas de ver lo nuevo de Jaume Balagueró. Un misterio, extraños rituales y elementos sobrenaturales con resonancias al cine de Dario Argento; terreno conocido para el cineasta catalán. De hecho esta nueva propuesta me recordaba al debut de Balagueró en el largometraje: Los sin nombre. Sin embargo en esta ocasión no adapta a Ramsey Campbell, sino una de las novelas de José Carlos Somoza, titulada La dama número trece. El guion está escrito a dos manos, entre el propio Balagueró y Fernando Navarro, co-guionista de la reciente Verónica, de Paco Plaza. Finalmente, al tratarse de una co-producción entre España, Irlanda, Francia y Bélgica; encontramos un reparto internacional encabezado por Elliot Cowan, Franka Potente y Ana Ularu. Dicho ésto toca cruzar el velo para descubrir que la última obra del director de Mientras duermes es una pavorosa decepción.

Crítica de "Logan Lucky"

-Soderbergh vuelve por todo lo alto, demostrando ser no solo el rey del ritmo, sino también uno de los mejores cronistas de la Norteamérica contemporánea.

-Una de las películas más astutas e inteligentes del año. Es además un torrente de diversión disparatada con una espléndida puesta en escena y estupendas interpretaciones.

Desde 2013 el bueno de Steven Soderbergh nos había dejado en la estacada cinematográficamente hablando, su última película fue la notable e infravalorada Side Effects y desde aquello se ha dedicado plenamente a las dos temporadas de su serie The Knick. Pero muchos echábamos de menos ver el increíble talento de este singular cineasta en la gran pantalla. Solo hemos tenido que esperar hasta ayer, cuando finalmente regresó con lo que parece una simple puesta a punto de facultades o una confirmación de que su estilo sigue plenamente en forma. Aunque tal vez debajo del capó esta Logan Lucky esconda mucho más de lo que permite percibir su fachada. Como siempre han hecho las películas de Soderbergh. Porque quizás usted que lee ésto fuera a ver Magic Mike por los tipos guapos y musculados quitándose la ropa al ritmo de la música, pero aquello era también un inesperado retrato de la américa moderna, de la crisis económica, la lucha de clases y el fracaso del utópico sueño americano. Ahora obviando los niveles de lectura, lo importante es que Soderbergh regresa con una alocada comedia de atracos que subvierte Ocean's Eleven con elegancia, pasmosa facilidad y virtuosa agudeza. Así que vamos allá, a conocer a los hermanos Logan. Suena Some Days Are Diamonds.

Crítica de "Blade Runner 2049"

-Un viaje muy largo y lleno de baches que no lleva a ningún lugar nuevo, ni particularmente interesante ni mínimamente sorprendente respecto a su legendaria antecesora.

-Villeneuve brinda un torrente visual agotador y paralelamente se pasa 163 minutos dando palos de ciego.

Hoy vengo a hacer de malo, a desinflar todo el hype que los medios han ido creando con sus histriónicos artículos, poseídos por la falta de reposo postvisionado, la poderosa nostalgia y el desbordante talento visual de los señores Villenueve y Deakins. Porque aún tratándose de una más que innecesaria secuela de una de las grandes obras de la ciencia ficción, del cyberpunk y el cine negro; los responsables tras de ella hacen posible soñar con una secuela digna, de hecho eso mismo se antoja irresistible por parte de un fan que desea amar esta nueva historia producida por el propio Scott y co-escrita por el guionista de la original, Hampton Fancher. No obstante, siento decir que estamos lejos de aquella sensación que nos dejó Blade Runner, de su aura, de su aliento triste y ciertamente épico, de su belleza sucia y de sus personajes inolvidables. Esta apuesta fuerte de Villeneuve impacta como película íntegramente visual, pero nunca va más allá de su bonito envoltorio ni a nivel emocional ni cerebral. Por eso antes de empezar a escribir sobre esta inflada secuela, pido que hagan con ella lo que muchos consideran una técnica impecable para aprender a beber whisky. Échenle un poco de agua al dorado brebaje, eso reducirá la intensidad y les permitirá distinguir los sabores y elementos que lo componen. Habrán comprobado que la fuerza de este licor en particular proviene del alcohol, pero también que tras ese golpe superficial del apartado visual hay completa pobreza en cuanto a matices, emociones y sensaciones. Villeneuve ha hecho una película sin alma, pero lo peor es que ha hecho una película sin riesgos.

Crítica de "madre!"

-Aronofsky se encuentra con Polanski y ofrece uno de sus trabajos más agresivos y personales. Imperfecto, desasosegante, subjetivo y necesario.

-Se sale fatigado y descompuesto de la sala, el porqué depende de cada uno.

Era evidente que Darren Aronofsky iba a traer de vuelta la controversia con su último trabajo. Una película que puede tildarse de inclasificable aunque haya muchas, casi demasiadas, formas de clasificarla. Paramount ha decidido hacerlo -falsamente- como una película de terror, lo que llevará a muchos adolescentes a la sala para encontrarse con algo radicalmente distinto. Eso mismo ocurrió ayer en el pase al que acudí, y me hizo reflexionar sobre lo que nos propone el cineasta. En un mundo donde el cine contemporáneo vive de remakes, secuelas y películas manufacturadas, Aronofsky elige ser él mismo, el tipo pretencioso al que amas u odias, ese creador tan personal que siempre busca golpearnos con contundencia. Por tanto madre! es una obra original, pero más aún que eso, es una obra que respira gracias a la subjetividad del espectador. En un momento en el cual el gran público está tan acostumbrado a lo fácil, lo mascado y lo literal, Aronofsky propone algo que parece subversivo; que el espectador se convierta en un observador activo, que participe de lo que ve, que analice lejos de la literalidad, que entre en el juego con los sentidos prestos para ser puestos a prueba, que haga un esfuerzo para obtener algún tipo de recompensa.

Crítica de “Kingsman: The Golden Circle”

-Donde antes había originalidad, frescura, ingenio y diversión comiquera; ahora hay empache e indigestión. Es, como dirían los Statesman, una secuela de garrafón.

-Sigue siendo más divertida que las películas de Bond, pero solo que las de Brosnan, Lazenby y la horrenda Moonraker.

Sí, también me gusta mucho el cine de Matthew Vaughn, es un cineasta con el que me encantaría irme de fiesta. Desde Layer Cake me han entusiasmado todos sus trabajos, porque ha sabido mostrarnos su mala leche a través de su talento para el manejo del humor negro. Pero lo más importante es que además de acción sorprendente y chistes groseros de calidad, sus filmes siempre tenían algo que decir. Ahora que regresa al universo Kingsman, realiza la primera secuela de su carrera como director, algo curioso teniendo en cuenta que la mitad de sus películas obtuvieron al menos una secuela. En el guion repiten él mismo y Jane Goldman (El hogar de Miss Peregrine para niños peculiares) y con la globalización del conflicto fuera de los barrios urbanos de Londres, también se extiende el reparto con añadidos de la talla de: Julianne Moore, Halle Berry, Pedro Pascal, Channing Tatum, Jeff Bridges y Bruce Greenwood -entre otros-. Ahora veamos si la propuesta merece que vayamos a la cita con nuestro mejor atuendo a medida o si sería mejor acudir con un alto porcentaje de alcohol en sangre.

Crítica de "Detroit"

-Bigelow vuelve a ponernos en primera línea de fuego, esta vez para lograr que sintamos la furia y la resignación de una raza entera. A cambio trivializa y suprime elementos vitales para cualquier película, crónica o discurso.

-Will Poulter arquea la ceja y se convierte en uno de los villanos más terroríficos del cine reciente.

Kathryn Bigelow, esa irrepetible cronista de la historia de América que siempre nos zambulle en el conflicto con una intensidad dramática casi insoportable por asfixiante. No importa cual sea tal conflicto: Irak, Afganistán o en este caso los disturbios raciales que sacudieron la ciudad de Detroit en julio de 1967. No por alejarse 50 años de la época actual o cambiar el tema central de la propuesta la directora evade el thriller político en contextos bélicos que ha caracterizado sus anteriores películas. Por ello Mark Boal vuelve a estar al frente del guion, encargado de reconstruir unos terribles hechos mediante declaraciones de testigos y datos históricos. A priori todo comenzó con una redada policial en un bar nocturno sin licencia, pero nosotros sabemos que empezó siglos atrás en la historia americana. Será una narración animada a través de los cuadros de Jacob Lawrence la responsable de hacernos recordar. A partir de ahí, Detroit.

Crítica de "It"

-Es como un buen pasaje del terror: emocionante, divertido, vistoso y lleno de criaturas deformes. Pero también carente de terror.

-Muschietti ha creado una película sólida y muy entretenida que seguramente animará a las nuevas generaciones a abrir un libro de King. Y cuando abres el primero estás destinado a no parar.

En la última década la nostalgia ha traído de vuelta -más que nunca- aquellos inolvidables años 80 en forma de producciones de todo tipo. El ejemplo más reciente es la exitosa serie de Netflix y los hermanos Duffer, Stranger Things. Ejemplo muy apropiado, pues en las últimas semanas he estado leyendo a mucha gente que cree que esta It dirigida por Andrés Muschietti (Mamá) es una copia de la susodicha serie. Desde luego todas esas personas desconocen que It es una de las obras maestras de Stephen King, y que fue publicada allá por 1986. De hecho ya existía una adaptación que vio la luz en forma de telefilme en 1990, y gracias a la cual el payaso de Tim Curry se permitió aterrorizar a toda una generación. Ahora Muschietti llega decidido a narrarnos la historia de un modo revitalizado y también más fiel, capturando su cariño por la obra de King así como el espíritu de la infancia y el cruce hacia la madurez que habitan en las páginas de la novela y prácticamente en toda la obra de King. Madurar, esa aterradora cosa que convierte al payaso de Bill Skarsgård en poco más que un chiste. Antes de comenzar a escribir siempre me viene a la mente aquello de: “The scariest moment is always just before you start”.

Crítica de "Verónica"

-Paco Plaza acerca el terror hasta la puerta de nuestra casa y le invita a entrar.

-Un delicioso caramelo endemoniado de atmósfera turbadora, inquietante simbología y terrorífico significado.

Nadie olvidará cuando Jaume Balagueró y Paco Plaza llevaron el terror a un bloque de edificios que radiografiaba con humor -y acierto- nuestra sociedad española. Era difícil que el miedo se acercara más a nuestra vida cotidiana, a nuestra realidad material. Por eso [•REC] fue una película importante para la producción de cine de terror en nuestro país, y desde entonces hemos disfrutado de no pocas buenas producciones del género hechas en tierra patria. Ahora Paco Plaza vuelve a su género por excelencia con una propuesta que tiene suficiente claves como para convertirse en otro punto esencial en la historia del género. La historia está basada en unos acontecimientos reales ocurridos en el barrio de Vallecas en los años 90, que desembocaron en el único caso policial en España con referencias a elementos paranormales. ¡Cuán aterrador es pensar que la realidad pueda superar a la ficción!

Crítica de “El otro guardaespaldas”

-Rutinaria, anticuada, vulgar y desgarbada comedia de acción. Puede que el personaje de Reynolds sea un agente Triple A, pero ésto es una producción de serie B con la peor de las connotaciones.

-Es como si la propia película se disparara en el pie y fuera desangrándose a lo largo del metraje.

Empiezo estas líneas dejando clara una cosa, que no tengo prejuicios contra el cine de acción ni tampoco contra las “Buddy movies”. De hecho hay pocas cosas que suenen tan apeteciblemente veraniegas. Ahora bien, Hollywood ha logrado agotar la fórmula como con casi todo lo demás y el espectador actual necesita algo más que un par de chistes raciales o escatológicos y una ensalada de tiros entre furgonetas. Por eso Patrick Hughes, el tipo que se encargó de hundir la saga de The Expendables con aquella infumable tercera entrega, ha decidido darle una vuelta de tuerca al esquema habitual y ofrecernos un rato de buen rollo sin reglas. Aparte de su guiño paródico al filme protagonizado por Kevin Costner, la propuesta pinta bien debido a un potente reparto encabezado por ese dúo Reynolds-Jackson. Solo queda aludir a esa línea de diálogo tan utilizada en este género: ¿Qué puede salir mal?

Crítica de “Valerian y la ciudad de los mil planetas”

-Besson desaprovecha el poco potencial y enfatiza todos los problemas de este desastroso viaje veraniego que al menos ha salido más barato que fichar a Neymar.

-Con todas las posibles formas de vida extraterrestre y aún así es difícil creer que alguien pueda hacer películas peor que este señor. La dirección es desechable, el guion es basura espacial.

No leeréis aquí muchas referencias mías a esos polémicos cómics sci-fi que influyeron de sobremanera en todo el género posterior (especialmente en el cine), básicamente porque hay muy poco en esta propuesta de Valérian y Laureline, obra de Jean-Claude Mézières y Pierre Christin. Luc Besson más que pagar una deuda con el diseño de Mézières para su The Fifth Element, ha querido volver a hacer su filme más de culto en un intento de merecerse eso de “visionario” que tanto le gusta escuchar y leer. De este modo ha eliminado todo lo atractivo de las aventuras originales para entregar un vacuo y aparatoso chute de color, extragavancia y destellos digitales con la intención de hacer su propia Avatar, logrando con descacharrante ironía que la obra que permitió la existencia de Star Wars se convierta, en su transmutación al medio cinematográfico, en una copia del universo de George Lucas. Le ha costado unos 180 millones hacer un blockbuster torpe y carente de ingenio y/o interés. Una cinta facilona y tonta, repleta de problemas y con un apartado visual que no es tanto como se cree. Pero si hay algo bueno también debe ser dicho, es fácilmente olvidable.

Crítica de "Rey Arturo: La leyenda de Excalibur"

-Ritchie va un paso más allá en su rompedora modernidad realizando una película tan desechable que ha sido capaz de arrancar cualquier rastro de épica o interés de la leyenda artúrica.

-Puestos a quemar 160 millones podían haber contratado a un equipo de animadores profesionales. Para no dar semejante vergüenza ajena.

Había leído algo sobre un proyecto en desarrollo relacionado con una pentalogía de películas del Rey Arturo. Cinco películas dirigidas por Guy Ritchie y protagonizadas por Charlie Hunnam que desarrollarían una vez más la multireversionada leyenda artúrica. En los últimos años todos los intentos de hacer una buena película centrada en Arturo han fracasado, de hecho hace unos días volvieron a emitir en televisión esa especie de copia barata de Gladiator que hizo Antoine Fuqua. Este nuevo proyecto de Warner tampoco ofrecía toda la seguridad del mundo, directamente porque Guy Ritchie es un señor muy suyo y el primer trailer de esta primera entrega era el videoclip más avergonzante que uno podía llegar a esperar. Finalmente la crítica internacional se ha cebado con la película del británico y el público ha permitido que sea uno de los fracasos más estrepitosos del verano. Su presupuesto de 160 millones le ha salido muy caro a Warner hasta el punto de que se ve muy negro el futuro de las secuelas. Sea como fuere, ahora toca hablar de la película en cartelera. Una espada en una piedra, un rey loco en el trono y una torre en construcción; de momento se parece a la leyenda artúrica.

Crítica de "Dunkirk"

-Nolan nos brinda el mejor argumento posible. Ver “Dunkirk” en tu casa es una blasfemia.

-Busque el cine con la pantalla más grande y el mejor equipo de sonido de su país, va a experimentar algo increíble. La sordera desaparecerá, pero el recuerdo permanecerá ahí.

Es la segunda vez que me pongo a escribir estas líneas. En la primera ocasión comenzaban narrando mi vuelta al pie del cañón tras unas merecidas vacaciones. No obstante parece que no estaba listo para volver a dicho pie. Ahora ya sí, tras un par de semanas extra de problemas con los ordenadores dignas de ser escritas y vendidas a James Cameron para que continúe la saga Terminator, al fin puedo acabar lo que empecé el 21 de Julio. Aunque recientemente he pasado por el cine a visionar Spiderman Homecoming y Atomic Blonde, sin duda parece ideal que mi primer artículo post-vacacional sea sobre la película de la que todo el mundo lleva meses hablando, el último trabajo de Christopher Nolan, Dunkirk. Por desgracia, en nuestro país nos toca visionar el filme a través de copias digitales de insuficiente calidad para valorar al completo la experiencia creada por Nolan. A menos que sean de Barcelona y puedan acercarse al Phenomena Experience para disfrutar de esta obra en apabullante 70mm. No voy a extenderme mucho en las líneas posteriores pues llego extremadamente tarde a la cita y ya está casi todo más que dicho en este último mes. Más vale tarde que nunca, así que allá voy.

Crítica de "Wonder Woman"

-Entre el ruidoso empache épico de Snyder y la deleznable nada absoluta de David Ayer se eleva Patty Jenkins. “Wonder Woman” es pura fórmula para todos los públicos. Entretenida y ligera.

-No es una gran película de superhéroes ni una gran aventura ni buen cine bélico. Pero supone un cambio de mentalidad que afectará a la producción. Gadot y Jenkins han hecho algo importante.

Ya era hora de que las superheroínas dieran un golpe sobre la mesa y se hicieran con la gran pantalla. Wonder Woman es la primera que consigue su película en solitario en esta guerra de universos cinematográficos entre Marvel y DC. La famosa amazona llega para salvar a sus compañeros masculinos y un universo que se tambaleaba más con cada nueva propuesta hasta ese irónico suicidio dirigido por David Ayer. Se hace difícil olvidar la fuerza con la que el personaje entró en “Batman v. Superman”, mejorando la película de forma notable. Ahora, de ella depende también que esta dimensión de héroes y villanos llenos de esteroides logre levantarse de un opaco pasado y alzar el vuelo para proponer un futuro más luminoso y robusto que el del monopolio Snyderiano-Goyeriano. Patty Jenkins (“Monster”), que tiempo atrás abandonara “Thor: The Dark World” por diferencias creativas, dirige este éxito de crítica y público que ya es la película de acción real dirigida por una mujer más taquillera de la historia. Allan Heinberg escribe el guion para una historia con mano de Zack Snyder. Por último Gal Gadot vuelve a ponerse su armadura, pero esta vez acompañada por: Chris Pine, Robin Wright, Connie Nielsen, David Thewlis, Danny Huston y Elena Anaya -entre otros-. Veamos si era verdad aquello de que cuando la oscuridad se acaba para dar paso a un nuevo día, el sol brilla más radiante aún.

Lista de las 10 mejores películas de 2016 (por orden de preferencia)

En este artículo llevaré a cabo la lista de las 10 mejores películas del año (2016) según mi criterio. Las películas estarán en orden de preferencia. El calendario seguido es internacional, por esa razón la lista se ha hecho esperar hasta Junio.

Lista de las 10 peores películas de 2016 (de peor a menos mala)

En este artículo llevaré a cabo la lista de las 10 peores películas del año (2016) según mi criterio. Las películas estarán ordenadas de peor (1) a mejor (10). No hace falta decir que la intención de este listado es avisarles con antelación para que eviten el visionado de cualquiera de estas nocivas obras y que cada uno deberá hacerse responsable de las consecuencias de hacerlo.

Crítica de "Piratas del Caribe: La venganza de Salazar"

-Todo resulta forzado e irrisorio en este perezoso intento de reflotar la famosa franquicia.

-Los nuevos fichajes del reparto aportan lo más destacable de la cinta, que está a un paso de ser tan criminal como la piratería.

Recuerdo cuando llegaron los Piratas del Caribe al cine la primera vez, una magnífica forma de traer de vuelta un género de aventuras que me encantaba de niño. Resulta curioso que con cada nueva película la franquicia se haya acercado más a sus orígenes, las atracciones de un parque temático. De ahí salió la idea, simplemente Disney vio un buen filón y lo aprovechó. Ahora bien, cuando digo que se acerca a sus orígenes en este sentido, me refiero a que cada vez hay menos cine en estas películas y más entretenimiento mecánico para un gran público que disfruta de una fórmula calcada que se agotó hace mucho. Como cada nuevo viaje en una montaña rusa, cada nueva entrega sigue ofreciendo vaivenes, giros y hasta algún sobresalto, pero la sensación de subir una y otra vez en la misma atracción, pese a cierta nostalgia de la primera vez, es la de algo anodino, reiterativo y carente de ningún riesgo. A eso hay que sumarle uno de los problemas estrella de los últimos viajes de Jack Sparrow; la reducción al mínimo del género aventurero para dejar paso a un desesperante elemento de comedia caricaturesca. En este quinto filme pirata, cogen el testigo de Rob Marshall los directores Joachim Rønning y Espen Sandberg, con un curriculum entre la infumable “Bandidas” y la admirable “Kon-Tiki”. Al conocido reparto se unen algunas novedades, entre ellas: Javier Bardem, Brenton Thwaites, Kaya Scodelario y David Wenham. Veamos si el quinto viaje en esta atracción aún mantiene algo de interés, aunque sea por el mareo.

Crítica de "Déjame salir"

-Una furiosa sátira social a medio camino entre el chiste racial, el terror paranoico y el retrato de la América moderna.

-Peele es un tipo inteligente y gracioso, con la capacidad de ser subversivo al bañar los códigos del terror en un humor negro muy actual. Hacía tiempo que no me reía tanto estando tan agobiado.

Bajo todo el típico marketing de película de terror comercial que hará sentirse estafado a un importante segmento del gran público, se halla otra de esas propuestas del género que nos han estado desconcertando, inquietando y maravillando a partes iguales en los últimos años. Esta temporada, el encargado de hacer realidad nuestras pesadillas, o más bien de acercarnos a una aterradora realidad actual mediante la exageración de la ficción -esta vez sí- inspirada en "hechos" reales, es el comediante y actor Jordan Peele. Un tipo que ha sabido deconstruirse para rebrotar con sus facultades humorísticas orientadas a crear una impagable sátira de horror a través de un guion provocativo y muy afilado. A su sorprendente debut tras las cámaras se une un reparto de actores en plenas facultades. Encabezado por una de las sorpresas del momento, Daniel Kaluuya (Sicario), y completado por: Allison Williams, Catherine Keener, Bradley Whitford, Betty Gabriel y Caleb Landry Jones -entre otros-. Cuidado con entrar en este show, quizás luego no puedan -o no quieran- salir.

Crítica de "Alien: Covenant"

-Mitad terror de serie B sobre asesinos en serie y mitad ciencia ficción filosófica. Scott tiene demasiado miedo a arriesgarse de verdad, pero su talento es inconstestable.

-Aunque intentan -sin éxito- que la correcta Katherine Waterston sea la nueva Sigourney Weaver, es Fassbender el que se hace con la función desde el primer minuto en pantalla.

Me considero un gran defensor de Ridley Scott. Creo que después de sus obras maestras aún creó cine brillante. Aquella tragicomedia negrísima protagonizada por Nicolas Cage (Matchstick Men), la epopeya criminal que enfrentó a Denzel Washington con Russell Crowe (American Gangster) o la incomprendida The Counselor, que tenía uno de los mejores guiones con los que jamás ha trabajado Scott. Pero reconozco que este cineasta ha pasado a la historia por sus tres primeras películas, en especial por Alien y Blade Runner. Dos cintas que me marcaron como amante de la ciencia ficción. De Alien vi una secuela muy interesante, entretenida y anabolizada de James Cameron, un fracaso curioso de David Fincher y una desastrosa juerga con vacuas pretensiones dirigida por Jean-Pierre Jeunet y escrita por Joss Whedon. Pero nunca esperé que el propio Scott recuperara su universo para hacer algo como Prometheus, un proyecto de inmenso interés que no salió tan redondo como debía. No obstante, también reivindico esa obra de Scott, pues pese a que los elementos más básicos del guion fallaban estrepitosamente, también se formulaban preguntas fascinantes, aún más intrigantes al presuponer imposible una respuesta para ellas. La secuela de aquella película, razón por la que escribo estas líneas, cambió de título para añadir el famoso Alien. Scott dejó de rechazar la relación con su película original y aceptó que los fans querían más Xenomorfos. Por esa razón con la ayuda de los guionistas John Logan y Dante Harper, ha vuelto a un territorio conocido para comenzar una nueva serie de películas que nos dejen dónde comenzó todo, junto a la Teniente Ellen Ripley; pero con más respuestas que preguntas, a priori. Veamos como le ha salido la jugada al tito Scott.

Crítica de "The Lost City of Z"

-Son 140 minutos de puro cine. Narrado y rodado con maestría, y bien interpretado.

-Demos gracias porque aún quedan directores que hagan películas como esta.

Llevo años diciendo que James Gray es ese gran director desconocido. Un autor de caligrafía y personajes clásicos (uno de los escasos herederos del clasicismo cinematográfico junto con Jeff Nichols) pero con aliento contemporáneo. Un tipo de inmenso talento visual, capaz de lo más sobrio y lo más poético, cuyos personajes viven a a través de las imágenes que él crea, en géneros que renueva gracias a sus riesgos narrativos, sus hábiles puntos de vista y una personalidad sólida que va más allá de sus refinadas influencias “coppolienses”. En esta ocasión no me voy a parar a hablar de su filmografía, algo que he hecho en artículos anteriores, pero sí diré que su nueva película es el proyecto más ambicioso que ha llevado a cabo hasta la fecha. Como no puede ser de otra manera, Gray firma el guion de esta aventura en la que nos narra la vida y hazañas del británico Percy Fawcett, perseverante militar y explorador que participó en una expedición tras otra, convencido de poder encontrar la legendaria ciudad de Z. Charlie Hunnam interpreta al personaje con elegante porte y reconocible voz grave, brindándole la necesaria complejidad pero más centrado en favorecer a la historia y al propio personaje que a si mismo como actor. El elenco lo completan: Sienna Miller, Tom Holland, Robert Pattinson, Angus Macfadyen y Bobby Smalldridge -entre otros-. Bien, veamos si en el fondo de la selva hallamos oro y conocimiento o por el contrario Gray nos lleva a perdernos en medio de los árboles.

Crítica de “El círculo”

-Preferiría trabajar en atención al cliente que volver a ver una película tan idiota como ésta.

-Aún nos faltan años para derrocar dictadores enviando caritas enfadadas, pero tal vez unos cuantos “dislikes” sirvan de retroalimentación para los responsables de esta pifia. Igual nos devuelven el dinero.

La carrera de James Ponsoldt se iba cimentando de forma muy sólida, con proyectos independientes de sumo interés. En 2013 se estrenó The Spectacular Now, un conmovedor retrato de la adolescencia y el paso a la madurez, dos años después el director entregaba The End of the Tour, estupendo y reflexivo drama de ritmo sosegado, con un inteligente guion y el duelo interpretativo entre Eisenberg y Segel. Ahora que han pasado otros dos años, Ponsoldt nos trae una propuesta muy llamativa, la adaptación del famoso best-seller de Dave Eggers, El círculo. La película no llega en mal momento, ahora que Black Mirror tiene a todo el mundo atrapado en su red y aviva nuestros presagios sobre los males de Internet, la evolución de la sociedad cibernética y la eliminación de la privacidad y la identidad del individuo. Para buena noticia de los fans, el guion lo co-escriben Ponsoldt y el propio Eggers. Además tenemos la música de Danny Elfman, la fotografía de Libatique y un reparto atractivo encabezado por Emma Watson y completado por Tom Hanks, John Boyega, Karen Gillan, Bill Paxton y Ellar Coltrane -entre otros-. Como ocurre con Internet y su imparable progresión, este equipo de profesionales nos hace preguntarnos: ¿Qué puede salir mal?

Crítica de "Guardianes de la galaxia Vol.2"

-Puede que el público la adore por su mezcla de acción incesante y diálogos ágiles repletos de gags y humor nostálgico; pero lo mejor de este volumen 2 es la atención al interior de sus personajes.

-Gunn ha explotado totalmente su amor por el cine de Serie B en esta secuela mucho más inteligente de lo que se ve a primera vista.

Sin rodeos ni saltos espaciales. No es difícil saber que el UCM me ha ido entusiasmando más y más desde que decidió especializar cada película en un género diferente para que las tropecientas cintas anuales no se nos hagan tan cansinas. Avengers (2012) fue una película clave, una declaración de lo que se podía lograr uniendo a los héroes tras sus películas individuales, un logro (para bien y no tan bien) del cine como entretenimiento y un regalo para cualquier fan de los cómics que no fuera especialmente quisquillosos para entender que el universo cinematográfico no seguiría los pasos de lo narrado en las grapas. No obstante, la película estrella de la casa de las ideas es, fue y probablemente será Guardians of the Galaxy (2014) de James Gunn. Un prodigio de Space Opera convertida en película de culto instantáneo, el Star Wars de la nueva generación. Pura nostalgia, puro color, puro exotismo visual, puro cariño por los personajes y chabacanería paródica para dar el contraste necesario a todo ese cine superheroico post-Nolan necesitado de filosofía trascendente, oscuridad épica y delirios de tragedia. Un recuerdo valioso de como era el cine de entretenimiento de antaño. Ahora, después de tres largos años de espera, regresan nuestros forajidos favoritos. Con James Gunn de nuevo a los mandos de la nave y un potente reparto que crece gracias a los fichajes de Kurt Russell, Sylvester Stallone y Elizabeth Debicki; entre otros. Abrochaos los cinturones, vamos a hablar de esta nueva y psicotrópica aventura espacial. Darle play al volumen 2.

Crítica de "Lady Macbeth"

-Me atrapa su poderío formal, exuberante en cada imagen. Pero el contenido no tiene doblez ni hondura de ningún tipo, es una provocación vacua y traicionada por sus propios actos.

-Gustará a los que busquen una histriónica telenovela de rebelión femenina demasiado centrada en el golpe de efecto para atender a las cosas que importan.

Una de las última propuestas potentes del pasado 2016 que aún quedaban por llegar a la cartelera española era este debut en el largometraje del cortometrajista William Oldroyd. Para los que estén algo perdidos, esta historia no está relacionada con el texto de Shakespeare, sino con la novela de Nikolai Leskov, cuyo título sí está hábilmente vinculado con la tragedia del bardo inmortal. Del libreto se encarga Alice Birch, actriz que debuta en ésto de la escritura de guiones. La protagonista de la historia es Katherine (Florence Pugh). Una joven recién casada, debido a una venta de tierras, con un hombre amargado que no la quiere. Ambos viven con el padre de éste, un viejo aún más odioso. Así es como Katherine irá entrando en un estado de rebeldía cuyos actos deberían llevarnos al límite de la duda moral. Deberían.

Crítica de "John Wick: Pacto de sangre"

-Un buen puñado de escenas de lucha minuciosamente ejecutadas son el plato principal de esta secuela. También el aperitivo, el entrante, el postre y hasta el café del final. No hay nada más.

-Toda película, del tipo que sea, necesita de un argumento creíble que la haga avanzar. La acción por la acción no es suficiente.

El estreno de esta secuela de John Wick es casi como un acontecimiento en la cartelera española. La primera entrega nunca llegó a estrenarse en nuestras salas. En lugar de eso hubo que conformarse con verla por Netflix. Pero bien merecía una sala de cine, porque aquella película dirigida por Chad Stahelski y David Leitch es sencillamente unos de los mayores placeres que el cine de acción me ha proporcionado en años. Recuperar al Reeves más contenido (seamos buenos) para convertirlo en un personaje que destila misterio y “fuckerismo” e introducirlo en una cruda historia de mafias sobre un brillante submundo de asesinos por contrato. Además con una excusa argumental que funciona rematadamente bien y con un apartado visual que deleita con el aprovechamiento de las localizaciones y de paso unas coreografías de lucha para mojar pan. Normal que ya sea casi como una película de culto. Por esa razón esta secuela dirigida por Chad Stahelski (Leitch está con Atomic Blonde) era bien esperada, y parece que ha sido aún mejor acogida. Personalmente me han sobrado segundos para ponerme mis mejores galas e ir a disfrutar de esta maravillosa serie B. Por desgracia, me ha decepcionado.

Crítica de “Fast & Furious 8”

-El trailer resume los pocos puntos convincentes de la película sin intoxicarnos con esa chorrada de argumento y demás balbuceos rancios del guion de Chris Morgan.

-Las escenas de acción no tienen ingenio, las actuaciones son terribles, las líneas de diálogo no entran ni en la serie B y ni siquiera es capaz de suspender nuestra incredulidad.

Creo que es la primera película numerada con un 8 de la que hago una crítica. Tenía fe en que algo me llevara a entender la razón de hacer tres películas más de esta saga a pesar del estupendo cierre que James Wan le dio a la franquicia en la séptima. Quería refugiarme en Dwayne Johnson desviando un torpedo soviético y cosas de ese tipo; pero no ha sido posible. La entrada de F. Gary Gray (The Italian Job) no me pareció una mala decisión y todo parecía apuntar a que esta octava entrega seguiría eso de la “desmesura sin reglas” que ha ido adoptando la saga poco a poco hasta que sus héroes han entrado a jugar en la liga de los James Bond, los Ethan Hunt, los mercenarios de Stallone y hasta los Vengadores de la Marvel. Porque éstos fenómenos de las carreras callejeras pueden literalmente con cualquier amenaza planetaria. El nuevo rumbo no convence a aquellos fans que buscan las carreras callejeras y el “tunning” de antaño, pero las cifras indican que convence a mucha otra gente. Personalmente he ido apreciando más la saga con el paso del tiempo, por algo la séptima entrega me parece la mejor y más entretenida con diferencia, ya que juega con sus propias reglas y gana. La octava parecía ir en la misma dirección, pero se han cometido dos errores imperdonables. Primero, ponerle óxido nitroso a un vehículo oxidado y hueco; segundo, correr una carrera contra sus valores y su propia leyenda.

Crítica de "The Boss Baby"

-Tan chapucera y soporífera que he tenido la sensación de hacerme viejo y cascarrabias en la sala.

-Es como intentar hacerle a alguien cosquillas con un trozo de lija durante una hora y media.

Tom McGrath se hizo un nombre en esto del cine de animación gracias a la aplaudida Madagascar y a sus no tan aplaudidas secuelas. La dirección de esas películas transcurrió mano a mano con Eric Darnell, que venía de trabajar en una de las mejores películas de animación de finales de siglo, Antz. En 2010 McGrath llevó a cabo un proyecto en solitario, Megamind, una sátira superheroica que nunca he llegado a ver al completo. En esta ocasión no hay superhéroes, solo un bebé parlante con traje a medida y muchos fajos de billetes. La historia se debe al libro homónimo de Marla Frazee, y aunque la premisa no es imaginativa ni innovadora, quedaba la esperanza de que Dreamworks nos conquistara con una realización deslumbrante.

Crítica de “Life” (Vida)

-Sin llegar a la categoría de “basura espacial”, este insuficiente e indolente remedo sci-fi hace ambicionar una siesta en alguna cápsula de hibernación cercana. Aunque la butaca es suficiente.

-No hay vida en esta película ni particular ingenio en sus responsables, el descubrimiento es ver que Ryan Reynolds ha sido absorbido por el papel de Deadpool.

Hay películas que provocan pereza. Ahora mismo aún me pesa ese sentimiento debido al visionado reciente del nuevo trabajo de Daniel Espinosa. Por tanto no voy a ponerme difícil esta introducción y simplemente haré la típica referencia al director. Este cineasta sueco-chileno se dio a conocer de forma internacional con Dinero fácil, un frío y solvente thriller dramático protagonizado por Joel Kinnaman. Su posterior salto a Hollywood le ha venido muy mal al director, ya que tanto Safe House como Child 44, sus siguientes películas, fueron thrillers mediocres y desaprovechados. En esta ocasión permanece en el género pero mudando hacia el terror y en un contexto de ciencia ficción. Life es una claustrofóbica cinta de horror espacial escrita por los guionistas de Deadpool y con un atractivo reparto coral. A pesar de lo bien que suena ésto, lo único bueno es que en el espacio nadie puede oír nuestros ronquidos.

Crítica de "Ghost in the Shell" (2017)

-Hollywood le ha arrancado el alma, la poesía, la belleza y la inteligencia a la historia de Masamune Shirow. Los pezones son lo de menos.

-Sanders nos recuerda el peor significado de los términos “remake” y “blockbuster”.

Puede que no sepan quien es Masamune Shirow. Tal vez hasta ahora no conocieran esta inabarcable obra suya o que lo hicieran gracias a la adaptación que Mamoru Oshii hizo en 1995. Si su primer encuentro con la historia de Motoko Kusanagi es con este remake de imagen real escrito por William Wheeler (Queen of Katwe) y dirigido por Rupert Sanders (Snow White and the Huntsman), lo siento mucho por ustedes, pero ni está cerca de hacer honor a una de las mejores obras del Cyberpunk. En seguida les explico las razones por las cuales la atrayente puesta en escena y las tramposas ínfulas metafísicas son un mero envoltorio para otro blockbuster Hollywoodiense sin pizca de personalidad o contenido. No obstante, si han venido a leer mis reproches sobre el casting occidental, ya saben dónde está la puerta. Esta cinta tiene bastantes problemas que comentar sin necesidad de meterse en otras polémicas mucho menos interesantes. Vamos allá.

Crítica de "La cura del bienestar"

-Deben aventurarse en este viaje comprendiendo que el sentido fundamental del terror no es ser coherente, complaciente o sobrio, sino aterrador.

-Una historia interesante, una atmósfera densa y un apartado visual para perderse en él. Si les gusta el terror gótico tienen aquí una cita obligada.

Sé de sobra que no ha gustado demasiado este demente trabajo de Gore Verbinski, pero a mi me ha entusiasmado. He dejado que repose el tiempo suficiente y sigue retorciéndose en mi mente como una anguila colérica. Porque es una película bastante subversiva, que sale de los terrenos marcados y respira con pulmones propios. Uno de los trabajos más personales y autorales de este cineasta que tras sorprender con su remake de The Ring me cautivó con una de las mejores comedias dramáticas de la primera década del siglo XXI, The Weather Man, y con una cinta de animación con la que rompí el aplausómetro, Rango. También es cierto que su anterior película, la adaptación larga, aburrida, tópica y absurda de The Lone Ranger, fue una tortura. Pero solo es porque este señor necesita salir de los proyectos de encargo y trabajar según sus términos, germinando hasta convertirse en una especie de enfant terrible surgido de Hollywood. Eso ha hecho en esta ocasión, con la ayuda del desigual guionista Justin Haythe (Revolutionary Road, Snitch), y el resultado no dejará indiferente a nadie. No esperaba menos de Verbinski.

Crítica de “Southpaw”

-Jake Gyllehaal te destroza con una zurda demoledora, su interpretación es salvaje y arrolladora.

-Típico drama sobre el boxeo con trama de redención y exceso de sensiblería. Fuqua sabe como hacer que algunas escenas funcionen mejor de lo esperado.

El boxeo siempre ha sido un tema de relativa frecuencia en el cine y durante los últimos años han llegado a la cartelera películas excelentes que radiografiaban este controvertido deporte así como la vida y la filosofía de sus boxeadores. No sólo eso, el género ha sabido complementarse perfectamente con el drama desde muy atrás, brindando historias fascinantes, humanistas, redentoras, vengativas y también tratando infinidad de temas o retratando variedad de épocas y ambientes. Todo el mundo recuerda Rocky o Raging Bull (una de las películas favoritas de este crítico) pero no sólo de esos clásicos vive este género. Sería imposible no acordarse, por ejemplo, de aquella demoledora Body and Soul (1947) de Robert Rossen o de uno de los mejores papeles del inigualable Paul Newman, que allá por 1956 interpretaba al púgil Rocky Graziano en el fascinante drama biográfico dirigido por Robert Wise; con un fugaz cameo que supondría el debut de Steve McQueen. Persiste también el recuerdo de aquella tercera colaboración entre Jim Sherindan y Daniel Day-Lewis titulada The Boxer, en la que el actor ofrecía uno de sus trabajos más fascinantes. Y si lo que quieren son ejemplos actuales, hay a puñados. Desde las más infravaloradas como Cinderella Man de Ron Howard o, a principios del nuevo siglo, el Ali de Michael Mann; hasta algunas de las más reconocidas como Million Dollar Baby, The Fighter, The Wrestler o más recientemente Creed de Ryan Coogler. En esta ocasión ha sido Antoine Fuqua quien ha decidido probar suerte en este deporte, y para ello cuenta con Jake Gyllenhaal, que se sube al ring dispuesto a darlo todo con una interpretación comprometida e inflamable, otro punto que añadir a una carrera alucinante. En su esquina encontramos también a algunos secundarios de lujo, entre los que destacan: Rachel McAdams, Naomie Harris y Forest Whitaker, que hacen un trabajo más que correcto. Nos ha llegado con mucho retraso, pero al fin la tenemos en cartelera, y deben ustedes preguntarse: ¿Es esta una película ganadora?

Crítica de "Crudo"

-Ópera prima de determinación, valentía y personalidad arrolladoras. Impactante, inteligente y tan aterradora como auténtica.

-Ducornau nos abre el canal con precisión y confianza. Todo un tour de force para el espectador.

Después de una sofocante campaña de marketing, he ido a ver Crudo, el debut de la directora francesa Julia Ducournau. En la sala no ha habido ningún desmayo o desfallecimiento, y lo primero que hay que tener claro cuando hablamos de esta película, es que no se parece a lo que les han estado vendiendo. Las apuestas de terror no convencionales, en especial esta nueva ola repleta de cineastas con cosas que decir y comprensión de las claves del género para engendrar y trasmitir sus ideas, caen ante sus propias campañas de publicidad que, por irónico miedo a que su película no sea un éxito, juegan a la prestidigitación para vender algo que no es exactamente lo que encontraremos en la sala de cine. Lo sufrieron los trabajos de Shyamalan (The Village), lo sufrió The Witch de Robert Eggers y también Babadook; tuvo más suerte It Follows. Todas grandísimas películas que rechazaban las fórmulas manidas para renovar un género poco inspirado en los últimos años. Pues bien, esta vez lo está sufriendo Crudo. Mi trabajo con este artículo es darles un contexto correcto, para que vayan a ver la película que realmente está en la sala.

Crítica de "Gold"

-Un filme de planteamientos interesantes que no tiene el arresto para profundizar en ellos. Queda un correcto entretenimiento superficial.

-McConaughey, entre el chiste y el tour de force, electrifica esta historia convencional y familiar.

La primera vez que vi esas letras doradas y oí hablar de esta propuesta, me resultó muy interesante. Me refiero a la propuesta con el equipo actual, después de que Paul Haggis y Michael Mann salieran del proyecto y mucho antes de que nuestros traductores chafaran la película con ese título tan innecesario. Aún había personas que la relacionaban con una de mis películas favoritas de todos los tiempos, The Treasure of the Sierra Madre de John Huston. Escuchando eso y sumando el resto de elementos atractivos, uno podía imaginarse que Gold sería una de las grandes apuestas del 2016, pero ahora que ha llegado a cartelera veo que no ha tenido un gran recibimiento y en general ha pasado desapercibida salvo por la actuación de Matthew McConaughey. El director es Stephen Gaghan, cuyo anterior trabajo queda ya once años atrás, Syriana, un exótico thriller basado en hechos reales que recogió muchos elogios por entonces. En esta ocasión vuelve a las historias reales, aunque no desvelaré nada por si quieren disfrutar de la película y luego conocer los hechos por su cuenta. Gaghan no se encarga esta vez de escribir el guion, la tarea queda para un dúo de guionistas no especialmente talentoso, Patrick Massett y John Zinman (Knight Rider 2008, Lara Croft: Tomb Raider). Por último tenemos a Matthew McConaughey a la cabeza y un reparto de secundarios bastante jugoso, entre ellos: Edgar Ramirez, Bryce Dallas Howard, Corey Stoll, Toby Kebbell, Bruce Greenwood y Stacy Keach. Veamos si en este caso es oro lo que reluce o el título español es una prevención para que no nos saquen los cuartos.

Crítica de "El fundador"

-La primera y convencional hora hace deslucir la inesperada mordacidad crítica de la segunda. Pero si superponemos ambas partes surge una película fascinante.

-Michael Keaton ofrece una estupenda interpretación del fundador de una idea contradictoria y escalofriante convertida en un imperio multimillonario coronado por dos hipócritas arcos dorados.

Seguro que mientras alguno de vosotros lee esta crítica se está zampando un Big Mac, quizás pensando en un McPollo con unas deliciosas patatas deluxe. Perfecto, porque vamos a hablar de esta curiosa propuesta que a priori parece ser una cinta biográfica sobre el fundador de McDonald's. O más bien sobre el tipo que robó la idea multimillonaria mediante la perseverancia y una falsa sonrisa de oreja a oreja y la convirtió en todo lo que es a día de hoy, interpretación que dejo a sus sabios paladares y valores personales. Ahora mismo lo que le toca a servidor es hablar de la trinidad principal que firma esta película. En primer lugar la cara protagonista, Michael Keaton, ese actor renacido de la forma más gamberra posible y que vuelve a demostrar estar en plena forma. Después las manos que escriben el texto, las de Robert D. Siegel, guionista de títulos tan dispares -entre si- como Warrior, Turbo y Big Fan (con la que debutó en la dirección). Por último, el que ostenta la silla de dirección, John Lee Hancock. Ese correcto director de encargo que entrega un filme cada cuatro años aproximadamente. Bien, ya tenemos suficiente información para asomarnos a nuestro cine más cercano y ver de qué va todo ésto, les cuento.

Crítica de "Doña Clara" (Aquarius)

-Enérgica radiografía social y delicado prisma observacional sobre la dicotomía tiempo-espacio y su relación con la identidad en base al estudio de un personaje maravilloso.

-Sonia Braga completa una de las mejores interpretaciones del año, sencillamente inmensa.

Llevaba bastante tiempo con esta película apuntada en la lista de pendientes de 2016. Había leído cosas muy buenas sobre ella y además el anterior trabajo del director, Sonidos del barrio, fue fruto de mi interés, en especial por lo mucho que tenía que decir. El director y guionista tras estas dos películas se llama Kleber Mendonça Filho, y parece que vuelve a tener mucho que decirnos con este largometraje. Es curioso que el título de este nuevo filme cambie tanto, aparentemente, en la traducción de nuestro país. El título original es Aquarius, el edificio dónde transcurre la película, mientras que en España la película se titula Doña Clara, nombre de la protagonista a la que da vida Sonia Braga. Ambos personajes, edificio y mujer, forman parte el uno del otro. De eso precisamente trata esta película.

Crítica de "Kong: Skull Island"

-Uno de los mejores blockbusters de los últimos años. Es inteligente, hermoso, atrevido y peligrosamente divertido.

-Los problemas de guion no son capaces de impedir que el viaje sea un auténtico disfrute cinéfilo. Cualquier "pero" se queda pequeño comparado con Kong, el auténtico rey de los monstruos.

Jordan Vogt-Roberts es un director estadounidense que iba a encargarse de la adaptación al cine de la famosa saga de videojuegos Metal Gear Solid. La verdad es que no sé como lleva esa tarea completamente imposible, pero tampoco entendía muy bien la decisión. La razón, su único largo hasta ahora era un interesante drama independiente sobre la adolescencia, titulado The Kings of Summer. Cuando la vi me sorprendió bastante. Era fácil encariñarse con aquellos personajes que huían para crecer por si mismos, su humor era tan extraño como cautivador y las influencias del director eran sofisticadas. Aún así, saltar de ahí hacia la adaptación de MGS, un thriller de ciencia ficción inabarcable y en el terreno maldito de las adaptaciones del videojuego; algo peculiar. Sea como fuere su nuevo proyecto me despistó más o menos por igual. Se iba a encargar nada más y nada menos que de una precuela de mi amado King Kong. A priori no es un momento nada malo, pues se está apostando bastante por el género Kaiju Eiga, aunque personalmente creo que no se está profundizando bien en él. Hace ya 12 años desde que Peter Jackson cumpliera su sueño de la infancia de revivir a Kong para el celuloide, con aquella desproporcionada aventura de 190 minutos que tan pronto me hechizaba como me fatigaba. Ahora Warner Bros nos lo trae de vuelta, más grande, con guion de Dan Gilroy (Nightcrawler) y Max Borenstein (Godzilla 2014), y un reparto coral muy potente en el que podemos encontrar a: Tom Hiddleston, Brie Larson, Samuel L. Jackson, John Goodman, John C. Reilly y Toby Kebbell. Pero que quede una cosa bien clara, Kong es el verdadero rey de la función.

Crítica de "Logan"

-Insólita, robusta, triste, desgarradora y brutal. Esta es la película de Wolverine que estabais esperando.

-Stewart y Jackman dejan sus papeles por todo lo alto, Mangold se gana el aplauso y Dafne Keen da la sorpresa.

Hace 17 años entramos en este siglo XXI y se dio el pistoletazo de salida a un género que ahora mismo está claramente sobreexplotado. El cine de superhéroes empezó a pisar fuerte con X-Men (2000) de Bryan Singer. Ahora cada día tenemos más y más producciones de presupuestos desmesurados, incluso la televisión se ha hecho eco durante estos últimos años. La saga mutante también ha ido cambiando y creciendo, al menos hasta un tope, pues Apocalypse fue un desastre bastante grande. Además de sus películas grupales, nos ha ofrecido varios spin-off con el personaje de Wolverine a la cabeza. Del primero, Orígenes, se encargó Gavin Hood y fue una basura deleznable. En la secuela cogía el testigo James Mangold, que subió un poco el lamentable listón sin llegar ni de cerca al aprobado, pues era una secuela muy absurda. En esta tercera entrega vuelve Mangold a la silla de director, pero algo ha cambiado, algo muy importante. La aparición de Deadpool en la gran pantalla ha trastocado no solo la infancia de algunos críos con padres poco protectores, sino también el género. El mercenario bocazas de Ryan Reynolds fue todo un éxito y la película tiene el honor de ser la más taquillera de la historia con calificación R. Toda una declaración de intenciones sobre la posibilidad de hacer películas adultas sin perder público. Gracias a ese golpe sobre la mesa, Hugh Jackman abandona su papel de Logan con esta última entrega crepuscular y ultraviolenta; que nos muestra en la gran pantalla al Wolverine que llevo leyendo desde crío, un antihéroe que ya es leyenda.

Crítica de "El viajante"

-Una película que sorprende y se pliega en cada nueva escena, cambiando nuestro punto de vista. Te absorbe, te perturba y te hace reflexionar.

-Aunque lejos de las mejores obras de Farhadi, estamos ante un inteligente y minucioso drama social; repleto de contrastes, reflejos y simbolismos fascinantes.

Es una pena no haber visto esta nueva película de Asghar Farhadi antes de la ceremonia de los Oscar. En vez de llevarme un chasco por la derrota de Toni Erdmann o quejarme por el olvido de la imborrable Elle, habría aplaudido un premio en absoluto desmerecido. Porque el cineasta iraní regresa a algunos temas que ha tratado con anterioridad, y lo hace con una fuerza notoria. Para ello se sirve de la famosa obra teatral del dramaturgo Arthur Miller, Muerte de un viajante. La película de Farhadi empieza con un intenso prólogo en el que los residentes deben abandonar su edificio a toda prisa, debido a la posibilidad de que éste se derrumbe. Puro caos filmado por una cámara en constante movimiento y zarandeo, que nos muestra como último plano de la escena, un cristal resquebrajado, metáfora perfecta de lo que viene a continuación.

Crítica de "Trainspotting 2"

-Si eres fan, deja de leer y entra de cabeza en ese váter escocés. En lugar de heroína encontrarás supositorios de opio, pero la experiencia no es desagradable.

-Prepara la vena para chutarte un viajecito de nostalgia. Súbete al tren de Boyle y disfruta, la única consecuencia es la decepción.

Sí, yo también fui un adolescente que quedó fascinado por aquel chute narcótico y electrizante de cine que fue Trainspotting de Danny Boyle. Me encariñé con aquellos cínicos personajes que no elegían la vida porque nadie lo haría teniendo heroína. Con aquella cámara centelleante, aquella mezcla de humor chusco y descorazonadora tragedia, aquel imborrable repertorio de canciones con Iggy Pop a la cabeza, aquel honesto retrato del mundo de la droga sin aleccionamientos innecesarios. Durante algún tiempo, la adaptación de la novela de Irvine Welsh fue uno de mis filmes de referencia. No obstante, hace tiempo que di el salto hacia lo que la sociedad denomina “madurez”, una fase que también atravesé cinematográficamente hablando. Después de eso pude visionar esa notable obra de una forma más analítica, y desde entonces no he dejado de hacerlo, pues prácticamente no ha envejecido y sigue siendo una de las mejores películas de su temática. Ahora resulta que también han madurado, más o menos, los personajes de aquella historia. Porque Danny Boyle y el guionista John Hodge, deciden volver a traerlos a la gran pantalla tras 20 años. ¿Nos apuntamos a otra fiesta?

Los Oscar (89ª Edición)

Apenas en un parpadeo el tiempo ha pasado y volvemos a estar a unos pocos días de una de las ceremonias de premios más importantes y legendarias del planeta. Una ceremonia que une a millones de personas delante del televisor -o del ordenador- hasta unas horas inconfesables para rememorar y galardonar otro año de cine. Aunque los “Blogos de Oro” molan mucho más, me estoy refiriendo a los Oscar. Como cada año hemos dejado atrás una interminable lista de festivales (Toronto, Sitges, Berlín, Venecia, etc), galardones de Asociaciones (de críticos, actores, directores, guionistas, productores, etc), premios que son fuente de conjeturas de cara a los Oscar (“Globos de Oro”, “Bafta”, "César") e incluso nuestros apreciados Goya. Al final de la temporada de premios siempre está la carrera por los Oscar, con un aparatoso cartel de “meta”. Personalmente considero estos premios un politiqueo barato que tiene en cuenta todo menos las virtudes reales de las producciones y las personas que trabajan en ellas, pero ya desde pequeño verlos se convirtió en tradición. Y vale, también me gusta observar cual “voyeour”, como la gente de las redes sociales se enfurece criticando los vestidos de los famosos hasta niveles que demuestran nuestra necesidad de evolucionar. Ahora en serio, continúo hablando de estos premios casi centenarios otorgados por la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas en reconocimiento de los profesionales de la industria cinematográfica.

Crítica de "Fences"

-Aunque puede ser una película fiera y conmovedora en algunos tramos, no consigue librarse del lugar que le corresponde, el teatro. El texto es puramente teatral y la puesta en escena en plana.

-Es un trabajo admirable que no está nada bien enfocado. Se siente largo y algo fatigoso, pero los intérpretes lo sacan adelante cada vez que parece perdido.

Esta es la tercera película de Denzel Washington como director. En 2002 estrenó su ópera prima, Antwone Fisher, un sólido drama en el que ya dirigió a Viola Davis. Cinco años después llegaba a carteleras The Great Debaters, otro drama de admirables ambiciones, aunque con unos cuantos peros y dudosas decisiones, con el que optó al Globo de Oro. Ahora se mete de lleno en la carrera de los Oscar con su tercer largometraje, el cual lleva intentando sacar adelante bastante tiempo. Más concretamente desde que en 2010 protagonizara junto a Viola Davis la obra homónima ganadora del premio Pulitzer y escrita por August Wilson, que intenta mudar al medio cinematográfico en esta ocasión. De aquella, ambos actores recibieron el premio Tony por sus interpretaciones, y ahora que retoman los mismos papeles, ambos optan a alzarse con el preciado Oscar. Está claro que el filme se beneficia de que Washington se conozca la obra y a su personaje de memoria, pero incluso con esa ventaja, conseguir que la obra funcione en el cambio de medio, es una tarea harto complicada.